Somewhat paler de Bárbara Sánchez

Jueves 6, viernes 7 y sábado 8 diciembre a las 21h en Teatro Pradillo.

Bárbara Sánchez / Somewhat paler ©Tristan Perez-Martin

Somewhat paler propone una exploración de los afectos relacionados con la pena a través del trabajo con la acción física en vivo. Como un via crucis en el que las estaciones de penitencia hubieran comenzado a desdibujarse. Y ya no es posible pararse en ninguno de los lugares del camino. Ni llegar, ni alcanzar: la única posibilidad es ir, dirigirse, atravesar y abandonar cada uno de los cuerpos disponibles. La misión es dejarse caer, probar cada vez el sabor del vacío sin posibilidad de agarrarse a nada, ni de encontrar sostén alguno en ninguno de los restos.

Duración: 70 minutos.

Coreografía e interpretación: Bárbara Sánchez

Dramaturgia en colaboración con: Jaime Conde Salazar.

Espacio sonoro: Susana Hernández. 

Diseño de iluminación: Benito Jiménez.

Esta pieza forma parte de la Temporada 2018-2019 y ha sido seleccionada en convocatoria por Las Segundas Comisarias.

Información sobre reservas y entradas.

Este es de aire el otro de agua, de Kokoharuka

Jueves 29, viernes 30 de noviembre y sábado 1 de diciembre las 21h en Teatro Pradillo.

Dos mundos en uno, que se contraponen y complementan.
Dos individuos: El digitalis y el sapiens. Ambos conviven en cada uno de nosotros.
Formamos parte de las generaciones en las que se está produciendo un cambio,
paralelamente al desarrollo de la red virtual. La influencia de este nuevo mundo a nivel social y político, el gran poder y el control que genera, y el importante papel de la mujer en todo este proceso, hacen de esta “nueva selva digital” un campo de batalla, un tablero de juego en el que discurre la evolución y el futuro de la especie humana.

Están ahí, entre el resto, pasando casi desapercibidos. mezclados entre nosotros.

Se les puede ver y descubrir por la desconfianza que despiertan, y la indiferencia

con la que transitan a nuestro alrededor.

Su percepción de lo que les rodea,  es diferente.

En la red, el tiempo y el espacio, el día y la noche conviven y coinciden,

allí, siempre es de día y de noche a la vez…

Duración: 50 minutos.

– –

FICHA ARTÍSTICA:
Creación: Kokoharuka
Performer, video creación & dirección: Masako Hattori
Performer, coreógrafo y bailarín: Mikel Arístegui
Texto e Iluminación: Octavio Mas-Ybañez
Creación sonora y técnica de vídeo: Adolfo García.

Sonido: Uriel Ireland
Asesor de dramaturgia: Manuel García Martínez
Producción: Rubén G. Pedrero
Fotografía: Luisa Gutiérrez
Grabación del espectáculo en vídeo: Marghe Morello
Estrenada el 12 de Enero 2018 en Teatro Rosalía de Castro, A Coruña
Residencia: Heijyo-nishi-kominkan (Japón, 01/2017), R. Paraíso (Pazo da cultura Narón, 09/2017), Sala Agustín Magán (S. Compostela, 12/2017)

– –

KOKOHARUKA / work in progress “Este es de aire el otro de agua” from Kokoharuka on Vimeo.

* Esta pieza forma parte de la Temporada 2018-2019 y ha sido seleccionada en convocatoria por Las Segundas Comisarias.

Información sobre reservas y entradas.

HUELLA #5 – PAULA MIRALLES


Huellas: Rastros, señas, vestigios que deja alguien o algo… Cuéntanos cómo te llamas, dónde trabajas y cuál es tu trayectoria

PAULA MIRALLES: Me llamo Paula Miralles vivo y trabajo en Valencia. He trabajado durante mucho tiempo como actriz en piezas de texto y hace unos cuantos años empecé a hacer trabajos más personales enfocados en la voz y el sonido junto al compositor David Alarcón.Ahora desarrollo mis propios proyectos siguiendo esa linea de lo vocal, lo musical y lo escénico. Pertenezco al Colectivo artístico Taller Placer junto a Vicente Arlandis, Miguel Ángel Martínez, Violeta Ros y Aina Vidal. Actualmente, entre otras cosas, estoy llevando acabo un proyecto de investigación de práctica escénica sobre voz y emoción que se llama “Sentimentalismo en escena” y también estoy colaborando con Vicente Arlandis y Miguel Ángel Martínez en el comisariado de las jornadas sobre lenguaje y justicia: YO SOY INOCENTE Y TONTO que se van a hacer en en Centro Cultural Conde Duque en diciembre.

