— MuroTRON

El TEM ofrece la tarde-noche del 18 de octubre las actuaciones de Shapednoise & Sevi Iko Dømochevski (live AV, IT/ES), Louis Carnell (live, UK) y Mecánica Clásica & Vic Pereiró (live, ES).

Shapednoise, alias de Nino Pedone, es un productor, DJ y diseñador de sonido siciliano residente en Berlín. Fundador de WEIGHT LOOMING, Pedone esculpe texturas electrónicas desconcertantes y desordenadas, fusionándolas con ritmos abrasivos y diseñados con maestría, y traspasando las fronteras de los géneros, inspirándose en la música industrial, el rave, el noise, el grime y el rap. En 2023, Pedone publica su álbum más ambicioso hasta la fecha, Absurd Matter, que estructura su experimentación sónica en patrones inestables pero familiares y cuenta con la colaboración de Armand Hammer, Brodinski, Dean Hurley, Moor Mother y ZeelooperZ.

Shapednoise estrenará en España el directo audiovisual de Absurd Matter, acompañado por el artista visual y productor residente en Barcelona Sevi Iko Dømochevsky, conocido por sus trabajo con Skrillex, Grimes, Arca y Aho Ssan. Junto a los visuales generados por ordenador y 3D, los artistas han diseñado un caótica escultura monolítica compuesta por pantallas LCD e iluminación.

Louis Carnell decidió clausurar su reputado alias Visionist como resultado de un proceso de autodescubrimiento y actualización de la subjetividad que impregna ahora una obra naciente. Afincado en Londres, Carnell es uno de los músicos, productores y comisarios más esquivos del Reino Unido, cuya obra muestra un profundo interés en los entornos físicos y digitales en los que nos encontramos. Su utilización del sonido, la imagen, la escenografía y la escultura cuestiona las estructuras sociales y las jerarquías, al tiempo que penetra a través de la introspección en los problemas derivados de la ansiedad y en las connotaciones de la masculinidad y la raza. Asimismo, su meticulosa atención al mundo visual ha dado lugar a colaboraciones con Arcin Sagdic, Daniel Sannwald, Frederik Heyman y Peter De Potter.

Su reciente álbum colaborativo, 111, publicado en Mute en abril de este año, emergió como un ciclo de quince piezas con el objetivo de crear para el oyente un entorno que explora y cuestiona nuestras relaciones y la producción de comunidades. La lista de los quince colaboradores, uno por cada pieza, es variada y asombrosa: Keeley Forsyth, Lee Ranaldo, Ben Vince, Yara Asmar, Coby Sey, KMRU, Okkyung Lee, Wu-Lu, Green House, Daniel Miller, Laraaji, Marta De Pascalis, Leila, Nailah Hunter y Damsel Elysium. 111 tiene el carácter de un manifiesto sonoro esperanzador en una época de desintegración.

Mecánica Clásica es una banda valenciana formada por cuatro músicos que envuelven entramados de guitarras en secuencias de sintetizador para articular piezas de electrónica ambiental de carácter minimalista. Sus trabajos son una exploración de la música sintética desde una perspectiva actual y renuevan las extensas topografías abiertas por pioneros como Craig Leon, Jon Hassell, Marc Barreca o Cluster. El proyecto se expande sobre estas influencias, adentrándose en un mundo sonoro hipnótico y reluciente que encuentra puntos en común con artistas como O Yuki Conjugate, Bitchin Bajas, K. Leimer o Kreidler.

Los visuales de esta actuación los realiza Vic Pereiró, quien ha participado en numerosos proyectos documentales, de cine, televisión e investigación desde 1999, colaborando e impulsando diferentes productoras audiovisuales. Memoria, lucha y utopía son los tres conceptos fundamentales sobre los que ha hecho girar su obra, entendiendo su práctica artística como un acto de militancia que, desde el compromiso y la acción, desafía la agresividad del entorno y el caos contemporáneo. Parte de su trabajo refleja el desequilibrio existente y señala posibles salidas al conflicto.

Más información y entradas: https://www.valencia.es/web/guest/w/festival-volumens-2024.

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Esta serie de encuentros en torno a la exposición Esperpento. Arte popular y revolución estética ofrece presentaciones de la muestra a cargo del equipo curatorial y dos piezas de teatro que reflexionan sobre la noción de esperpento, realizadas por las compañías Lagartijas tiradas al sol y ButacaZero.

