Meet You Valladolid | Del 3 al 16 de marzo en el Teatro Calderón de Valladolid
El Teatro Calderón abre sus puertas a las experiencias escénicas más innovadoras, atrevidas y frescas con MeetYou Valladolid. No es un programa ni un festival: es un estado de ánimo, una forma de encontrarse con el lenguaje escénico, un espacio de reflexión orientado a los jóvenes y a quien se siente joven.
Más información y entradas: Teatro Calderón
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Cómo podemos atravesar las despedidas con mayor presencia, dignidad y ternura? ¿Cómo nos acompañamos en momentos de extrema vulnerabilidad? ¿Cómo podemos prepararnos para este tránsito? Tanatolab es un encuentro para compartir experiencias, prácticas y perspectivas críticas en torno a la muerte
Politizar los procesos de enfermedad, muerte y duelo pasa por articular y fortalecer las redes comunitarias. Este espacio busca ser un dispositivo político, somático y espiritual que nos ayude reconciliarnos con la muerte desde la interdependencia, el cuidado mutuo y la justicia social.
Sesión 1
Miércoles, 26 de febrero de 17:30 a 20h | Idioma: castellano / inglés
En una primera parte, DU-DA abrirá su investigación ‘aprendizajes colectivos para rediseñar la muerte’ a través de una presentación guiada por el relato y las imágenes íntimas de su road trip con una death doula en EEUU, en el verano 2023. El viaje compartido nos llevará a conocer algunos proyectos inspiradores en relación a la ecología y el cuidado de la muerte.
En una segunda parte, tendremos una conversación sobre el acompañamiento al final de la vida. Participarán Cristina Lasmarias, enfermera especializada en cuidados paliativos y Sarafina Landis, doula de muerte especializada en acompañamientos VSED (voluntary stop eating and drinking) y comunidad queer.
Sesión 2 — Túneles de luz – Morir antes de morir
Jueves, 27 de febrero de 17:30 a 20h | Idioma: inglés
Sarafina Landis y la artista sonora Shoz ofrecerán una práctica y una performance sonora que invitará a las personas a acercarse a su propia mortalidad y a contemplar la fecundidad regenerativa de la descomposición y sus misterios espirituales. Compartirán, también sus experiencias desde el activismo en las comunidades de cuidados queer en los márgenes de los sistemas de opresión de EEUU.
DU-DA es un colectivo de mediación, investigación y producción artística. Morir Guay nace en 2019 gracias a la beca de la Escocesa, y dio como resultado el libro Morir guay. Voces y relatos para no tener miedo. Esta línea de investigación en torno a los discursos y protocolos imperantes sobre la muerte y sus contra-relatos, se articula alrededor de una serie de experimentos metodológicos que parten de la hipótesis de que si creamos un espacio cuidado para romper el tabú alrededor de la muerte, podemos iniciar un cambio de paradigma para potenciar la soberanía y la ecología en el morir. +info
Sarafina Landis (elle) comenzó su camino en el trabajo con la muerte en la Península Olímpica, después de una experiencia íntima acompañando a un ser querido a morir. En ese proceso ritual, planificado y conectado con la tierra, descubrió su vocación como acompañante de la muerte. Este camino llevó a Sarafina de costa a costa de Estados Unidos, trabajando en entierros ecológicos, cuidados funerarios en el hogar, acompañamiento en procesos de VSED (suspensión voluntaria de la alimentación e hidratación) y organización comunitaria en el final de la vida, incluyendo la fundación de la organización sin ánimo de lucro Dying Matters Guild. Tiene un trabajo de tesis sobre la intersección entre el cuidado de la muerte, la sanación ancestral y la liberación colectiva, titulado Body As A Future Offering. Además, facilita piezas de performance interactivas con el proyecto Tunnels of Light. +info
Cristina Lasmarias es enfermera y Doctora en Cuidados Integrales y Servicios de Salud por la Universidad de Vic. Es la responsable de la planificación de geriatría y cuidados paliativos del área de atención intermedia del Departament de Salut. Es activista de cuidados paliativos en diversas sociedades científicas.
