MuroTRON | T E A T R O N

Waves

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05-02-2025

Lautaro Reyes – Del 28 de febrero al 2 de marzo en el Mercat de les Flors

Esta pieza provoca un desplazamiento en la imagen del cuerpo, en la experiencia que contiene. A partir de una constante pulsión de transformación, el intérprete atraviesa por su identidad política y, a través del movimiento, abre la posibilidad de reconstruirse hacia otra identidad. En Waves, Lautaro habla también de lo que significan sus dos mundos geográficos y emocionales: “En Chile me hice persona política, aquí en Europa me hice adulto. Estos dos sitios son dos polos que han sido separados y es hora de que choquen. Sentir político, pensar y hacer artístico”.

Lautaro Reyes Sáez es coreógrafo e intérprete con una amplia formación en escuelas iberoamericanas. Ha trabajado con distintos coreógrafos y compañías en Europa. En 2012 crea Camaralucida, proyecto escénico que pone el foco de investigación al encontrar y desarrollar mecanismos que alteren la percepción coreográfica. Como coreógrafo ha recibido varios reconocimientos y actualmente es artista asociado de la fábrica de creación Graner.

Más información y entradas: Mercat de les Flors

D’ençà

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05-02-2025

DeTour

Quim Bigas – 3 de mayo en La Mutant

Esta propuesta quiere ofrecer un espacio poético y contemplativo que nos acerque a formas de afectarnos y a posibles maneras de vivir y de estar en movimiento desde los sitios que hemos habitado. A partir de una frase de movimiento al unísono, abrimos un espacio donde la danza tiene un papel esencial. El unísono nos permite comprender el movimiento y la danza como una plataforma donde encontrarnos, sentirnos afectadas, presenciar texturas y acompañarnos desde la escucha y los cuidados. La danza como un movimiento que podemos hacer juntas, que puede abrir mundos y grietas.

Quim Bigas trabaja dentro de los campos de la coreografía, la dramaturgia y los procedimientos informacionales. A menudo en sus trabajos utiliza procesos documentales para desplegar una posibilidad coreográfica que abre perspectivas de tiempo continuas. Bigas se preocupa de como abrir modos de ser a través del acercamiento a la conjunción entre la memoria y la experiencia subjetiva y la ausencia. Además, también está comprometido al papel del cuerpo como una entidad somática que mantiene sus preguntas y preocupaciones sobre las perspectivas de lo real. Desde 2018, es profesor asociado en coreografía en Den Danske Scenekunstskolen en Copenhaguen.

Más información y entradas.

Artículo de Anabella Pareja sobre la obra.

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El 2 de abril tendrá lugar la conferencia performativa de Quim Bigas Retornar: caer en la danza.

El proceso de D’ENÇÀ ha durado cuatro años y engloba una práctica artística, escritura y una gran cantidad de materiales, lecturas y conversaciones. RETORNAR es un intento de compartir movimientos en torno a este proceso, una excusa para seguir desplegando y compartiendo las ramificaciones de una misma idea.

A lo largo de esta propuesta escénica, Quim Bigas compartirá reflexiones en torno a lo que denomina «Caer en la danza», una aproximación a la danza como un encuentro con los lugares y lo cotidiano.

«RETORNAR: CAER EN LA DANZA» puede entenderse como una cara B, otra mirada sobre un mismo material. Fragmentos y elementos que van situándose en el espacio y en los cuerpos.

Rokatei

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05-02-2025

cacharros…

Park Keito – 20 y 21 de febrero en el Mercat de les Flors

Este trabajo coreográfico, a caballo entre la performance y la acción sonora, toma como punto de partida los poemas de Takahide Nishiwaki, breves impresiones y reflexiones atemporales que hablan de la efimeridad del ser humano y la relación con la naturaleza. Rokatei significa ‘la cabaña de las 6 canciones’. Dos personas en escena en un movimiento de traslación por diferentes ficciones, alrededor de un núcleo utópico, buscan y construyen paisajes mediante la corporeización, la transformación del espacio y la palabra. Esta cabaña es un refugio frágil, una estructura estable como una roca, pero también es vulnerable en una tierra húmeda, un abismo en una cueva.…Diversas implicaciones simbólicas que se van desplegando durante el espectáculo a la vez que se plantea preguntas sobre el ciclo de la vida.

