MuroTRON | T E A T R O N

Roland mon amour

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17-09-2025

Cris Balboa – 20 de setembro no Teatro Rosalía de Castro

Imaxinade que estou en escena soa co meu sinte e estou acojonada. En realidade, fago dunha tía moi nerviosa que se vai enfrontar a algo moi heavy. Non hai nada heavy na miña selección musical, pero intento ser un pouco punkarra porque iso sempre é aplaudido nas performances. Penso no punki e só vexo ao tipo con cresta que sempre se me quedaba mirando no Maycar. Estou en escena soa sen cresta e querendo que a xente diga: esta tía é moi punki. Os punkis que coñecín non reciclaban, tiraban os pitillos ao chan e levaban pantalóns apertados con cadeas.

A min gústanme os pantalóns folgados tipo slouchy e reciclo ata a miña regra, así que renuncio definitivamente a ser punki. Imaxinade que empezo escusándome como cando vas falar en inglés e dis sorry for my English, porque isto que me propoño é moi difícil. Entón, imaxinade que eu o sei e que vós tamén o sabedes, pero todas somos moi educadas e asumimos que pode darse o acontecemento, e desexamos que suceda algo e que non nos entre o sono.

Obxectivo principal: que a miña audiencia non se durma. Entón podo optar por facer algo entretido, para que o meu público non se durma ou podo xerar un ritmo frenético ata incluso crearlles certa ansiedade. Isto último non é un desexo moi nobre para unha artista que se considera hedonista e que só quere facer que a xente o pase ben. O obxectivo podería ser que o público saíse de verme con ganas de bailar e iso xa me gusta máis. Que digan: saín de ver a movida esa de Roland mon amour con ganas de partir a pana e superconcienciada.

Máis información e entradas.

L’Internacional: Un Sandvitx Arqueològic de Barcelona

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17-09-2025

Almuerzo free software

3 i 4 d’octubre

Per la inauguració de la Temporada 2025-26 de la Fundació Joan Brossa, Liminal i Laia Fabre presenten L’Internacional: Un Sandvitx Arqueològic de Barcelona. Si Antoni Miralda i Montse Guillén van portar Catalunya a Nova York a través de l’Internacional, aquest sandvitx arqueològic porta Nova York a Catalunya a través de Miralda i Guillén. Durant dues nits, la Brossa reviurà l’icònic restaurant de la Tribeca dels anys vuitanta, un espai gastronòmic experimental on convivien i se celebraven tota mena de rituals, festes i excentricitats. Entre un altar de bacallans deshidratats, una sirena de la bona sort i una làmpada de llagosta tenien lloc trobades de bessons pel dia dels enamorats, desfilades musicals i, fins i tot, una olimpíada del porró a cegues.

Valentina Córdoba Balcells i Jana Soler Libran són investigadores, escriptores i artistes vivint i treballant entre Barcelona i Nova York. Juntes han fundat Liminal, un projecte artístic que explora la dimensió cultural, identitària i ritual del menjar. A través d’àpats performatius, instal·lacions, artefactes audiovisuals i textos literaris, utilitzen el menjar com a eina d’investigació i reflexió col·lectiva. Algunes de les seves obres inclouen El Banquet (2023, La Dionisíaca), Ceci est le goût de mes rêves (2023, Fundació Miró), Els hostes (2023, El Corralito), Collective Food Archival Creation (2024, Columbia University), Receptari en Diferit (2024, La Bonne) i Si dins el mercat hi creix una muntanya (2024, Biennal Manifesta).

Laia Fabre, nascuda a Barcelona, és una artista multidisciplinar que viu a Viena. Es va formar a la BAU Universitat de Disseny i Art de Barcelona i amb Dorit Margreiter a l’Acadèmia de Belles Arts de Viena. Fabre treballa amb la performance, el vídeo, la coreografía, el dibuix i la pintura. La seva pràctica artística diversa irradia un esperit desinhibit, espontani i carregat d’energia, i revela els hàbits i estereotips del seu entorn. És irònica, sorollosa i utilitza un discurs humorístic que situa el quotidià com a escenari principal. En la seva obra, el missatge és més important que la tècnica: tot serveix per posar el dit a la nafra dels problemes i contradiccions del món que habitem.

Més informació i entrades.

Festival Desfoga 2025

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16-09-2025

Actividades paralelas

Sense esquerda no hi ha punt de llum

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16-09-2025

exposición y cuatro actos en varios formatos

Del 9 al 25 de octubre en Arts Santa Mònica

Artistas:
Sofía Archer, Lu Chieregati, Efe Ce Ele, Lucía Egaña Rojas, Sergio Fausttini, João Fiadeiro, Núria Güell, Jokkoo Collective, Bruna Kury, Márcia Lança, Las Mediocre, Xavier Manubens, Manicure, Merci Xula, Jorge Nieto, Calixto Neto, Norma Pérez, Daniel Pizamiglio, Puzzlemania, Mar Reykjavik, Victor Ruiz Colomer, Serrucho, Leticia Skrycky, Tres Peons y Mónica Valenciano

Mesa curatorial:
Tomas Aragay, Sofía Asencio, Carolina Campos y Sara Manubens.