Shauna Frantz (Shoz) es artista sonoro/a y psicoterapeuta somática radicada en el Valle de Shenandoah, Virginia, EE. UU. Su trabajo surge de una escucha profunda del entorno y una conexión íntima con la tierra. Su práctica, inspirada por el paisaje sonoro y la geografía circundante, es tanto una respuesta como una invitación a la quietud y la percepción sensorial. A través de grabaciones de campo, ritmos crudos y procesados, texturas y melodías, crea composiciones experimentales que invitan a sumergirse en una experiencia sonora contemplativa. +bandcamp | +info
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MOLD – UNMOLD. Hacer desde los restos convoca las perspectivas del trabajo que Sara Manente ha venido realizando estos últimos años alrededor del micelio, su imaginario y la vinculación de éste a distintos campos artísticos, tecnológicos y científicos (magazine ROT, ROT GARDENS, RUINED), para ejercitar el hacer, en colectividad, desde el desmolde, desde los restos, desde lo que nos queda de los saberes manuales, desde los desechos, desde lo que queda de la propia pieza, del compost físico, material, y del compost anímico que generamos tras las experiencias artísticas, de conocimiento, pedagógicas.
Nuestro punto de partida es allí donde acaba MOLD. Lo tomamos como un espacio, un jardín, una ruina. Queremos desplegar más aún el trabajo, desplegando las formas de su descomposición, sus posibles contaminaciones, no dejarlo morir sino considerar su decadencia como una forma de compostaje de la que pueden surgir otras formas.
Para ello convocamos, por un lado, a parte de las artistas que forman parte de MOLD, la pieza escénica, y por otro, a artistas, colectivos, pensadores, etc., principalmente de València, cuyos trabajos puedan vincularse con la idea amplia de lo planteado y que se concreta en distintas propuestas, desde talleres o conferencias, a instalaciones o lecturas.
MOLD – UNMOLD. Hacer desde los restos busca hacer del deshacer, propiciando una comunidad efímera, espontánea, eventual, coyuntural, que transite de un lugar a otro, de una experiencia a otra, de los restos de una experiencia para usarlos en otra. Desmoldar de lo que muere para ir hacia otro vivo.
El proyecto se inicia con dos actuaciones de la pieza escénica MOLD de Sara Manente en La Mutant. Espai d’Arts Vives, el 28 de febrero y el 1 de marzo. Es a partir de aquí, y del 3 al 7, que el proyecto se desarrolla cada día entre tres espacios y en sus tránsitos:
Del lunes 3 al jueves 6, de 10.30 a 13.30
Restos de haceres tradicionales, como la cestería blanda, o restos de métodos técnico-científicos, como los cultivos en placas Petri, confluyen con restos de prácticas de movimiento, de danza, para un hacer que abre otras coreografías y otras maneras de concebirlas.
Taller “Entre el molde y el moho: Prácticas a partir de los restos”. Sara Manente y Santiago Ribelles. Del lunes 3 al miércoles 5, de 10.30 a 13.30
Presentación de la investigación “Medios de Cultivo. Una transmisión” con presentación del proyecto del libro sobre la investigación. Paula Romero, Ricardo Delgado, Lluc Mayoll y Raúl León-Mendoza. Jueves 6, de 10.30 a 13.30
SALA 7 del edificio Rialto – COMPOST –
Del lunes 3 al jueves 6, de 15.30 a 18.00, y el viernes 7, de 11.00 a 13.30
El programa COMPOST de la Sala 7 tenderá un puente entre tradición y contemporaneidad, vinculando prácticas artísticas y artesanales, campos del pensamiento, la ciencia y las artes visuales con las artes escénicas. En el edificio Rialto del Institut Valencià de Cultura, la Sala 7 se convertirá en un campamento temporal durante cinco días, ofreciendo un espacio para hacer una pausa en medio de las transiciones de esta efímera comunidad.
LA MUTANT – Taller BORDANDO, BROTANDO ESPACIO del martes 4 al jueves 6, de 18.30 a 21.00 y el programa BROTASE el 7 de marzo, de 18.00 a 22.00.
La Mutant, al final de la tarde, de martes a jueves, y el viernes 7 por la tarde, será el lugar que irá recogiendo los restos de todas las prácticas que se sumarán a los restos físicos de la propia pieza MOLD, tejiendo un espacio para un teatro hecho de los restos.
