Lo nuevo de Lady Gaga, en colaboración con la fantástica y querida Santa Beyoncé!

Será que todo lo que toca lo masteriza!

Los vestuarios son increíbles… Ole al diseñador! Yo me quedo con los rulos de lata y las gafas de cigarrillos… aunque las uñas de la bandera americana no tienen desperdicio alguno!

Disfrutad!

IF

you are working in the performing arts and want to start an artistic research in a professional research environment, free from production constraints,

OR

if the concepts of performativity or/and scenography are (relatively) new to you and you want to explore them in depth,

THEN

a.pass (advanced performance and scenography studies) can offer you a one year post master program in which you develop your performative or scenographic research project.  In a context of self-education and collaboration you create a personal trajectory through workshops, individual mentoring and interaction with the other participants. At the end of this period, you present and communicate your research.

BESIDE

the post master programs, a.pass invites artists and theoreticians – possibly engaged in a PhD in the Arts -  to develop independent artistic and transdisciplinary projects producing knowledge and tools relating to the key issues of the a.pass programs.

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‘CALL FOR PROJECTS’

for more information on the a.pass programme,

application, selections, admission

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a.pass (advanced performance and scenography studies)

is an artistic research environment on post-master level, containing two study programmes: a.pt and a.s.

a.pt (advanced performance training) is mainly aimed at artists and theoreticians with a proven experience in developing work in or on the performance field (apart from the usual suspects, also musicians, visual artists, architects, political and social scientists, critical theorists, actionists, etc. with a trajectory in the performance field). a.pt addresses participants who want to question their own work, re-evaluate their trajectory or explore a fascination that doesn’t fit institutional standards.

a.s (advanced scenography) welcomes artists and theoreticians who want to investigate the notion of scenography on and off the stage. The programme offers a practice-based artistic and theoretical program and addresses professionals trained in architecture, (interior) design, visual arts, graphics, etc. a.s also addresses directors, choreographers, costume designers and performers who want to expand their thinking about and experience within scenography.
Target applicants

a.pt (advanced performance training) is mainly aimed at artists and theoreticians with a proven experience in developing work in or on the performance field (apart from the usual suspects, also musicians, visual artists, architects, political and social scientists, critical theorists, actionists, etc. with a trajectory in the performance field).

a.s (advanced scenography) welcomes artists and theoreticians  who want to investigate the notion of scenography on and off the stage. The programme offers practice-based artistic and theoretical input and addresses professionals trained in architecture, (interior) design, visual arts, graphics, etc… Also directors, choreographers, costume designers and performers who want to expand their thinking about scenography, are welcome.

Call for projects & applications

The artistic-pedagogical process of a.pass always starts with an international call for projects aimed at artists and theoreticians. Respondents to this call for projects have to outline an artistic research project which ties in with their own artistic or theoretical background. The proposal should also clarify the relevance of the research towards the applicant’s artistic and/or theoretical development.

Required qualities of the research proposal

To apply for either a.pt or a.s, we ask you to send us a proposal for a research project. Your application is meant to give us a clear insight in what you aim to achieve in your 12 month-working period, the relevance of your project, and your willingness to open up your personal research to the critical platform of the a.pass participants.

Your proposal should consist of:
1) a clear text describing the general outline of your project, including a detailed planning of the first 3 month working period  (central question, proposed research trajectory, initial proposed methodology, what media would you like to work on, …).
2) the relevance of this project to the development of your practice or knowledge production of the performance field or scenography in particular.
3) a proposal on how to develop and communicate your research to your fellow participants, and a wider audience (what formats you would like to explore, how you would like to archive your trajectory and make it available to your professional colleagues and the public)
4) the material, you think, best illustrates your past achievements  and/or your artistic talents: DVD’s, photos, texts, reviews, port folio, drawings, paintings, scale models, etc.
5) a recent curriculum vitae including information on your master diploma (what, obtained where, date of issue) or on the highest diploma obtained.
Candidates who are not holder of a master degree, should pay special attention to including also a relevant biography and material illustrating at least three years of qualitative experience working in or around the artistic sector.
6) your contact information (full name, date & place of birth, nationality, address, phone numbers)

Visit www.apass.be for more information on and examples of a.pass research projects!

Feel free to contact us with questions.

Deadline 1st of May 2010

for start in september 2010

Abierta la convocatoria de  ACT FESTIVAL 2010.

El plazo de inscripción estará abierto hasta el 26 de marzo 2010.

El festival tendrá lugar en Bilbao del 2 al 5 de Junio del 2010.

Ya os podéis descargar las bases y el formulario en www.actfestival.com.

ACT vuelve un año más a convocar a nuevos creadores de la artes escénicas para  que presenten sus creaciones, dando impulso y relevancia  una vez más a las piezas cortas.

ACT es también un concurso de trabajos independientes que se presentará ante público y prensa con varios premios en las diferentes categorías.