El ladrillo cultural impone una mirada única para un espectador único. Este punto de vista obligatorio es violentamente culto. El acontecimiento no puede ocurrir en estas circunstancias. Esta exposición suaviza los márgenes, desdibuja las líneas divisorias, genera un lugar donde van pasando cosas. Hay un estudio de artistas en la planta de arriba, una sala de exposiciones en la planta del medio y un espacio vacío en la planta de abajo. La planta de abajo parece una sala polivalente, versátil, adaptable a cualquier ficción o suceso, una sala desalmadamente sexy, hospitalaria, retráctil y lista para ser usada.

Normalmente, hay un teatro muy grande en el centro de la ciudad. Es un teatro para las bellas artes y solo las obras de máxima calidad y rigor se exhiben allí. Y, también normalmente, hay otros teatros más pequeños, aledaños y periféricos, adecuados para las bajas pasiones. Son malas copias del primero y también sus artistas, que son mediocres y vulgares. Usan postizos y micrófonos, no saben lo que hacen.

Si los niveles de atención son múltiples, los cuerpos también deben serlo. Hay una persona mirando fijamente un punto de luz sobre la pared, que se mueve de forma casi imperceptible. A su lado, otra persona mira hacia arriba porque hay una grieta en el techo. “Sin la grieta no habría punto de luz”, comentan. En ese momento suenan unas trompetas, parece que el sonido llega por detrás. Al darse la vuelta, descubren que su pelo ha crecido tomando la forma de animales y, ahora, una nube amenaza con romper aguas encima de ellos. No se lo dicen, pero quieren volver.

Una trama inesperada y un tanto deslocalizada, un desvío político, un imprevisto. Una trama a diferentes escalas, grandilocuentes y minúsculas. Personas que producen las tramas, que las montan y las desmontan, que las anuncian. Y también, la posibilidad de entrar en las tramas, alentarlas, sacudirlas y luego contarlas. Manosear lo que va ocurriendo. Y, con todo, aparece la imposibilidad de relatar lo que pasó.

El acontecimiento es gaseoso, no se puede agarrar. El acontecimiento es flexible y subjetivo, es laxante, depurativo, miraculoso. Aparece por sorpresa, delante de ti, cuando menos te lo esperas. Es prácticamente atmosférico: depende de los grados de humedad en un ambiente. Y en Barcelona hay mucha humedad. Una ciudad higiénicamente remojada de acontecimientos.

¿En qué condiciones aparece un acontecimiento? ¿Hay intimidad en el acontecimiento? ¿A cuánta distancia de lo que ocurre está mi cuerpo? ¿El acontecimiento somos nosotras?

Más información y programa completo.

Risa Caníbal / Riure Caníbal

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15-09-2025

Almuerzo free software

Las Huecas – Del 10 de octubre el 9 de noviembre en el CDN

Sobre el espectáculo

Risa caníbal / Riure caníbal es una pieza a medio camino entre la tragicomedia, el thriller de terror psicológico y la sátira política. La acción se sitúa en la sala de espera de una convención de líderes de la ultra derecha europea. En ella, los personajes se quedarán encerrados por motivos carentes de toda lógica. Es el humor que, como un dios enfurecido o como un ángel exterminador, ejecutará sus estrategias para producir la degradación paulatina de los personajes, empujándolos al ridículo, al paroxismo y, finalmente, a su propia destrucción.

Nota de las autoras y directoras

Es indudable que estamos ante un auge reaccionario en toda Europa y en el norte global. La normalización de discursos ultraconservadores, racistas, islamófobos, machistas y tecnofeudalistas inundan los medios, las redes sociales y los parlamentos. Ante este panorama, Las Huecas creemos que el teatro debe ser una herramienta de resistencia cultural, así pues, es en el teatro donde denunciamos una usurpación laboral intolerable; la ultraderecha hace uso del espectáculo, del posthumor y de la ficción en sus formas de comunicación y divulgación para ganar terreno y dominar la agenda política. Por eso nosotras, las comediantes, respondemos con un ejercicio de reivindicación del humor como arma antifascista y antidogmática. Para ello, utilizaremos una teatralidad extrañada, donde importa la potencia visual y el juego entre las convenciones de la comedia y los lugares comunes del terror psicológico, haciendo uso de una forma teatral que llamamos metaclown directo, un ejercicio cómico que opera mediante la fragmentación de la máscara, la parodia degradada, el cuerpo grotesco y la caricatura surrealista.

Las Huecas

Las Huecas es un colectivo escénico formado por las creadoras y actrices Júlia Barbany, Núria Corominas y Andrea Pellejero. Tras el éxito de Aquellas que no han de morir, estrenan en Temporada Alta De l’amistat (Premio TimeOut 2025 mejor espectáculo), haciendo temporada en la sala Beckett durante la temporada 23-24, siendo un éxito de crítica y público. Con casi diez años de recorrido girando por festivales independientes y salas de la península, Las Huecas se consolida como una compañía con una estética y lenguaje propios, que apuesta por el juego libre de las teatralidades contemporáneas, siempre bajo el signo del humor, la sátira, la parodia y el absurdo.

Comenzaron su trayectoria en 2016, y desde entonces han creado numerosas piezas, representaciones y otros proyectos. Trabajan juntas como un equipo, con un liderazgo rotativo, lo que significa que todas se turnan para dirigir y crear en escena. Esta forma de trabajar genera una estética difícil de definir, una mezcla de sus estilos, casi como un «Frankenstein» hecho por todas ellas. Les gusta combinar el teatro europeo contemporáneo con la comedia y la sátira catalana.