¿Qué trabajo presentas en el teatro Pradillo?,

P. M: LP es mi primer solo de creación. Parto de un repertorio de canciones pop rock de los 80 y 90 y lo que hago es descomponerlas para recomponerlas atendiendo a los aspectos que más me llaman la atención de cada una ellas. Tiene una parte emocional, en cuanto al repertorio seleccionado, y una parte más técnica porque a veces lo que he trabajado en cada tema son cosas como el silencio, el volumen o cosas que tienen que ver con el sonido en si y la canción, entonces, se ha convertido en una excusa para plantear ese interés. Es una pieza en la que pongo en marcha cuerpo, voz y sonido y trato de establecer una relación de ida y vuelta entre estos tres elementos.

Cómo seguir pensando la práctica artística y desde qué lugar la actuación es una preguntaque atraviesa todo el discurso del siglo XXI. Hallamos experiencias de una afirmación más radical del yo, en creadores como Angélica Liddell y Rodrigo García, y experiencias más colectivas, dispositivos de carácter más intelectual desde los que se pretende reflexionar acerca de conceptos como democracia, horizontalidad y participación. ¿Cómo definirías tu práctica escénica?, ¿dónde te ubicarías dentro de la práctica contemporánea?, ¿te resulta posible enmarcar tu trabajo comocreador?

P. M: Me cuesta situarme en algún lugar todavía porque llevo muy poco tiempo haciendo mi propio trabajo y creo que ni siquiera yo puedo definirlo. LP es un trabajo que nace de una necesidad muy fuerte de comprobar qué era capaz de hacer yo sola con el sonido. En ese sentido es una afirmación del yo en escena y también es una suerte de biografía musical…tiene algo de relato, claro. Pero mi interés no es hablar de mi en escena, sino colocar la voz y lo sonoro como materia central del trabajo. Me interesa el lenguaje y la música y todo lo que suena y me gustan los artistas que trabajan en este sentido.

Cuerpo, palabra, espacio sonoro, luz, video…¿Con qué signos trabajas normalmente?, ¿qué lugar ocupan en tu proceso de creación?, ¿hay alguno de estos que sugiera un lugar de partida al que van añadiéndose los demás?

P. M: La voz es lo que precipita todo lo demás. El cuerpo suele ir casi de la mano porque me gusta mucho hacer sonar mi cuerpo de diferentes formas. No se trata de cantar, me gusta hacer cosas con la voz y para encontrarlas busco en el cuerpo y en el espacio. El sonido procesado también está ahí pero como necesito ayuda para hacerlo tiendo a imaginarlo y proyectarlo con ayuda de alguien. Así que de entrada es mi cuerpo y mi voz lo que marca el proceso.

En palabras de Umberto Eco: “la forma solo se comunica ella misma, pero es en sí misma el artista hecho estilo. La persona forma en la obra su experiencia concreta, su vida interior, su espiritualidad inimitable, sus reacciones personales en el ambiente histórico en que vive, sus pensamientos, sus costumbres, sus sentimientos, ideales, creencias, aspiraciones”. ¿Qué nos cuenta de ti este proyecto?, ¿cómo se refleja esto en tu estilo o lenguaje personal?

P. M: LP es mi primer trabajo y es una pieza que habla mucho de mi y en la que he hecho lo que quería, pero tampoco sé si define un lenguaje o un estilo propio. Es un trabajo en el que creo que se adivina mi personalidad en escena, mis gustos musicales (aunque no todos), y en el que hay una declaración de intenciones sobre lo que quiero seguir transitando y haciendo que es trabajar con la voz y el cuerpo y desprenderme de lo narrativo, el personaje y el texto en escena (que es en donde me he situado durante mucho tiempo).

El espectador ha ocupado un lugar preeminente en ciertas prácticas contemporáneas, casi hasta el punto de convertirse en un participante necesario, o un cómplice. Otros creadores hablan del público en otro sentido muy distinto. En palabras de Romeo Castellucci, “el público es un cuerpo que debe sentirse emocionado y convencido por todo lo que se agita a su alrededor”. ¿Qué lugar ocupa el espectador en tu trabajo?, ¿lo consideras de inicio en tu proceso o entra en juego en el momento de la representación?

P. M:  Es importante porque sabes que el trabajo al final lo vas a compartir con la gente, pero ahora me tomo al público más como una referencia perceptiva. Es decir, me pregunto cómo ese público hipotético percibe lo que quiero plantear y sobre todo me interesa pensar en cómo escucharán lo que pueda plantear. La escucha es lo que más me interesa de ese público.

Ahora me gustaría preguntarte por tus referentes. Para ser más directa: ¿qué lees?, ¿qué escuchas?, ¿qué ves?