Os adjuntamos más información en el mail junto con el formulario de participación que deberéis enviar debidamente rellenado.

Si queréis participar mandar el formulario a act@bai-bai.net y las propuestas en DVD lo antes posible a

ACT Festival

181 PK

48900 Barakaldo

BASQUE COUNTRY

Spain

Tlno: +34944389096

Tlno: +34665738142

Os recordamos que el plazo de inscripción se cerrará el 26 de marzo del 2010.

Esperamos recibir vuestras propuestas!!!

Por favor,  reenviar esta información a vuestros contactos!!!!!

ACT FESTIVAL 2010

Más información en www.actfestival.com.

http://www.facebook.com/#!/pages/ACT-FESTIVAL/63485607782

Estaba en los IN-formales de La Poderosa, casi entrando en estado de pre-congelación, pero vi una pieza de un grupo de bailarines bailando literalmente la música y me hizo pensar en lo literal… y me inspiré! Y lo comenté con Oscar, Mónica, Elena…  y les hablé del fenómeno llamado ‘literal singing’, que se trata de doblar un video clip manteniendo la música pero cambiando la letra… la nueva letra es una explicación literal de lo que pasa en el video… en fin, mejor ver un ejemplo magistral de este fenómeno:

“2. As art is always political, pay attention to which politics show

through your performance.”

Frederic Gies – 10 statements about dance performance

Semana Internacional de la Danza en

Area, Espai de Dansa i Creació

“Interacció d’Arees”

del 23 al 30 de abril del 2010

CONVOCATORIA ABIERTA PARA PIEZAS CORTAS

Dentro de la conmemoración del Día Internacional de la Danza  Area organiza una semana de actividades abiertas al público y de carácter gratuito.

Durante esta semana, entre otras cosas, habrá una programación de piezas cortas de danza.

Podrán participar aquellas piezas de un máximo de 15 minutos de duración. Se podrán mostrar tanto en sala como en la calle.

Las piezas de sala se mostraran en Area donde se dispondrá de equipo de luces y sonido.

Las piezas de calle se mostraran en diferentes plazas de la Vila de Gràcia donde habrá equipo de sonido pero no de luces, ya que la programación será durante el día.

La difusión se hará a través de los trípticos que edita el Ajuntament de Gràcia y de la edición especial de El Periódico que va a cargo de la APdC, así como de la página web y el blog de Area.

Las propuestas se podrán presentar hasta el 10 de marzo de 2010. Cada propuesta ha de constar: de un CD/DVD y la ficha de inscripción adjunta. Se habrá de enviar a:

Area / Interacció d’Arees

C/Alegre de Dalt 55bis

BARCELONA 08024

El 30 de marzo se darán a conocer las piezas seleccionadas, de manera personal y a través de la web y el blog de Area.

+info en NEWS!  www.areadansa.com

Acabo de rescatar dos solos que empecé a desarrollar en 2006 e incluso presentarlos en pequeños contextos y que estoy pensando en re-tomarlos, re-trabajarlos y re-presentarlos.

Solo nr. 3: anatomical icons

// Un intento de diseccionar el discurso semiótico / Un intento de producir reflexión en la convención del icono-imagen / Un estudio en la construcción de símbolos sociales, políticos, sexuales y religiosos / Cuando anatomía y deseo se retro-alimentan / Cuando el lenguaje anatómico construye el símbolo y el académico lo interpreta / Cuando casi se muestra lo que aún no es / Cuando se representa el deseo de pertenecer / Cuando el cuerpo anatómico se convierte en el cuerpo pornográfico y el cuerpo erótico en el cuerpo fantástico //

Este vídeo muestra la primera fase de investigación del solo… se desarrolló mucho más material, pero este es el de partida y de momento el que me sigue pareciendo más interesante. Y mejor grabado!

Texto en inglés. Para los que no lo entienden, es una lista de los movimientos realizados según la terminología kinesiológica (por ejemplo: flexión de la rodilla izquierda, rotación exterior del húmero derecho, flexión lateral de la columna cervical, etc.)

VIDEO

Solo nr. 2: on 4 bodies

Una invitación, una invitación a un diálogo (quizás), que podéis aceptar o rechazar, como deseéis.

Un intento de diseccionar mi cuerpo de bailarín.

Una performance-ponencia que hace una reflexión en lo que produce una institución educativa.

VIDEO

El vídeo está en inglés. A continuación el texto en castellano:

‘solo nr. 2: en 4 cuerpos’

( otra versión)

Bienvenidos,

Este es el ‘solo nr. 2: en 4 cuerpos’ (otra versión)

Esta actuación la podéis considerar como una invitación. Una invitación al diálogo – quizás, depende de vosotros aceptarla o rechazarla, como deseéis.

Me gustaría explicaros, brevemente, el proceso de este solo, pues pienso que es relevante para que podáis tomar la decisión más adecuada.

Antes de terminar mis estudios profesionales como bailarín quería crear un solo; un solo donde se recogiera mi educación en danza.