La asociación Park Keito, afincada en Barcelona desde 2017, contiene el trabajo de Kotomi Nishiwaki y de Miquel Casaponsa. Sus intereses en la investigación que llevan a cabo se reúnen en distintas disciplinas como el movimiento, el sonido y el arte visual para componer y coreografiar, en la creación de piezas escénicas y en instalaciones. Sus proyectos enfatizan con distintos imaginarios sobre la percepción y temporalidades compartidas con la audiencia, tanto en teatros como en espacios ‘site-specific’. Hasta ahora han creado Move here underneath the soccer field (2014), Miru (2018), New(a)days (2021) y Yukedo Yukedo (2023).

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Apoyatura

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05-02-2025

Cooncierto

Óscar Bueno – 15 y 16 de febrero

Esta pieza se incluye dentro del proyecto de investigación Los paisajes ajenos, en el que el artista pone en relación la música, la imagen y la acción para buscar o descubrir otros paisajes. Apoyatura se adentra en esta investigación y propone una relación coreográfica, musical y visual entre un cuerpo, un piano y un cielo ficcionado. La relación entre los tres crea un ecosistema de decisiones sonoras, corporales y visuales.

Con una práctica que se mueve constantemente entre parámetros musicales, coreográficos y visuales, Óscar Bueno se define como autor, pero también acompaña procesos de otros artistas. Además, ha desarrollado diversas investigaciones sobre el sonido y la escena en proyectos como Sonidación (Soundtrack, Estudios para sonidación, Amarillo Chillón) y Los paisajes ajenos (Apoyatura, Vientos). Ha colaborado y colabora con otros artistas como Cuqui Jerez, María Jerez, Cris Blanco, Anto Rodríguez, Amalia Fernández e Itxaso Corral.

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El baile todo

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05-02-2025

Audiovisuales

Joaquín Collado – 13 de febrero en La Mutant

Con este trabajo me propongo como desafío colocar el cuerpo y sus bailes en el espacio, y nada más. Y que esté. Y que haga. Y que balbucee. Y que baile. Partiendo de esta proposición, algunas de las preguntas que me animan son: ¿Cómo, a través del gesto danzado, generar una presencia que escape de toda categorización, que emborrone las fronteras entre los géneros, que desoriente toda adivinación de lo que es, y que, afirmándose en ese inacabamiento, se mantenga alegremente presente y comprometida con su estar, con su bailar? ¿Cómo expandir la imaginación del que mira, produciendo un cuerpo hecho de trozos de otras muchas corporalidades, nombres y caras, y una danza impura hecha de múltiples gestos?

Ahora el baile todo (título provisional) se plantea como un proyecto de investigación y creación en solitario, con el que quiero reflexionar, a través del gesto del bailar y de mi cuerpo como bailarín hombre, sobre los procesos de construcción de una danza bastarda y plural, y sobre las ideas de categorización e identidad que operan en la danza y el bailarín, y por extensión, en todo cuerpo.

El proyecto se encuentra en una fase inicial de investigación.

Con el Apoyo de Graners de Creación, La Mutant de Valencia y La Caldera – centro de danza en Barcelona.

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Siempre vengo de noche (live set)

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05-02-2025

acció fotogràfica popular

Alberto Cortés – 7 y 8 de febrero en La Mutant

Estás viendo una playa. Ahora estás en ella. Esa no, piensa otra. Ahora miras a los laterales, no hay nadie más. Ahora junto a ti hay un amante hermoso que coge tu mano. Ahora lloras desconsoladamente y el amante no se inmuta. Mira el mar, aparece un humo que se desliza sobre el agua. En el centro del mar una figura delgada y sucia te canta. Te cuenta su historia, te vuelca encima toda la poesía que puede para que haga algo con tus heridas. No asegura cura pero asegura cambio de la temperatura interna. Ponte en sus manos, este fantasma te va hacer ver cosas: un caballo con un cuerpo encima, una pradera, un maricón andalú sufriente, hombres desnudos, una noche estrellada, una ría, un pueblo chico, un casamiento, playas sexualizadas, playas lloronas, playas heridas, playas macabras, playas inocentes. El fantasma se llama Analphabet.