Finalmente, el viernes 7 de marzo de 18h a 22h en La Mutant, BROTASE invitará a los participantes de cualquiera de las experiencias propuestas en MOLD-UNMOLD y al público en general, a un viaje no guiado de cuatro horas a través de los restos, explorando lo que podría brotar de ellos, ya sea a través del cultivo, la práctica o a bote pronto. El programa abarca iniciativas programadas y espontáneas, que abarcan expresiones artísticas, artesanales y comunitarias.
Iluminación y apoyo técnico: François Moretti
Con el apoyo de: La Mutant, Institut Valencià de Cultura, Espai LaGranja.
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Idoia Zabaleta – Del 13 al 15 de marzo en Azkuna Zentroa
Idoia Zabaleta es una de las creadoras más destacadas de la escena contemporánea actual y artista asociada a Azkuna Zentroa.
Su especialización en ecosistemas y dinámica de poblaciones recorre los cimientos de sus obras. “Pupa, pupita, pupila. Masaje de la visión” forma parte de su línea de performances individuales como masajes y otros aparatos, basadas en la percepción corporal o lo que ella llama “Gesto 0 de la danza”.
Masaje de la visión es una obra de teatro con forma de masaje. Una experiencia individual, un “bis a bis” artístico para recordar que en sueños se continúa viendo. Una persona que ha reservado ese momento, alguien que le recibe y le invita a tumbarse en la camilla, a cerrar los ojos y dejarlos atrás, un tocar siempre mediado por objetos… Una oportunidad única para recibir un masaje singular o para regalarlo.
Pides cita, llegas al teatro, te recibe una persona, te invita a tumbarte en una camilla al lado de una mesa con pequeños objetos y alguna pastilla. Que si hace calor, que si una manta, te pide que dejes caer los ojos, que los abandones en el fondo del cráneo y que le ofrezcas los párpados. Claro, es un acto de generosidad y disposición a la aventura. A partir de ahí, se apagan las luces y comienza un masaje singular que te recuerda que en sueños continúas viendo. El masaje durará una hora, el teatro también, el sueño, sin embargo, será más breve. Para entonces habremos llegado a puerto.
Taller Placer – 28 de febrero y 1 y 2 de marzo en Espacio Inestable
UNA IDEA INACABADA es la nueva creación escénica de Taller Placer que sigue la línea de otros proyectos anteriores, explorando las formas que adopta nuestro trabajo, las identidades y los imaginarios que estas generan, y el papel del cuerpo como eje central en todo este entramado.
Desde el inicio, nos hemos propuesto mantener una voluntad abierta y en constante evolución, planteando el proyecto como un diálogo interminable en el que teoría, acción, idea y forma se entrelazan en una tensión dinámica, nunca cerrada. El espacio que habitamos para esta exploración es la maqueta de un teatro que hace mucho tiempo fue un cine. Un lugar que rehúye las convenciones tradicionales de la caja escénica, invitándonos a repensar sus posibilidades y a seguir imaginando infinitamente dentro de unos límites.
FITXA ARTÍSTICA
Direcció i concepte: Vicente Arlandis // Assistència de direcció: Paula Miralles // Creació: Paula Pachón, Lucía Jaén, Paula Miralles, Vicente Arlandis // Intèrprets: Paula Miralles, Lucía Jaén i Vicente Arlandis // Espai sonor: Adolfo García i Taller Placer // Confecció d’escenografia: Los Reyes del Mambo // Disseny de Maqueta: Victor Colmenero // Vestuari: Paula Miralles // Producció: Paula Rausell.
Col.laboren: Ajuntament de València, Institut Valencià de Cultura IVC.
Agraïments: La Mutant Espai d’Arts Vives, Espai La Granja i El Consulado.
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Dolors Miquel, Albert Roig i Lucia del Greco | Del 20 de febrero al 9 de març a la Fundació Brossa de Barcelona
Lucia Del Greco dirigeix aquest viatge escènic sobre la crueltat, la bellesa i la violència, acompanyant la veu protagonista en els seus laberints identitaris privats.