Más información y entradas.

Una creación de

Colectivo Las Huecas

Texto y dirección

Júlia Barbany, Núria Corominas y Andrea Pellejero

Reparto

Sofía Asencio, Júlia Barbany, Núria Corominas, Judit Martín y Andrea Pellejero

Escenografía

Marta Lofi

Iluminación

Ana Rovira

Vestuario, utilería y efectos especiales

Oriol Corral

Caracterización

Núria Isem

Espacio sonoro

Adrià Girona

Dirección técnica

Sofía A. Martori

Construcción de diorama

Miquel Grima

Construcción de máscaras

Dani García

Traducción de sobretítulos

Joël Beltrán

Asesoramiento

Proyecto Una

Producción ejecutiva

Rut Girona

Ayudante de producción y dirección

Rita Capella i Margarit

Producción

Centro Dramático Nacional, Teatre Lliure, Monte Isla, el Convent de les Arts d’Alcover y Las Huecas

Colaboración

Con el apoyo de La Infinita de L’Hospitalet, La Cremallera, La Mansió – El Pumarejo, Espai Nyam Nyam, Fàbrica de Creació Fabra i Coats y Nau Ivanow.

Oasis of Serenity

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12-09-2025

Coreografía 45 horas

20 de septiembre en el TEA

La coreógrafa, bailarina, docente y DJ, Laura Ramírez Ashbaugh, presenta el sábado (día 20), a las 19:00 horas, en el museo TEA Tenerife Espacio de las Artes Oasis of Serenity. Este trabajo, explica la artista, es una colisión de visiones místicas y cinematográficas, atravesada por corrientes químicas, donde el cuerpo existe en un estado de crisis constante. No hay narrativa, solo sensaciones. A través de esta pieza Ramírez Ashbaugh explora el cuerpo en un estado de crisis química y anatómica, abrumado por la imaginería grotesca del mundo exterior e investiga sobre la potencialidad de los estados físicos y las visiones místicas.

Esta acción forma parte del programa público de artes vivas Por Asalto -espacio de experimentación, convergencia y encuentro transdisciplinar- curado por Sabela Mendoza, Mari Paula, Masu Fajardo y Javier Arozena. La entrada para asistir a esta actividad es libre y gratuita.

Oasis of Serenity es una colisión de visiones místicas y cinematográficas, atravesada por corrientes químicas, donde el cuerpo existe en un estado de crisis constante. No hay narrativa, solo sensaciones. Hormonas como la adrenalina y el cortisol conducen una práctica visual destinada a ser encarnada, no vista. La mirada parpadea; un cine caótico se despliega en la pupila. El cuerpo se disuelve, se reconfigura y pulsa al ritmo de las emociones. Este es un espacio umbral —místico, físico— donde el éxtasis, la práctica y la transformación coexisten. El mundo atraviesa el cuerpo en tiempo real, desbordando la comprensión. El corazón se acelera, espera —siempre al borde de la llegada.

Oasis of Serenity explora el cuerpo en un estado de crisis química y anatómica, abrumado por la imaginería grotesca del mundo exterior. En Oasis of Serenity, investigo sobre la potencialidad de los estados físicos y las visiones místicas. Pero, este cuerpo no es fijo: parpadea, se disuelve y reconfigura, mientras un mundo de imágenes entra en el cuerpo en tiempo real. Oasis of Serenity no busca un cierre sino una continuación, una apertura hacia lo desconocido, un espacio donde la práctica, el éxtasis y la transformación coexisten, siempre al borde de la llegada.

Más información.

Internet Core: Pequeñas Mitologías

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10-09-2025

Uncategorized

24 y 25 de septiembre en Medialab

Internet Core: pequeñas mitologías es un portal tribal hacia un espacio de cruce, reflexión crítica y acción colectiva en torno a las estéticas y subculturas de Internet. En este encuentro de dos días, compartiremos experiencias sobre cores que emergen como formas de resistencia dentro de las redes sociales comerciales y que convergen con dinámicas desarrolladas en espacios oscuros y profundos de la web. El evento reunirá a artistas, usuarixs, agentes culturales y teóricxs, e incluirá charlas, performances y mesas de diálogo con el anhelo de impulsar una unidad de investigación artística de la condición Internet Core y evitar el aislamiento programático de las plataformas.

La condición Internet Core surge desde la perspectiva de nativxs digitales, del presente distópico y del cuestionamiento profundo de las estructuras binarias -digital/físico, real/virtual, humano/máquina, material/immaterial-. En un presente en línea puramente corporativo dominado por empresas privadas que respaldan dinámicas preocupantes, Internet Core emerge como una respuesta desde la práctica artística que saca a la luz distintos modos de estar en línea. Por otro lado, desde una revisión cronológica, esta condición pone en la mesa perspectivas y posturas críticas de la etiqueta “post-internet”, cuyo intento por disolver las fronteras entre disciplinas artísticas, terminó consolidando un listado concreto de artistas privilegiadxs.