Os convoco para una invocación espiritista; invocamos a Analphabet. Con la ayuda de un libro que recoge su testimonio haremos que ese objeto haga de conexión con su mundo, que lo lleve de un plano a otro, que lo traiga aquí, que lo traiga aquí. El libro lleva por nombre “Siempre vengo de noche”. Lo lees y casi aparece.

Unas recomendaciones para la sesión:

– Trae puesta alguna prenda negra

– Trae un libro que te conecte con tus fantasmas

– Ven con una canción en la cabeza

– Perfúmate como más te guste o bien ponte crema de protección solar 50

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Masha

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04-02-2025

Cooncierto

Palimsesta – Del 6 al 16 de febrero en el Antic Teatre

Masha es una experiencia de circo y performance que presenta un dispositivo escénico innovador: un linóleo de un metro de ancho por ocho metros de largo cubierto con aceite corporal. Sobre este terreno resbaladizo, dos cuerpos desarrollan un repertorio de movimientos y desplazamientos, transformando la disciplina del mano a mano a un nuevo lenguaje corporal. Se trata de una obra concebida como un laboratorio creativo, donde se invita a explorar, observar, reflexionar y coexistir colectivamente, centrándose en aspectos específicos de las relaciones humanas en el mundo contemporáneo.

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Palimsesta. La compañía nació a finales de 2021 formada por Andrea Rodríguez de Liébana (graduada en Circo por la Rogelio Rivel y ex gimnasta) y Sergi González (graduado en el Centro Nacional de Circo contemporáneo de Londres, ha trabajado en compañías como El Circo Gran Fele , Atempo Circo, La Clandestina, Emiliano Alessi, Joan Català y Los Galindos). La compañía fue seleccionada con su primer trabajo en Tráficos de la Creación y en Residencias Cruzadas, ambas impulsadas por La Central del Circ. También ha sido galardonada en los premios de la plataforma europea Circusnext (2022-2023).

Sahara

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04-02-2025

Baile

Claudia Castellucci – 21 y 22 de febrero en Teatros del Canal

Crear algo a partir de la nada es la secreta ambición del arte. El desierto, con su extrema monotonía espacial y temporal, pone a nuestro alcance condiciones que permiten proponer otro modo de hacer y demostrar que es posible generar otro mundo incluso cuando la única materia prima de la que se dispone es el propio ser.

El instrumento único –primero y último– de la danza es el propio cuerpo. Así, las formas inexistentes e irreproducibles solo pueden realizarse a través de uno mismo. Pero el desierto es también un lugar en el que se extiende una larga sombra que parece nunca acabar, pues no es otra que la nuestra, siempre presente. Y es, además, un lugar rebosante de compañía, pues la propia mente produce, de forma incesante, imágenes y pensamientos que es imposible ahuyentar. El cuerpo físico y la mente metafísica no son lugares exclusivamente propios y el desierto los transforma en refugios siempre abiertos… El desierto contiene en sí todas las fantasías, su entorno está falsamente vacío, poblado, como está, de imágenes mentales de todo tipo. Bien lo sabían los anacoretas de antaño, que precisamente acudían a él para combatir las imágenes del mundo… Antes incluso de ser una situación espacial, el desierto impone una condición temporal profundamente elástica: momentos de espera exasperante se alternan con momentos de repentina prontitud, todo ello dictado por la música, compuesta ad hoc para la ocasión.

En las anteriores danzas de Claudia Castellucci, la tensión mental de los intérpretes estaba implícita en la representación de un esquema coreográfico riguroso que debía ser despertado. Aquí, sin embargo, la danza está más inclinada a afirmarse a sí misma como un arte de la flagrancia, en el que gran parte del esfuerzo se expresa mediante una decisión inmediata de cada intérprete, muy a menudo abandonado consigo mismo, y despojado de cualquier modelo. Es una danza que busca una sencillez extrema. El desierto, por su parte, no facilita esta sencillez; es más, la perturba al máximo. La danza, así, prescinde de cualquier tipo de molde en el que apoyarse.