La directora Lucia Del Greco s’endinsa en l’univers de Dolors Miquel per construir atmosferes que retornen a l’espectador la bellesa i la violència de l’imaginari poètic de l’autora. Explora la crueltat, la vigilància, la ingenuïtat i la inevitabilitat de la mort, abraçant el constant canvi de forma de l’ésser humà en el temps i en l’espai. Aquí, mirar és, per si mateix, un acte bell i violent.
Entre ovelles, escorxadors, esquelles i presagis ancestrals, guiada per la filosofia grega neoplatònica, les metamorfosis ovidianes i l’infern dantesc, la proposta escènica dirigeix una mirada crítica a una societat que es desintegra. Després, amb les paraules de Dolors Miquel sobre el món, ens preguntem si encara hi ha lloc per allò que és petit, fràgil i secular.
I tanquem els ulls.
I toquem falgueres amb les mans.
I res més.
SINOPSI
Mata’m psicosi és una realitat cruel, voraç, psicòtica, en contínua metamorfosi.
Poblada de glaciars antics, roques metamòrfiques i algues marines, presenta un món sotmès a un sistema de vigilància que vol definir estrictament els límits d’allò que és humà, d’allò que és legítim, d’allò que té un valor.
En els sis episodis que componen la dramatúrgia de l’espectacle, trobem diversos fils conductors, entre ells el constant canvi de forma dels éssers vius, el qüestionament de la identitat, la crueltat genètica que portem dins i, finalment, l’amor com l’única força generadora de vida.
Hem entrat en el món de Dolors Miquel. Tenim al davant un mosaic d’identitats i pensaments múltiples i fragmentats. Abracem la temptació metamòrfica pròpia de tots els éssers vius.
SOBRE “MATA’M PSICOSI”
Dolors Miquel es defineix a ella mateixa com “una súbdita de la poesia, una enamorada del coneixement, una rapsoda visceral i una mamífera espiritual”. I Mata’m psicosi és una porta d’entrada que ens convida a reconèixer-hi tots aquests atributs: és l’obra d’una autora posseïda. Dins de la seva psicosi lúcida i delirant: “Socorre’m món no humà”, demana a crits l’autora, que també viu la seva particular metamorfosi quan de Dolors passa a convertir-se en Lola, canviant així el seu nom artístic. Aquest canvi coincideix amb el temps d’escriptura de l’obra Mata’m psicosi: la transformació es va produir aproximadament entre el 3 de juny de 2021 i el 12 de març de 2022, “moment en què reprèn l’ésser Dolors en una torsió metafísica impossible per a ments euclidianes”.
LUCIA DEL GRECO
Directora i dramaturga italiana que treballa entre Roma i Barcelona. Ha estudiat Literatura i Filologia a la Universitat La Sapienza i ha continuat la seva carrera acadèmica amb un doctorat en Literatura Comparada a la Universitat d’Oxford. També ha estudiat escriptura i direcció a l’Institut del Teatre de Barcelona.
Ha adaptat i dirigit “Heart’s Desire” de Caryl Churchill (Teatre Tantarantana & Sala Beckett, 2022), ha dirigit “Els Encantats” de David Plana (Sala Beckett, 2023), juntament amb un grup de divuit adolescents ha creat l’obra “Si no puc ballar no és la meva revolució” (Teatre Lliure 2024), i ha estat seleccionada com a directora per al projecte Emerging European Dramaturgy al Teatre Nacional de Catalunya en col·laboració amb la Comédie de Reims, França (Comédie de Reims, 2024). Actualment, està treballant en l’adaptació i posada en escena de “Pura Passió” d’Annie Ernaux, que s’estrenarà al festival Temporada Alta a l’octubre i farà temporada pel novembre al Teatre Akadèmia (Barcelona).
Ha estat guardonada com a Artista Revelació als Premis de la Crítica d’Arts Escèniques el 2023.
DOLORS MIQUEL I ABELLÀ
És poeta, escriptora i professora d’ensenyament secundari.
Entre els nombrosos llibres de poemes en català, destaquen: El vent i la casa tancada (1990), Llibre dels homes (1998), Transgredior (1999), Haikus del camioner (1999), Gitana Roc (2000), Mos de gat (2002), Amb capell (2003), Ver7s de la terra (2004), AIOÇ (2004) i Missa pagesa (2006). En la narrativa destaquen Maruja Reyes soc jo (1992), i l’assaig de poesia catalana medieval: Cap home és visible (2010).