La exposición está dedicada a la fortuna artística de esta categoría de crítica social fundado en lo grotesco, en la parodia y en la deformación. Aborda el concepto de esperpento como un núcleo de pensamiento estético que propone una nueva manera de mirar la realidad. Formulado por el escritor Ramón María del Valle-Inclán (1866-1936) como reacción al atraso y la desesperanza moral que asolaba a España en la primera mitad del siglo XX, el esperpento confronta el encorsetamiento social, político y cultural del país, e insiste en el distanciamiento de la mirada y en una serie de estrategias estéticas que despliegan su máxima eficiencia en la deformación. La exposición está estructurada en ocho grandes secciones; las intervenciones de las compañías teatrales se centran en las salas de la tercera sección (Tablado de Marionetas), en la que se explora el esperpento en relación con el teatro popular que abarca elementos como los títeres, guiñoles y marionetas, el carnaval y los romances de ciego.

La compañía Lagartijas tiradas al sol presenta desde el 9 de octubre al 10 de marzo una revisión contemporánea de la novela Tirano Banderas (Valle-Inclán, 1926), a partir de la versión en bululú —género teatral en el que un solo comediante representa la totalidad de la obra— ideada por el director de escena Cipriano Rivas Cherif. Por su parte, ButacaZero estrena el 16 y 17 d octubre Melón pelado, una farsa no infantil para caja de muñecas basada en “las rapadas del franquismo”, refiriéndose a las mujeres republicanas vejadas al término de la Guerra Civil, quienes eran exhibidas en procesiones públicas con la cabeza rasurada, tras ser obligadas a ingerir aceite de ricino, un potente laxante.

Más información e inscripciones: https://www.museoreinasofia.es/actividades/esperpento-arte-popular-revolucion-estetica.

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Olga Blanco – Del 24 al 27 de octubre en Teatros del Canal 

El paisaje se me presentaba de manera violenta, y yo, con este ego mío, me enfadaba al no conseguir mi objetivo. Luego, más miedo y el terror a la muerte, a ser engullida por la belleza a la que aún hoy no puedo (ni debo, ni quiero) poner palabras.

Imaginé entonces mi propia tumba, un lugar para Lo Animal, un lugar donde el logos se pierde, un “no lugar” para mí y mis seres queridos, hermoso y terrorífico, pero al menos reconocible al que iremos algún día.

Dentro, dentro, cada vez más dentro del paisaje y a fuerza de excavar aparezco al otro lado donde siento que aquí ya, aparte de sobrar la palabra y la lógica, sobra el pensamiento y el pelearse por ser equiparable a la belleza de la montaña que veo desde mi casa y que ha aparecido en todas mis piezas de un lado, de otro, por fuera y por dentro. En Acto de Fe voy a entregarme a ella y sentir placer por esta vez.

Olga Blanco

Más información y entradas: https://www.teatroscanal.com/espectaculo/acto-de-fe-olga-blanco-tc2425/.

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Olatz de Andrés – 17 de octubre en Azkuna Zentroa

“Tiempo como cuerpo” es el proyecto coreográfico de Olatz de Andrés que investiga sobre maneras de transformar nuestra percepción y experiencia del tiempo a través del movimiento como acción en vivo y la escritura, el dibujo y lo audiovisual, como registro. «Es un intento de aprehender lo efímero de la danza y lo efímero del tiempo», señala la coreógrafa.

El proyecto se activa en octubre con el estreno de “Time is a Muscle”, la pieza-experiencia duracional de danza en la que Olatz de Andrés invita al público a percibir la presencia del tiempo como si fuera un cuerpo más en el espacio. Junto con ello, en Lantegia 1 se muestran algunos materiales de sus procesos de investigación y creación con el vídeo, la escritura, el dibujo y la fotografía como registro de lo efímero en la exposición “Time is a muscle”.

Olatz de Andrés desarrolla parte de este proceso múltiple de investigación como Artista Asociada a Azkuna Zentroa en 2024 y 2025.

Más información y entradas: https://www.azkunazentroa.eus/es/actividad/olatz-de-andres-tiempo-como-cuerpo/.

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Guillem Mont de Palol y Jorge Dutor – 29 y 30 de noviembre y 1 de diciembre en el Mercat de les Flors  

El siglo XX, desde la mentalidad de su tiempo, se cuestionó desde el ballet mismo los usos y maneras del ballet académico. Así, La bella durmiente, de Mats Ek, para el Cullberg sueco, en los ochenta, despertaba de su letargo embarazada, y los cisnes del británico Matthew Bourne, en los noventa, dejaban de ser frágiles doncellas para pasar a ser musculados y peludos varones. Pero cómo se percibe un ballet romántico desde la perspectiva la performance, el #metoo y la sensibilidad social del siglo XXI -tan diametralmente opuesta a la del XX y el XIX-, es lo que nos ofrece el tándem catalán Guillem Mont de Palol y Jorge Dutor en su nueva creación Danzas románticas, un solo creado e interpretado por el primero, con dirección escenografía y vestuario del segundo.