Desierto, caverna, sabana… son palabras hiperbólicas y simbólicas para estos fragmentos de hechos silenciosos, pero son las que mejor representan la condición de estos intérpretes de una nada basal, del bajo continuo de la vida, y también de la inmensa fragilidad de tal condición, cuando, desde lejos, la vemos fluir… Parientes cercanos que compran huevos en un supermercado y que ignoran que son observados, como estrellas fijas, por hijos o padres profundamente conmovidos, al borde del llanto, por el misterio de su simple presencia más que por su luz y su grandeza… Y entonces sucede algo también parecido a lo que ocurre en el cielo: sobrevienen ciertos encuentros que la propia inercia prepara desde la oscuridad. Corrientes magnéticas que nos llevan a sentir el mismo impulso; uno que no nos hace más semejantes ni nos iguala; uno que simplemente explica el amor más profundamente oculto.

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MOLD

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04-02-2025

Almuerzo free software

Sara Manente – 28 de febrero y 1 de marzo en La Mutant

MOLD (en inglés) se refiere a dos cosas muy distintas: es un tipo de hongo (moho), pero también es un recipiente hueco para moldear una forma o un patrón específicos. Como hongo, funciona como una red de micelio que crece de formas que parecen incontrolables: conectándose, colonizando, infectando, digiriendo, dando fruto y produciendo esporas. Como molde, patrón, es una matriz, una forma que moldea materias maleables. MOLD quiere escenificar el conflicto entre proliferación espontánea y moldeado, entre dos lógicas diferentes en un mismo cuerpo.

Basándose en diversas prácticas -micología, moda, fermentación, danza y escultura- MOLD aborda la máquina teatral como una multiplicidad de cuerpos. Queremos que MOLD no sea sólo un espectáculo, sino también una granja. Un entorno en el que la danza, los objetos, el público, la luz, la música, los aromas y el vestuario interactúen como culturas vivas. Un jardín dedicado a cultivar, abandonar, inocular, trenzar, duplicar, brotar, calentar y descomponer.

Más información y entradas.

FICHA ARTÍSTICA:

Concepto, dirección y escenografía: Sara Manente

Performers: Marcos Simoes, Gitte Hendrikx, Sara Manente

Music: Christophe Albertijn

Diseño de luces: Estelle Gautier

Adaptación y técnica luces: François Moretti

Aromas y vestuario: Sofie Durnez

Cultivo de Micelio: Manel Bafaluy,

Esculturas de micelio: Deborah Robbiano

Elementos trenzados para crecimiento micelio : Estelle Jullian, Maria Vidagany

Asesoramiento dramatúrgico: Jaime Llopis

Asesoramiento artístico: Edurne Rubio

Tráiler: Luca Mattei

Producción: Hiros/Martin Zicari

Apoyo producción en Valencia: Santiago Ribelles Zorita

Coproducción: C-TAKT, wpZimmer, Kaaitheater, Kunstencentrum BUDA, WIELS, Far° festival

Con el apoyo de: Vlaamse Overheid

Agradecimientos: XING, Kunst/Werk

Tengo que ver lo que hay detrás 0.1

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29-01-2025

Cooncierto

Frances Ribes Renshaw – 12 de febrero en Arts Santa Mónica

Ensayo performativo a través de la voz y el cuerpo que tiene el deseo de acercar y tratar conceptos desarrollados en la teoría psicoanalítica lacaniana e indagar y experimentar con la propia vida, práctica y diván.

Con la voz y el cuerpo como mediadores entre el consciente e inconsciente, se plantea escenificar una investigación alrededor de la naturaleza arqueológica del proceso de creación y composición, la relación de este con el tiempo, la mirada retrospectiva y todo lo que esto revela y libera.

Más información. Entrada libre hasta completar aforo.

Frances Ribes Renshaw (Madrid, 1993) es una artista multidisciplinar angloespañola que se dedica principalmente al trabajo escénico en los ámbitos de la música, la voz y el movimiento. Ha trabajado como intérprete en obras de Martin Creed, Rui Horta o Núria Corominas entre otros, a la vez que desarrolla sus propias obras performáticas como “there is a room for everything” (Galería Pradiauto, 2022) o su proyecto de música grunge-pop St. Frances.

— MuroTRON

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