Al llarg de la seva carrera ha obtingut diferents premis: Premi Rosa Leveroni (1989), Premi Ciutat de Barcelona de poesia (2005), Premi Gabriel Ferrater (2006) i Premi Alfons el Magnànim València de Poesia (2011 i 2012).
Més informació i entrades: Fundació Brossa
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Romeo Castellucci – Del 17 al 26 de febrero en el Liceu
Envuelta en una aureola de misterio, la enigmática y extraordinaria Misa de Réquiem no es solo la culminación de una etapa en la obra tardía de Wolfgang Amadeus Mozart, dedicada a la música religiosa, sino la cumbre de la historia de la música.
Truncada por la prematura muerte del compositor durante su proceso de creación, y verdadero documento autobiográfico, esta obra va más allá del tratamiento de la muerte y del Juicio Divino. Mozart genera una acción dramática capaz de renovar el género sacro, donde la expresión vocal sobresale para iluminar una experiencia desbordante.
Su discípulo Franz Xaver Süssmayr, que ya le había asistido en obras coetáneas como La flauta mágica o La clemenza di Tito, completó una partitura alrededor de la cual persisten numerosos interrogantes: Mozart planteó la cuestión de la muerte, pero su pregunta quedó sin respuesta. Mozart supo expresar, a través de este texto de la liturgia cristiana, todos los estados de ánimo: desde el miedo del Juicio (Dies irae) a la esperanza de la clemencia de Dios (Kyrie), de la angustia del sufrimiento inútil (Recordare) a la certeza de un más allá lleno de luz (Luceat eis).
Un llanto fúnebre, pero sobre todo, una plegaria extrema, implorando la misericordia divina.
Pocas veces una música ha estado tan marcada por el genio, la expresión, la fe y el sufrimiento de un ser humano.
“Como la muerte es el verdadero objetivo de nuestra existencia, he conocido tan bien este verdadero y mejor amigo de la humanidad en los últimos años que la imagen de la muerte ya no me da miedo, sino que es mucho más tranquilizadora y consoladora”. – Wolfgang Amadeus Mozart.
Estas palabras de Mozart sobre la vida y la muerte han sido el punto de partida para la interpretación de Romeo Castellucci, protagonista absoluto del teatro vanguardista europeo, del emblemático e inacabado réquiem del compositor. Como expresión del temor existencial de la humanidad ante la mortalidad, esta misa de réquiem nos confronta con la fragilidad de la naturaleza y la cultura, de la humanidad y del individuo. “Tendríamos que entender y celebrar el final como si fuera una fiesta, donde el baile continúa.
Esta Misa pro defunctis se transpone y su significado cambia”. Gracias a la visión teatral de Castellucci, complementada con otras piezas religiosas de Mozart, este “Réquiem” se convierte en la celebración definitiva de la vida, donde superamos los tópicos de la fugacidad de la vida. Coproducción con origen en el Festival de Aix-en-Provence, y primera propuesta de Castellucci en el Gran Teatre del Liceu, tiene una orientación próxima a un canto a la vida de extraordinaria belleza plástica e irresistible fuerza teatral.
Este “Réquiem” se opone a lo que cabría esperar de una misa de difuntos; no es un espacio de lamentación, sino que aborda temas como la cuestión fundamental del tiempo, de la esperanza de renacer; explora el origen y el fin, pero también el fin como origen mismo, permitiendo celebrar la vida en su propia fragilidad. Un final que quiere soñar en la vida, imponiéndose la circularidad y la renovación.
Giovanni Antonini, fundador de Il Giardino Armonico y uno de los directores musicales más respetados del panorama, será el abogado de esta propuesta bellísima e imprescindible.
1 de marzo en La Casa Encendida
Un homenaje a Perla Zúñiga, artista, poeta, performer y dj española, fallecida en verano de 2024. Zúñiga contribuyó enormemente a la escena cultural con sus performances, obra visual, la organización de fiestas con el colectivo Culpa, y su poesía, que se presentará ahora publicada por primera vez.