En el encuentro de los días 24 y 25 de septiembre, recrearemos nuestras pequeñas mitologías alrededor de una hoguera post-digital, narrando relatos personales, y compartiendo emociones y reflexiones de nuestra actividad en línea. A través de identidades hiper-específicas, fandom, shitposting, cores, AI slop y archivos de imágenes inspiracionales, encontraremos significantes de este presente a pequeña escala.

IC llevó a cabo su primera edición “Internet Core. Estéticas del desastre digital” el 3 y 4 de abril de 2025 organizada por Diana Millán, Ezequiel Soriano, y Geert Lovink en Santa Mònica y Hangar, Barcelona.

Participan: Netsequé, Laura Paloma, Mariem Iman, Gabriele de Seta, The Void, Voidsent, Ambientador.exe, Leah J. Liu, Andrés C. Sacristán, Kafheina, Héctor Fuertes,

Organización: Medialab Matadero y Nigredo.tv.
Coordinación: Diana Millán y Ezequiel Soriano.
Colabora: Institute of Network Cultures (HvA), DeVisiones (UAM), Mediaccions (UOC).
Website: networkcultures.org/internetcore
Imagen: @4nd7ro
Relatoría: Jardines Vallados + @ivanmcgill

Fecha: 24-25 de septiembre de 18:00 a 22:00h
Ubicación: Nave una, Medialab Matadero
Idioma: Español e inglés
Acceso libre hasta completar aforo

Programa

⁺˚⋆｡°✩24 de septiembre de 2025₊✩°｡⋆˚⁺

18:00 Apertura
Apertura por parte de lxs coordinadorxs (Diana Millán y Ezequiel Soriano).

18:15 Ponencia de Ezequiel Soriano
Ezequiel Soriano es antropólogo y artista interesado en la oralidad, la copia y la creatividad de las máquinas. A través de la experimentación textual y la etnografía, paraticipa de una creatividad ordinaria, dispersa y táctica vinculada al carnaval medieval y posdigital.
En esta ponencia, propondrá una lectura de los cores desde la memética, el aceleracionismo y el criollismo maquínico. Articulando líneas de pensamiento en táctica memética, teorías de los los Dark Forest de Internet y desbordamientos creativos de las inteligencias artificiales, ofrecerá una visión antropológica de las estéticas digitales.

18:35 Ponencia de Gabriele de Seta en inglés y subtítulos en español
Gabriele de Seta is, technically, a sociologist. He is a Researcher at the University of Bergen, where he leads the ALGOFOLK project (“Algorithmic folklore: The mutual shaping of vernacular creativity and automation”) funded by a Trond Mohn Foundation Starting Grant (2024-2028). He writes about memes, deepfakes, and whatever we mean by “AI”. // Gabriele de Seta es, técnicamente, un sociólogo. Investiga en la Universidad de Bergen, donde dirige el proyecto ALGOFOLK («Folclore algorítmico: La mutua configuración de la creatividad vernácula y la automatización»), financiado por una beca de la Fundación Trond Mohn (2024-2028). Escribe sobre memes, deepfakes y todo lo que entendemos por «IA».

19:20 Preguntas

19:30 Descanso (10 minutos)

19:40 Conversación con Netsequé y THE VOID
Los miembros fundadores de NETSEQUÉ (cementerio de pixels + doltxe gabbana) emprenden un intento de formalización: se abre una conversación distendida sobre qué es NETSEQUÉ, qué forma adopta su entramado y la evolución que ha mostrado hasta ahora. Mientras se ponen sobre la mesa los nichos y problemáticas que emergen al habitar Internet de una forma consciente (tribus urbanas digitales, dark forest, webdiaries, glitch, descentralización…), celebraremos una JamHTML en directo en la que podrán participar lxs asistentes en sala y todxs lxs navegantes de internet de forma telemática.
THE VOID (T.V.) es un proyecto de investigación sobre vídeo táctico y un espacio de publicación audiovisual para la investigación basada en la práctica con sede en el Instituto de Culturas en Red. Formado por Tommaso Campagna, Giulia Timis y Jordi Viader. https://networkcultures.org/void/

20:40 Preguntas

20:50 Descanso (10 minutos)

21:00 Send this to your crush right now de Mariem Iman y Laura Paloma.
La persona que te envía esto quiere que sepas… La persona que te envía esto quiere que sepas… La persona que te envía esto quiere que sepas… que eres muy cUuuuuuuuuuuuUuute :-* que eres muy cUuuuuuuuuuuuUuute :-* que eres muy cUuuuuuuuuuuuUuute :-* Send this to your crush right now es una acción performática de Laura Paloma y Mariem Imán, en la que usando prompts, capturas, visionados o escritura en directo, se recrean en declaraciones de amor acompañadas por un mix musical hyperpop mezclado por Ane Berganza. Moviéndose por diferentes interfaces de escritura y lectura, ellas escriben de oído, con, contra y como la máquina. Entre el archivo, la transcripción, la poesía y el pantallazo ejecutan un despliegue de formas en las que circulan los afectos en las interacciones digitales.

22:00 Cierre

⁺˚⋆｡°✩25 de septiembre de 2025₊✩°｡⋆˚⁺

18:00 Apertura.
Apertura por parte de lxs coordinadorxs (Diana Millán y Ezequiel Soriano).