P. M: Lo último que he visto y que más me ha gustado es Deep Etude de Alma Söderberg. Ahora estoy leyendo Silencio de John Cage y me encanta escuchar los podcast de Radio Macba de Cris Cutler sobre voz. Escucho muchos podcast en diferentes páginas de sonido. Me gusta mucho acceder al contenido de esa forma. En cuanto a música lo escucho todo … no podría decidirme por algo en concreto

¿Y en el teatro? ¿es el teatro un referente?

P. M: Me gusta el trabajo de mucha gente pero cada vez me interesan más los trabajos alejados del planteamiento de teatro convencional. Me gusta mucho lo que he visto de Anto Rodriguez, lo que plantea Nilo Gallego, me encanta Alma Soderberg… Y en general cada vez me gustan más los trabajos sencillos, en los que veo a alguien en escena haciendo cosas sencillas y con poco artificio.

Siempre andamos quejándonos del escaso apoyo y las condiciones de precariedad en las que se desarrolla nuestro trabajo: En su Carta a una joven artista, Valcárcel Medina escribe: “los que os quejáis de la crisis porque os limita la expresión, tal vez tenéis poco que contar”.¿Qué opinas de esto?, ¿en qué condiciones ideales te gustaría que se desarrollara tu trabajo?

P. M: La verdad es que yo no me puedo quejar porque desde que he empezado a trabajar por mi cuenta he recibido apoyo en la producción. Quizás la visibilidad del trabajo sí que sea más difícil … En ese sentido creo que la institución sigue dando poco espacio en sus programaciones a determinado tipo de propuestas y eso es un poco frustrante: trabajar y luego no poder mostrar o mostrar en salas donde no hay público… Eso es un problema al que ya terminas por acostumbrarte, pero no debería ser así.

Volviendo a Isidoro Valcárcel Medina: “Hay que dejar el arte tranquilo y empeñarse en decir lo que tu alma siente.[…] Ser artista consiste en actuar responsablemente en el ejercicio de una profesión que, sencillamente, se implica en abrir perspectivas de visión”.¿Cuál es la función del arte para ti y cuál crees que sería el espacio que ocupan hoy en día las artes vivas dentro del modelo cultural?

P. M: Para mí, el arte es un espacio donde me planteo otras formas posibles de mirar algo. No creo que tengan que ser formas que revelen un secreto al resto de la humanidad ni que expliquen el misterio de la vida, eso me parece demasiada responsabilidad. La verdad es que me gusta mucho lo que dice Isidoro Valcárcel; me quedo con eso.

REFERENTES LP

LP de Paula Miralles

Jueves 15, viernes 16 y sábado 17 de noviembre las 21h en Teatro Pradillo.

Nos emocionamos con canciones que decimos detestar. Lloramos con temas que nos transportan a otras vivencias. Cantamos a solas, a todo volumen, y nos dejamos llevar sin importarnos el tono, la afinación o la melodía. LP es una propuesta escénica que trata de jugar con los límites de lo musical. A partir del objeto “canción” la pieza trabaja la descomposición y recomposición de esos pequeños universos sonoros para adentrarse en todas sus posibilidades dramatúrgicas y escénicas. Partiendo de conceptos en ocasiones más técnicos y otras veces más emocionales o biográficos la pieza viaja de una canción a la siguiente tejiendo un hilo musical íntimo a compartir.

Duración: 50 minutos.

– –

FICHA ARTÍSTICA:
Creación e interpretación: Paula Miralles
Asistencia: Vicente Arlandis
Música y espacio Sonoro: Mei y Alfredo SB
Iluminación: Diego Sánchez
Colaboran: CULTURARTS, Taller Placer y Espacio Inestable

– –

* Esta pieza forma parte de la Temporada 2018-2019 y ha sido seleccionada en convocatoria por Las Segundas Comisarias.

Información sobre reservas y entradas.

MB#6 de Miguel Bonneville.

Jueves 8, viernes 9 y sábado 10 noviembre a las 21h en Teatro Pradillo.

MB#6 es una experiencia de narración autobiográfica. Bonneville trabaja sobre su historia personal como momento de profundo encuentro existencial entre diversas identidades. Invita a algunas mujeres para hablar sobre sí mismas, sobre sus experiencias relacionadas con el hecho de ser mujeres, adultas, artistas, en el formato de video-retratos. Las historias de cada una de ellas, sin embargo, son devueltas por el intérprete, en un doblaje en vivo, que reúne las diferentes historias bajo la misma voz y las funde, haciéndolas parte de un único gran retrato que describe una nueva identidad.

Dirección y interpretación: Miguel Bonneville.

Duración: 85 minutos.