De una forma distendida y divertida, el público es dispuesto muy cercano al intérprete como formando también parte indisociable de esta propuesta inmersiva, donde es llevado a reflexionar sobre un tema serio desde un divertimento que propone un viaje singular a través de algunos ballets relevantes –La Silphide, Giselle, Coppelia, Raymonda, Sheherezade-, partiendo de sus convenciones, estereotipos, clichés, manierismos y músicas descriptivas, con la idea de resignificarlos desde sus propios códigos en un cuerpo ajeno a estas prácticas, un cuerpo danzante de nuestro tiempo, que se expresa desde la acción performativa y otra gestualidad.

De allí surgen nuevas interpretaciones, historias y lecturas posibles. Según dicen ellos mismos, han querido meter las manos en las convenciones de los ballets románticos para “intentar sanar ciertas crueldades de las que aún somos herederos”. Entre ellas la noción del amor romántico o la idea de la fatalidad y la fragilidad vinculada a la mujer, que viene ya diseñada en la misma técnica del ballet clásico, que hace claras distinciones entre los roles masculinos dotados de fuerza física y poderío, frente a los movimientos asignados a los femeninos, tendentes a la fragilidad, ligereza e inferioridad.

En Danzas románticas encontramos un énfasis muy especial en las músicas originales de cada uno de estos ballets, diseñadas serviles a favor de las historias, esos cuentos sobrenaturales, exóticos y trágicos descritos por las partituras de Stravinsky, Chopin, Delibes o Rimsky-Korsakov, que subrayaban el carácter de estas mujeres etéreas que eran hadas, espíritus o sonámbulas martirizadas por hombres mortales. “En Danzas Románticas queremos acercarnos al ballet desde una perspectiva de género crítica poniendo las problemáticas de las políticas del cuerpo romántico en juego”, han declarado sus autores.

Más información y entradas: https://mercatflors.cat/es/espectacle/danses-romantiques/.

Guillem Mont de Palol y Jorge Dutor han venido desarrollando su trabajo juntos desde 2009, y en no pocas ocasiones han hecho colaboraciones con artistas afines a sus intereses. I per què John Cage? (2011), # Los Micrófonos (2013), This Movie (2013), Grand Applause (2016), Lo mínimo (2018) o El Movimiento (2021), son solo algunas de las numerosas creaciones que han estrenado hasta la fecha.

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Macarena Recuerda – Del 18 al 20 de octubre en Teatro Ensalle 

COSA. INTERVENIR UN CUERPO es una pieza de danza bailada por objetos.
En este ballet, son los propios elementos escenográficos los que cobran vida y se convierten en los bailarines de la escena.
COSA abre las puertas a un nuevo lenguaje escénico que estimula la imaginación y sugiere múltiples mundos. Una pieza para todas las edades.
Cosa es la pieza que cierra mi trilogía sobre el ILUSIONISMO, investigación que me ha llevado a pensar cómo la ilusión conecta con la esencia de lo teatral, exponiendo sobre la escena la convención y la magia, la realidad y su doble, la acción y la ficción. Esta investigación que comenzó en el 2017 ha traído consigo las piezas !AY! YA! (2018) investigación sobre las imágenes perceptivas pensadas desde el cuerpo y The Watching Machine (2020) trabajo sobre la luz.

Más información y entradas: https://teatroensalle.com/espectaculos/cosa-intervenir-un-cuerpo/?event_date=2024-10-18.

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Cris Blanco – 27 de octubre en La Mutant 

¿Es lo mismo un agujero negro que un agujero de gusano? ¿Se trata de la misma diferencia que hay entre el pitorro de un botijo y la boca de un porrón? ¿Qué hay dentro de los agujeros negros? ¿Qué hay detrás de la pared del Teatro María Guerrero? ¿Es nuestra infancia ese lugar feliz al que querríamos volver? ¿Llegaremos vivas a cumplir los 80? ¿Será posible tener a los 80 algún tipo de privilegio si no los tuvimos en los años 80? ¿Cómo sabe una persona que no tiene privilegios? ¿Es el acceso a la cultura un privilegio? ¿Hay algo que no sea distinto a lo que nos hicieron creer en los 80? ¿Son las preguntas pequeños actos revolucionarios? ¿Son estos actos revolucionarios suficientes para generar un Pequeño cúmulo de abismos?