18:05 Ponencia de Diana Millán aka F̵̦̉́ꫀꪖ᥅ꪶꫀᦓᦓᦔ꠸ꪖꪀꫀ “Introducción a la teoría Internet Core”.
Dentro del marco de laboratorio 4, Futuros Raros, Diana abrirá una navegación de términos, reels, substacks, blogs, publicaciones de Mastodon, grupos de Discord, citas bibliográficas y preguntas abiertas para darnos algunas claves de lo que denomina la Teoría Internet Core.
En el contexto actual, donde las redes sociales dominan la circulación artística, la ponencia argumentará que el arte post-internet debe enfrentarse a sus propias críticas y dar pie a un arte contemporáneo creado por una generación deslocalizada y nativa de la Web 2.0, que aporta una serie de estrategias dentro de las redes comerciales y refuerzos de la colectividad desde los “bosques oscuros”.
En este marco, la obra se convierte en un “core”: en un producto propio de las plataformas y comunidades contraculturales específicas en línea. El papel del artista resulta crucial, ya que actuaría como un traductor que descifra el significado detrás de cada estética, guiándonos de vuelta al núcleo de Internet.

18:25 Ponencia de Andrés Cuesta Sacristán.
Desde su propio trabajo artístico y su archivo, hablará sobre la naturaleza y el imaginario común de Internet, las corrientes que emergen de su interior, el concepto de “new aesthetic” y las configuraciones estéticas formadas al mirar el mundo a través de la red. Igualmente, abordará el paso de lo nicho a los cores y cómo la web ha transitado de ser una plataforma introspectiva a un espacio en el que debemos resistir la pérdida de agencia y auto-significación en nuestros jardines etéreos.

18:40 Ponencia de Leah J. Liu.
Partiendo de una pregunta íntima y fragmentada, Leah, artista e investigadora predoctoral, se pregunta: ¿quién soy yo en la era post-internet? A través de sus propias imágenes generadas con IA —mujeres asiáticas que se parecen demasiado a ella pero que no lo son— habla de una identidad diluida, reconstruida y obsesionada con su propia imagen. Desde ahí, pasa al plano colectivo: la nostalgia digital como un síntoma de desorientación. Esta nostalgia no es un simple retorno al pasado, sino una forma de preguntar: ¿dónde estamos? ¿Estamos entre lo virtual y lo físico, entre lo vivido y lo imaginado, o entre la presencia y la pérdida? La intervención propone pensar la belleza de esa pérdida —la de lugar, de forma, de certeza— como uno de los lenguajes esenciales de la estética de internet.

18:55 Preguntas

19:15 Ponencia de Kafheina.
Kafhi (más conocida como @Kafheiina), relatará con humor y autenticidad su decisión de abrazar el rol de creadora de contenido, una identidad que encontró de forma natural al descubrir en Internet el refugio definitivo para su espíritu friki. Explicará cómo esta red se convirtió en el ecosistema perfecto donde su coleccionismo obsesivo de flugers —peluches de culto de dudosa procedencia y valor incalculable para los iniciados— trascendió la mera acumulación para convertirse en la piedra angular de un proyecto vital. Esta intervención será una defensa a hacer cosas frikis para que otros frikis puedan frikear viendo sus tonterías, y sobre todo para recordarle al mundo que los frikis vinieron para quedarse. “Frikismo a tope” ≽^•⩊•^≼.

19:30 Preguntas

19:35 Descanso (15 minutos)

19:50 Conversación de Héctor Fuertes moderada por Zony Gómez + preguntas del público
Mostrará parte de los resultados obtenidos durante su paso por el programa de residencias 28044/30439 de Nigredo.tv, el espacio independiente organizador del evento junto a Matadero-Medialab. A lo largo de un mes, junto a varios tutores, desarrolló su proyecto en paralelo entre Madrid y Cehegín (Murcia). Héctor Fuertes, bailarín y artista, nos compartirá su investigación y los hallazgos a partir de entrevistas. Nos adentrará en la relación entre dos figuras arquetípicas: el ídolo pop y el fan. Su práctica se centra en la dimensión casi mística de este vínculo, la asimetría de poder que los separa y la constante retroalimentación entre ambos.

20:10 Conversación de los colectivos Voidsent y Ambientador moderada por Diana Millán
Espacio de encuentro para dialogar, compartir y contrastar experiencias de ambos colectivos. Se abordará cómo ciertos nichos de Internet desbordan en clubs nocturnos a través del hardcore experimental, el sound battelfield, el nightnoise, el knightcore, el emocore o el hardfantasy.
VOIDSENT es un colectivo que funciona como una red simbiótica entre cuerpos, máquinas y monstruas, donde el horror vacui deviene en celebración y el exceso en danza colectiva. Entre DJ sets —del hardcore al experimental—, performances y visuales, el colectivo crea espacios donde cuerpo, imagen y ritmo se potencian mutuamente. Sus encuentros apuestan por el maximalismo y el roleplaying como fuga frente a la edad oscura capitalista de control y alienación, proponiendo mundos alternativos.
Ambientador.exe. Ejecutable de bolsillo. Creadores de espacios de experimentación y delirio colectivo, un sueño lúcido un lugar de encuentro, a music battleground. Ambientador.exe es un regalo. Pero sobretodo es un Dragón híbrido mitad lancha, mitad fórmula 4, mitad avión.