El evento comenzará con la presentación del libro de poemas póstumo de Perla Zúñiga, recién publicado por la editorial Blatt y Ríos. Me muero, te quiero (2025) es un libro sobre el brillo de la vida: las amigas, el arte, la música, el erotismo y el amor. También un libro sobre cómo la vida se vuelve contra la vida cuando una célula enloquece. La periodista y comunicadora española Nerea Pérez de las Heras dialogará con el poeta y editor argentino Mariano Blatt sobre la forma en la que Zúñiga testimonia con su lengua poética su paso por el mundo y por las cosas del mundo. A la presentación le seguirá una lectura de poemas de Zúñiga por personas cercanas a ella y por parte del público.
Se proyectará por primera vez Tranquila (2024), un vídeo dirigido por el director y fotógrafo Leo Adef y que registra una de las numerosas colaboraciones musicales entre Zúñiga y la dj, productora y performer Vera Amores aka Berenice. La proyección irá precedida de unas breves palabras de Culpa, fiesta y colectivo musical referente en Madrid, dirigida a personas trans y queer y que Zúñiga fundó.
La tarde culminará con dos sesiones de música, la primera a cargo de Berenice y la segunda a cargo de la artista sonora, productora y dj afincada en Berlín JASSS, quien se encargará de cerrar el acto.
Durante el evento estará disponible un libro en el que las personas podrán escribir recuerdos y firmas en memoria de Perla Zúñiga. Este libro se alojará en la Biblioteca de La Casa Encendida para que esté accesible al público durante los horarios de apertura de la misma y las personas puedan seguir contribuyendo con sus escritos.
Perla Zúñiga nació en Madrid en diciembre de 1996. Fue artista, poeta y dj. Cursó estudios incompletos de Bellas Artes. Como artista, realizó las exposiciones individuales Tranquila, no vas a poder describir en este momento este momento (Yaby, 2019) y Cucú (Córdova, 2023), además de haber participado en numerosas muestras colectivas, como Generaciones (La Casa Encendida, 2023) o Thorns (Galleria Astuni, 2024). Entre sus piezas performativas se cuentan Querida célula alterada, El hechizo del viejecito y Sesiones del lamento, las últimas dos en colaboración con Vera Amores. Como dj, y bajo el nombre de JOVENDELAPERLA, tocó en numerosas fiestas y festivales, entre ellas Sónar, Boiler Room y Maricas. Fue creadora y parte de la fiesta y colectivo Culpa. Poemas suyos aparecieron publicados en el volumen Ritual de amor. Antología coral de poesía joven, compilado por Cecilia Pavón en 2022, y en 45-120, compilada por el proyecto Juf en 2025. Murió en Valdemaqueda el 14 de julio de 2024, a los 27 años de edad, víctima del cáncer que marcó su obra y su vida.
Mariano Blatt nació en Buenos Aires, Argentina, en 1983. Es poeta y editor. Codirige dos editoriales: Blatt & Ríos y De Parado. Como poeta, publicó, entre otros, los libros Mi juventud unida, Un lago que sube y La puertita de alambre. Entre 2020 y 2024 vivió en Madrid. En la actualidad, vive en Buenos Aires.
Nerea Pérez de Las Heras es conocida por su trabajo como periodista y comunicadora en diferentes plataformas, siempre usando el humor como herramienta de reflexión y concienciación. En la actualidad dirige y conduce los podcasts “Saldremos mejores”, junto a Inés Hernand, y “Lo Normal”, junto a Antonio Nuño, y representa la obra de teatro Cómo hemos llegado hasta aquí, junto a Olga Iglesias. A lo largo de su trayectoria profesional ha escrito en medios como Radio Nacional, El País, SModa, Vogue, Esquire o Glamour, y continúa colaborando en algunos de ellos, así como en diversos programas de radio y televisión. Lleva años haciendo comedia política en público a través del show Feminismo para torpes, que se convirtió en un libro (Planeta) y una serie de vídeos para el diario El País. Ha sido reconocida por su lesbianismo militante con los premios Arcoiris (2022), Fancinegay (2023) y Pluma (2024); y por su labor como comunicadora, con el premio Ondas al Mejor Podcast conversacional (2024).