Más información y entradas: https://www.lamutant.com/portfolio-item/pequeno-cumulo-abismos-cris-blanco/.

 

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Javier J Hedrosa | 18 y 19 de octubre en La Mutant

La copia, el remake o la versión son comunes en el cine o la música. En Escrituras no creativas se realiza una escritura coreográfica que atraviesa estas cuestiones a partir de la película de terror Suspiria (1977). La operación consiste en colocarnos como traductores entre la película original y el espectador llevando hasta el final un posible remake. De alguna manera, la película influye sobre los cuerpos, pero también las acciones del cuerpo modifican la película sin generar nada nuevo ni original, pero sí algo de diferente: una variación, una repetición, una iteración. A su vez, a través de dispositivos sonoros de traducción simultánea, cada espectador podrá elegir su propia versión de la obra.

Más información y entradas: https://www.lamutant.com/portfolio-item/escrituras-no-creativas-javier-hedrosa/.

Dirección: Javier J Hedrosa

Co-dirección: Paula Romero

Intérpretes: Javier J Hedrosa, Paula Romero y Noelia Sánchez

Diseño de luces: Inés Muñoz y Diego Sánchez
Diseño espacio sonoro y audiovisuales: Adolfo Fernández

Responsable técnico: Diego Sánchez

Acompañamiento artístico: Raúl León

Mirada externa: Norberto Llopis

Producción: Rosella Reig

Una producción de Javier J. Hedrosa

Con el apoyo de: La Mutant, Dansa València, Espai LaGranja, La Casa Encendida, La Nau Ivanow, Ajuntament de Valencia, Institut Valencià de Cultura,

Agradecimientos: Espai Flotant, El Consulado-Fonteta, A Contar Mentiras, Teatre El Musical

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Lara Brown – 16 de octubre en el 4×4 de la Sala Taro 

Los trabajos del amor;

Es un proyecto que ocupará los próximos tiempos en una condición dilatada, que nace sin tener fecha de culminación, que puede manifestarse en formatos inesperados que dependan del momento y la compañía.

Se revela como un contenedor de prácticas que atraviesan la vida antes que la escena, sostienen un presente continuo y aparecen para compartirse como gestos, palabras, bailes y trucos para estar bien.

Se manifestará por vez primera para todes ustedes al lado de Amalia Ruiz-Larrea,

En una habitación de 4×4 pondremos la espera en el centro.

Durante esa espera queremos que pasen cosas muy sencillas

Nos gustaría conseguir vuestro amor haciendo muy poco. Os invitamos a esperar juntas a ver qué pasa, con mucho amor, con mucha ternura.

Amalia & Lara

Desafiamos las unidades de tiempo y espacio. Sin forzarnos, hacemos magias a la vez y a veces a destiempo y resolvemos miedos, vértigos, soledades para hacer con ellas lo que queremos. Hacemos desaparecer distancias, nos inventamos el tiempo, creemos en lo etéreo, en lo vaporoso, aunque necesitamos la piel, porque somos muy de piel.

Más información y entradas: https://dice.fm/event/6d9ll3-4×4-lara-brown-los-trabajos-del-amor-16th-oct-sala-taro-barcelona-tickets.

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Stefan Kaegi y Gina Surià, El Conde de Torrefiel, Ari Benjamin Meyers, Begum Erciyas y Daniel Kötter, Emilie Rousset, Chiara Bersani y Marco D’Agostin y Sofía Dias y Vitor Roiz – 5, 6, 12 y 13 de octubre en Temporada Alta

Paisajes compartidos es un espectáculo que tendrá lugar los días 5, 6, 12 y 13 de octubre entre campos y bosques de Celrà. Se enmarca dentro de un proyecto europeo en el que Temporada Alta ha participado, junto con festivales y equipamientos europeos, como el Festival de Aviñón, Zona K y Piccolo Teatro di Milano o el Théâtre Vidy-Lausanne de Suiza.

Es un espectáculo que busca sacar las artes escénicas de los equipamientos convencionales y explorar el vínculo entre cultura y naturaleza. De esta forma, propone un recorrido en un entorno natural donde, a lo largo de un día, el público podrá ver hasta siete espectáculos diferentes de diversos artistas y creadores internacionales. El artista del país que participó, propuesto por Temporada Alta, fue El conde de Torrefiel.

Toda la información y entradas: https://temporada-alta.com/es/shows/paisatges-compartits/.

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