20:30 Preguntas

20:45 Descanso (15 minutos)

21:00 Performances de Voidsent, Ambientador y Héctor Fuertes
La activación propone una fuga del streaming pasivo para forzar un nuevo uso del espacio de la Nave Una de Matadero. Se tejerá una red simbiótica donde los cuerpos de lxs asistentes se conectarán con las máquinas, las monstruas y el dragón híbrido ejecutable de bolsillo. Será un ejercicio de experimentación de imaginación radical: un sueño lúcido donde la comunidad se vuelve monstruosa para celebrar su existencia.

22:00 Cierre

Todo el evento estará retransmitido por The Void y será relatado por Jardines Vallados + Iván McGill

Más información.

Envoltura, historia y síncope

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10-09-2025

Baile

Isabel de Naverán – 29 de septiembre en EMEDEENE (Donostia)

Esta conferencia performativa ofrece un acceso a la investigación que Isabel de Naverán desarrolla desde 2016 en torno a la relación de los cuerpos con la gran Historia y a las historias llamadas menores de los gestos y movimientos en danza. Se trata de una acción que entreteje contenido y forma, revelando cómo la producción de conocimiento siempre se da en un lugar necesariamente situado y condicionado por sus materialidades intelectuales y sensibles.

SINOPSIS
Envoltura, historia y sincope ́ es el nombre de una zona de investigación de largo aliento que Isabel de Naverán desarrolla desde 2016 en torno a la relación de los cuerpos con la gran Historia y a las historias llamadas menores de los gestos y movimientos en danza. Envoltura, historia y sincope ́ es también un libro –publicado en la colección Letra Caniche de la editorial Caniche– que adopta la forma de conferencia performativa en la que los contenidos eá que acompañan el proyecto y que están presentes en el libro, se despliegan haciendo lugar a una situación de conexión en vivo de las imágenes, las palabras y los gestos. La conferencia performativa ofrece un acceso a la investigación desde la practica de las vinculaciones sensibles del material documental, de las anécdotas, observaciones, uniones y quiebros de los cuerpos e imágenes estudiados. Se trata de una acción que entreteje contenido y forma, revelando cómo la producción de conocimiento siempre se da en un lugar necesariamente situado y condicionado por sus materialidades intelectuales y sensibles.
18 de julio de 1936, Bayona. Tras conocer la noticia del alzamiento, Antonia Mercéy Luque, bailarina y bailaora española apodada la Argentina, en fatídica sintonía con la Segunda Republica, sufre un s íncope y muere. Tiene 46 a ́ ños. Se quiebra la historia y se quiebra la artista. Isabel de Naverán persigue, en estrecho diálogo con las imágenes, el eco de ese golpe, una convulsión individual que contiene, de forma representativa y simbólica, el dolor colectivo que se avecinaba y que ha resonado, en distintos momentos y de distintas maneras, a través de otros artistas, algunos tan aparentemente alejados como los japoneses Kazuo Ohno, que necesitó recuperar su danza cincuenta anos después de haberla visto bailar, Takao Kawaguchi, la bailaora Rocío Molina o la escritora Gertrude Stein. Envoltura, historia y sincope ́ no es una biografía de Antonia Merce, aunque no puede (ni quiere) huir de ella, porque su magnética figura articula este ensayo que se adentra en la transmisión —coreográfica y artística — de la memoria colectiva —cada cuerpo, en la danza, revela no solo un acervo cultural sino, sobre todo, el presente que lo afecta—. Pero la autora busca distanciarse de esa atracción icónica, de la fascinación que encierran su nombre y su baile, para proponer un recorrido afectivo que explore los caminos por los que el movimiento se transfiere de un cuerpo a otro. Bailar es siempre bailar otros cuerpos —asegura—, repetir y, al mismo tiempo, hacerse presente en la diferencia; ser capaz de interiorizar los movimientos de otros, de dejarse permear. Una capacidad extraordinaria que unía a la Argentina a otros artistas coetáneos como Federico García Lorca. Ambos fueron agentes activos de una escucha atenta hacia otros cuerpos y ambos sufrieron en el suyo propio las consecuencias del horizonte que se cerraba.

BIOGRAFIA ́
Isabel de Naverán (Getxo, 1976) investiga en el cruce entre el arte, la coreografía contemporánea y la performance en proyectos de curaduría, edición y escritura. La preocupación por el paso y el uso del tiempo subyace a sus investigaciones, centradas en la transmisión corporal y la revisión del concepto de tiempo histórico desde prácticas efímeras y fugitivas. Es doctora en Arte por la Universidad del País Vasco y forma parte del grupo de investigación Artea, en Madrid. En 2010 funda –junto con Beatriz Cavia, Miren Jaio y Leire Vergara– Bulegoa z/b, una oficina de arte y conocimiento situada en Bilbao, proyecto al que permanece vinculada hasta 2018. Ha sido curadora de danza y performance del Museo Reina Sofía, en Madrid (2017-2024) e investigadora asociada a Azkuna Zentroa, en Bilbao (2021-2023). Editora de las compilaciones Cuerpo y cinematografía (junto a José A. Sánchez 2008), Hacer Historia. Reflexiones desde la práctica de la danza (2010) y Lecturas sobre danza y coreografía (junto a Amparo Écija, 2013). Entre 2021 y 2022 publica los libros Envoltura, historia y síncope (Caniche editorial, 2021) y Ritual de duelo (consonni, primera edición 2022, segunda edición 2023) en lo que supone una fuerte apuesta por la escritura. En 2024 publica el libro coral La ola en la mente (Azkuna Zentroa, 2024, junto a cinco autoras –Lorea Alfaro, Marie Bardet, María García Ruiz, Raquel G. Ibáñez, Andrea Soto Calderón– a quienes invita a
conversar en torno a las relaciones entre trabajo, deseo y escritura. Ritual de duelo fue finalista de los Premios Finestres de Narrativa 2022 por su calidad, originalidad y audacia literaria; y finalista en los Premios Euskadi de Literatura 2023 en la modalidad de narrativa en castellano.