Vera Amores aka Berenice, es una dj, productora y performer transfemenina española. Co-fundadora del colectivo queer CULPA, fiesta referente y emergente en Madrid, enfocada en crear un espacio seguro para personas trans & no binaries. A su vez es residente del ya reconocido internacionalmente colectivo queer MARICAS, formando parte de su compilado digital junto a artistas como D. Tiffany, Sedef Adasi, entre otras. Ha pinchado en las principales ciudades de Europa, y en clubs como De School (Amsterdam), Pasos Manuel (Oporto), Herrensauna / Tresor (Berlin), Garage Noord / Vapor (Amsterdam), Poing Club (Rotterdam), Milkshake Festival (Amsterdam),, Nitsa (Barcelona), Boiler Room (Barcelona dos veces), entre muchas otras y ha hecho mixes/streamings para The Lot, Rinse FM & Refugee Worldwide.
JASSS es una artista sonora, productora y dj de Asturias que vive en Berlín. En 2017 publicó su álbum debut “Weightless” (iDEAL Recordings), en 2020 presentó su trabajo para el prestigioso catálogo AD93 titulado «Turbo Olé»/«We Solve This Talking». En 2021, el replanteamiento del lenguaje musical de JASSS tomó vuelo con A World Of Service, un disco que colapsaba el género y que presentaba su voz como instrumento central junto a la electrónica y la percusión con tintes metálicos en el sello institucional berlinés Ostgut-Ton.
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Olatz Gorrotxategi – 9 de febrero en Azkuna Zentroa
Progreso es una pieza performativa de Teatro Documento que narra la historia de la humanidad y su relación con el planeta que habita.
Está formulada desde una retrospectiva antropológica y existencialista de la creación del ser humano, utilizando como analogía la paradigmática historia de la invención del plástico.La última creación de la dramaturga Olatz Gorrotxategi es un trabajo de sala que utiliza como lenguajes escénicos el teatro de objetos, el audiovisual, la ficción sonora y el texto teatral para hablar sobre el universo y el lugar que ocupamos en él.
Progreso no es un espectáculo infantil, es una puesta en escena pensada para entretener y estimular a personas a partir de los 10 años.
Tino Sehgal – 22 de febrero en Conde Duque
El Centro de Cultura Contemporánea Condeduque reconoce la trayectoria de Boris Charmatz a partir de dos piezas: (untitled) (2000) de Tino Sehgal, donde Boris participa como intérprete; y SOMNOLE (2021), coreografía creada por Boris, un solo donde destila intereses y sensibilidades presentes en sus más de treinta años de carrera.
El trabajo de Charmatz está atravesado por el interés por someter la danza a restricciones formales que redibujan su campo de posibilidades. El coreógrafo, bailarín y creador de proyectos experimentales como la escuela efímera Bocal, el Musée de la danse o Terrain, se pregunta por el estado de los cuerpos contemporáneos, y articula performances y formatos híbridos para lugares y espacios muy diferentes –desde escenarios a museos, instituciones ficticias o al aire libre–. Las propuestas de Charmatz relacionan el contexto en el que se despliegan con los repertorios de la danza y su transmisión, así como el deseo de conectar la teoría con las sensaciones e intensidades del cuerpo que baila.
Sobre (untitled) (2000)
(untitled) (2000) es una pieza del artista Tino Sehgal interpretada por Boris Charmatz y Frank Willens. La trayectoria de Sehgal incluye importantes exposiciones como la Bienal de Venecia de 2005, la Documenta 13 y solos en el Museo Guggenheim de Nueva York, el ICA o la Sala de Turbinas de la Tate Modern de Londres. (untitled) (2000) es la última pieza que realizó en el marco de la danza antes de insertar su trabajo en el campo de las artes visuales, y describe en muchos sentidos el inicio de su relación con el museo como dispositivo que refleja la comprensión y la transmisión de conocimiento de las sociedades contemporáneas.
En escena el cuerpo desnudo, sin escenografía ni música, despliega breves extractos del repertorio de la historia de la danza del siglo XX. La pieza exhibe la danza tratando de acercarse a un orden estético similar al del museo, con el deseo de resituar las prácticas coreográficas y su articulación corporal.
Cuando se presentó por primera vez en el Moderna Museet de Estocolmo, el conservador Jens Hoffmann le dijo a Sehgal que «era como un museo de la danza».
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