Empecé yendo al estudio, una hora al día, durante una semana.

Después de aquella semana me tuve que afrontar el Problema nr. 1: el movimiento original. Cualquier movimiento que hacía venía de una técnica o profesor específico; podía, incluso, moverme mientras decía el nombre del profesor o técnica. Por lo tanto no tenía un “estilo” propio.

Puedo tener un “estilo” propio? Mi “estilo” era una mezcla de patrones de profesores y técnicas traducidas a mi sistema.

Me di cuenta del problema. Tenía dos opciones: Opción nr. 1: continuar haciendo y desarrollando mi propio “estilo”, a partir de movimientos reconocidos. Opción nr. 2: utilizar esta limitación como condición para la creación de este solo.

Escogí la opción nr. 2.

El siguiente paso fue lo que denominé “disección de mi cuerpo de bailarín”. Cuantos cuerpos de bailarín tengo? Bien, si os tengo que ser sincero, muchos! Esto es lo que produce un programa educacional al estudiante: imponer tantos cuerpos como sea posible al estudiante para que tenga más posibilidades en el futuro.

De todos modos, decidí escoger 4, los 4 que eran los más relevantes en mi educación como bailarín. Les dí un nombre, una simple formalidad para evitar confusiones a la hora de comunicarme. Los nombres que les di fueron: cuerpo rítmico, cuerpo anatómico, cuerpo desorganizado y cuerpo de Alexander.

No me malinterpretéis por favor, no estoy poniéndoos a prueba para saber si tenéis o no referencias o conocimiento de historia de la danza. Si lo deseáis, los podéis llamar A, B, C y D; o 1, 2, 3, y 4; o incluso les podéis dar nombres como Jonathan, Lolita, Tom y Frederic. La elección de los nombres, repito, fue una decisión práctica y formal para evitar confusiones.

Estuve jugando con los 4 cuerpos, intentado ver que tipo de relaciones aparecían cuando los ponía uno al lado del otro, o incluso encima del otro.

Aquí llegó el Problema nr. 2: qué motivo tendría el público para presenciar este solo? Para demostrar lo que puedo hacer y fardar? Para conseguir trabajo, quizás, en caso de que haya algún coreógrafo entre el público que esté buscando un bailarín?

No. Este no era mi objetivo, y esto lo tenía claro.

Por lo tanto tuve que buscar la manera de trasladar la atención del espectador hacia la percepción de tiempo y espacio, y como cada cuerpo podía afectar el tiempo y el espacio de diferentes maneras.

Aquí me encontré de nuevo con dos opciones, pero esta vez enfocadas a un nivel de composición. Opción nr. 1: mostrar los 4 cuerpos por separado, uno detrás del otro. Opción nr. 2: mostrar los 4 cuerpos mezclados, el uno con el otro; lo que (quizás) la filósofa canadiense Erin Manning diría como el estado multi-corporal de transición (the many-bodied state of transition).

Escogí la opción nr. 1.

Esta elección me propuso dos opciones más a considerar. Opción nr. 1: ser democrático y dar 5 minutos a cada cuerpo. Opción nr. 2: no ser democrático y dar a cada cuerpo el tiempo que necesitara.

Escogí no ser democrático, opción nr. 2.

Llegamos así al ‘solo nr. 2: en 4 cuerpos’. La versión original. La versión que envié a este festival, y la versión que han programado. Pero esto es otra versión.

Esto es otra versión porque la semana pasada apareció un nuevo problema. El Problema nr. 3: existe la posibilidad de ser honesto y bailar sólo un cuerpo? Hay alguna posibilidad de bailar el cuerpo anatómico sin utilizar el cuerpo rítmico? O de bailar el cuerpo rítmico sin utilizar el conocimiento que ofrece el cuerpo de Alexander?

La conclusión, después de este proceso, recae en mi interés hacia la inclusión en lugar de la exclusión.

Esta actuación la podéis considerar como una invitación que os hago. Una invitación hacia el diálogo – quizás, depende de vosotros aceptarla o rechazarla, según deseéis.

Seguramente me encontraréis en el bar en un rato.

Muchas gracias,

Aimar Pérez Galí

Antwerpen (Bélgica)

Octubre 2006

Aquí us deixo una entrevista del programa Singulars de TV3 a Teresa Forcades.

Teresa Forcades té 43 anys, és una monja benedictina del monestir de Sant Benet a la muntanya de Montserrat . És doctora en Salut Pública, especialista en Medicina Interna per la Universitat de Nova York; doctora en Teologia; Master of Divinity per la Universitat de Harvard; i autora dels llibres “Els crims de les grans companyies farmacèutiques”, “La Trinitat, avui”, i “La Teologia Feminista en la Història”.

Dura 1hora i és molt interessant el repàs que fa sobre els temas d’actualitat en la societat d’avui en dia. Un gran plaer escoltar-la!