Más información y entradas.

Interval #1 en la estrechez de la curva, un cencerro

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08-09-2025

Danza

16 y 23 de septiembre en La Fabra

Martes 16 de septiembre

19 h Progress Barks (2022), de Rubén Grilo y Robert M. Ochshorn
Sesión de escucha e instalación expositiva, del 16 de septiembre al 5 de octubre.

20 h mebrat / መብራት (2025), de Misiker Agulló, Adrasha
B4MBA (Ismaël N’Diaye Pont), productor musical
30 minutos

Martes 23 de septiembre

19 h feed ♾️ back (2025), de Maguette Dieng
40 minutos

20 h end~~less~~ summer (2025), de Adam Christensen
45 minuts

El asfalto traza el sentido de lectura del lugar en una dirección. Desvía, de pronto, algo que suena a cencerro. Un destello que aparece en la atención aguda y dirigida del conducir. Unx podría pensar que el animal estaba perdido, pero el cencerro y el animal van a ritmo de pasto por los alrededores de la carretera.

en la estrechez de la curva, un cencerro es un programa dedicado a prácticas vinculadas al sonido. Atraviesa lo que pasa entre altavoz, lugar y cuerpo, implicando a todas las partes, y preguntándose para quién sirven y hacia dónde se dirigen estas estructuras que llamamos sistemas de sonido.

En sala —la planta baja del centro—, una disposición técnica permanece. Los sonidos que se escuchan, abruptos, proceden de la pieza de Rubén Grilo y Robert M. Ochshorn, Progress Barks, un sistema de altavoces que se pregunta qué hace una máquina cuando le enseñas a ladrar.

Podrá visitarse en un periodo extendido del 16 de septiembre al 5 de octubre. Participando como un bajo continuo de este montaje, se apartará y volverá, para que otros sonidos entren a través de los mismos altavoces y a pesar de ellos.

El día 16 de septiembre, Adrasha presentará su pieza mebrat / መብራት, en la que explora la figura del faro como guía y frontera. El 23 de septiembre, Maguette Dieng compartirá feed ♾️ back, una conversación entre voces y altavoces, y Adam Christensen nos acompañará con voz y acordeón en end~~less~~ summer.

Noela Covelo Velasco

Un intervalo es una pausa entre dos momentos, un tiempo suspendido en el que algo se detiene para que otra pueda empezar. En la música, el intervalo es la distancia entre dos notas; en el cine, el corte entre dos imágenes; y en un centro de arte, puede ser el espacio entre exposiciones: un momento en el que el espacio expositivo se vacía, pero donde todavía resuenan procesos, restos y memorias. Interval toma esta idea como punto de partida y como una oportunidad para desaprender y desprogramar los ritmos habituales de la institución, explorando nuevas formas de hacer, pensar y habitar el espacio expositivo.

Con Interval#1 ponemos el foco en la práctica de Noela Covelo Velasco, que explora la voz como materia, medio y espacio sonoro, en un recorrido cada vez más cercano a la composición coral. El proyecto traza una red de ecos y reverberaciones entre obras y agentes que sintonizan con su práctica. Durante dos noches y dos semanas, estas conexiones podrán experimentarse en La Fabra Centre d’Art Contemporani.

Noela Covelo Velasco (Pontevedra, 1994) es una artista que vincula su práctica a la voz como material y espacio, tomando cuerpo desde la composición sonora, las performances y los procesos colectivos. Ha expuesto recientemente en Generaciones 2025 de La Casa Encendida y en el MARCO de Vigo, y ha presentado sus performances en Jauna Muzika (Vilna, 2025), La Capella (Barcelona, 2024) y el CA2M (Madrid, 2023). Graduada en Diseño con especialización de Moda en ESDi y máster de Arte Sonoro en la Universidad de Barcelona, es cofundadora del entorno para la experimentación pedagógica c h o r o, con sede en Foc, y forma parte del grupo de trabajo de Ràdio Web MACBA.

Rubén Grilo (Lugo, 1981) es un artista que actualmente vive en Berlín. Su trabajo profundiza en el potencial del arte para explorar nuestra relación con la tecnología. Grilo ha mostrado su trabajo en Lo Pati – Centre d’Art Terres de l’Ebre, Amposta (2022); en CentroCentro, Madrid (2019); en ZKM Center for Art and Media, Karlsruhe (con Metaphysics, 2018); en Union Pacific, Londres (2016); en la 13 Bienal de Berlín (2016); en la Fundación Joan Miró, Barcelona (2015), y en CSS Bard, Nueva York (2011), entre otros lugares. Grilo ha recibido la beca de la Fundación Botín (2013) y ha sido residente en la Gasworks de Londres (2015) y en la Rijksakademie de Ámsterdam (2011-2012). Su primera monografía, Worn Not, fue publicada por Puente Editores en 2024.

Robert M. Ochshorn (California, 1987) es ingeniero de software, teórico cultural e investigador de medios, con base en Bruselas y Nueva York. Desarrolla interfaces digitales inusuales para observar y activar sonido, vídeo, tacto y lenguaje. Le interesa cómo las nuevas herramientas de comunicación posibilitan nuevas prácticas sociales, y viceversa. Ochshorn es cofundador y director ejecutivo de Reduct.Video.

Misiker Agulló, Adrasha (Addis Abeba, 1996), graduada en Relaciones Internacionales, es una artista multidisciplinar etíope afincada en Barcelona. Su práctica se inicia en la danza en Addis Abeba y evoluciona hacia una investigación sonora que conecta la música de club africana contemporánea con géneros híbridos como el gqom, el afropunk, el future dancehall y la electrónica experimental. Su proyecto mebrat / መብራት explora la figura del faro como símbolo de guía y frontera, traduciendo sus pulsos de luz en ritmos. A través de grabaciones de campo, poesía visual y archivos personales, articula paisajes sonoros que abordan desplazamientos, comunicación y pertenencia desde una perspectiva política y sensorial.

Maguette Dieng (Barcelona, 1988) es una DJ, productora y programadora musical que se dedica a la difusión musical y a la investigación sonora. La fuerza motivadora de su trabajo es reflexionar sobre la representación y la justicia sonora y sobre cómo podemos crear comunidad y posibilidad a través del sonido. Como creadora musical y sonora, ha trabajado componiendo para proyectos escénicos e instalaciones de sonido. Le interesan las diferentes formas en las que lo acústico conforma la identidad cultural de la sociedad, y cómo podemos aprender sobre ella y transformarla a través de lo auditivo y su activación.

Adam Christensen (Dinamarca, 1979) es un artista multidisciplinar cuya práctica se desarrolla principalmente a través de textiles, música e instalación, difuminando los límites entre la vida cotidiana y la ficción. Partiendo de sus experiencias inmediatas, impregnadas por la teatralidad de lo cotidiano, el espectáculo de la domesticidad, los encuentros fortuitos y los dramas emocionales y físicos, Christensen transmite estas vivencias a través de sus performances. Una preocupación central en su trabajo es la construcción y representación del espacio, y aquello que lo «activa»: la narrativa en desarrollo del desamor, el deseo, la memoria y la identidad. Crea un «escenario» desde el cual interactúa con el público y puede editar la narrativa, a menudo cantando con el acordeón y leyendo relatos breves, añadiendo capas a la historia en un proceso de desarrollo continuo.

Más información.

Clausura Art Nou 2025

By: admin

03-09-2025

Audiovisuales

El jueves 4 de septiembre La Capella acoge la clausura de la 14ª edición de Art Nou, festival de Arte emergente de Barcelona y L’Hospitalet, organizado por la asociación de galerías Art Barcelona.

El acto tendrá lugar en La Capella a partir de las 19 h, donde contaremos con la acción Parafonías de Blanca Tolsá Rovira, con Pepe Lolo, Berta Pascu y Rodrigo Rammey. Se trata de una propuesta que supone una experiencia sensible en la que las relaciones intuitivas entre movimiento y sonido se distorisionan.

Después, se hará la entrega del Premio Art Nou 2025 con Quico Peinado (presidente de Art Barcelona), David Armengol (director artístico de La Capella) y Pilar Cruz (directora del festival Art Nou).

Para esta edición, el jurado está formado por: Berta Caldentey (coleccionista), Marta Sesé (miembro del equipo curatorial de La Capella) y Joana Roda (de Bombon projects).

Parafonías

Cuando dos ondas sonoras con la misma frecuencia entran en un ligero desfase entre sí, el oído humano percibe su fricción como una tercera nota. Parafonías propone una experiencia sensible en la que las relaciones intuitivas entre el movimiento y el sonido se distorsionan y abren un lugar a la vez ajeno y familiar que mueve nuestra curiosidad y empatía. ¿Qué pasaría si, en un acto comunicativo, voz y gesto no fueran exactamente de la mano? Las intenciones del cuerpo o de la voz se desvían, creando un territorio donde el significado es cuestionado y el imaginario se transforma.

Blanca Tolsá, graduada por el Conservatorio Profesional de Danza del Instituto del Teatro, comenzó su trayectoria como bailarina con IT Dansa. En el 2021, crea su primera pieza, Ecoica, presentada en los festivales Dansa València y Dansa Metropolitana. En el 2024, es artista emergente de El Graner, donde desarrolla esta segunda pieza propia, Parafonías. Desde el 2016, ha trabajado como intérprete con Lipi Hernández, Ariadna Montfort, Raquel Klein, Robert Zappalà, Albert Quesada, Magdalena Garzón, Jacob Gómez, Anna Macau, Constança Brcnic, Núria Guiu, Paloma Muñoz Siberia y Georgia Vardarou.