Co-creación (2008) – Sofia Arriscado, Joana Craveiro, Joana Linda, Rita Só, Cláudia Varejão, Sara Vaz, (2018) – Isadora Alves, Joana Craveiro, Isabela Figueiredo, Maria Gil, Carlota Lagido, Joana Linda, Mariana Sá Nogueira, Rita Só, Cláudia Varejão, Sara Vaz

Edición Vídeo – Sofia Arriscado (2008), Joana Linda (2018)

Subtitulación, Registros vídeo y fotográfico – Joana Linda

Producción – Cristina Correia, Vanda Cerejo | Teatro do Silêncio

Esta pieza forma parte de la Temporada 2018-2019 y ha sido seleccionada en convocatoria por Las Segundas Comisarias.

Información sobre reservas y entradas.

¿Sabes lo que quieres? de Mario Pons

Jueves 1, viernes 2 y sábado 3 de noviembre las 21h en Teatro Pradillo.

La pieza va de viaje entre la realidad y la ficción, haciéndonos mover constantemente entre los dos mundos hasta llegar a confundirlos. Va de dormirse, soñar y verlo todo perfectamente claro, más incluso que cuando estamos despiertos. De cambiar un recuerdo hasta hacerlo más llevadero y transformarlo en una historia que nos ayuda a seguir adelante.

Duración: 50 minutos.

– –

FICHA ARTÍSTICA:
Dramaturgía: Mario Pons
Asistente de dirección: Pablo Gervasoni
Intérpretes: Isaac Fortezza y Cristina Celada
Agradecimientos: David Mallols, Carmen Juana Tomás Pons, Centre Civic Guinardó, La Poderosa
Coproducción: Antic Teatre.

– –

* Esta pieza forma parte de la Temporada 2018-2019 y ha sido seleccionada en convocatoria por Las Segundas Comisarias.

Información sobre reservas y entradas.

HUELLA #2 – SANDRA GÓMEZ

Huellas: Rastros, señas, vestigios que deja alguien o algo… Cuéntanos  cómo te llamas, dónde trabajas y cuál es tu trayectoria personal.

SANDRA GÓMEZ: Me llamo Sandra Gómez y vivo y trabajo en Valencia. Mi trayectoria pasa, sobretodo, por hacer propuestas personales desde el ámbito de la investigación y la creación. Desde el año 2001 hasta el 2011 trabajo junto a Vicente Arlandis en el colectivo Losquequedan y a partir del 2012 de manera independiente en proyectos centrados en el cuerpo y el movimiento. Además colaboro en proyectos de otros artistas como Visita guiada desde la danza con Rocío Pérez y Santi de la Fuente, Estoy pensando en tortugas de Claudia Faci, Cuerpo gozoso se eleva ligero de Vicente Arlandis y Ghost’n goblins/dance edition junto a Rocío Pérez y Paula Pachón.

¿Qué trabajo presentas en el teatro Pradillo?, ¿cómo nos contarías este proyecto?

S.G: En Pradillo presento Tot per l´aire (Todo por los aires), una propuesta bastante híbrida donde se aúnan danza, música y sonido.

La propuesta empezó a gestarse en abril del año pasado con un ejercicio de deriva sonora desde la voz hacia un sonido abstracto utilizando un micro y un pedal delay. Este ejercicio se fue ampliando con más ejercicios  autónomos e independientes entre sí planteados desde la idea de ritmo y silencio y con el concepto de deriva como método de trabajo. El material se cristalizó en una estructura que resultó de la ordenación orgánica de una acción a otra donde cuerpo, sonido y luz se van dando paso unos a otros.

Cómo seguir pensando la práctica artística y desde qué lugar la actuación es una pregunta que atraviesa todo el discurso del siglo XXI. Hallamos experiencias de una afirmación más radical del yo, en creadores como Angélica Liddell y Rodrigo García, y experiencias más colectivas, dispositivos de carácter más intelectual desde los que se pretende reflexionar acerca de conceptos como democracia, horizontalidad y participación. ¿Cómo definirías tu práctica escénica?, ¿dónde te ubicarías dentro de la práctica contemporánea?, ¿te resulta posible enmarcar tu trabajo como creadora?

S.G: Mi práctica escénica la definiría básicamente como diferentes aproximaciones o ejercicios sobre un cuerpo que baila y, la mayoría de veces, solo.

Lo que en un principio surgió como un interés por lo autobiográfico (Tentativa, 2012) poco a poco se fue alejando de esa idea inicial y empezó a convertirse en diferentes intentos por huir y escapar de esa afirmación del yo en escena (The love thing piece, 2013, No soy yo, 2016, Heartbeat, 2017). En The love thing piece pretendía descentralizar el yo de una forma espacial (no permanecer en ningún momento en el centro de la escena). En No soy yo la estrategia fue la copia y apropiación de material coreográfico y en Heartbeat la intención era la pérdida de la voluntad por agotamiento con una sesión de tres horas de música electrónica como dispositivo que marca el beat al cuerpo que baila. En Tot per l´aire sigo dandole vueltas a esta idea de desplazar el yo del centro.

Creo que no puedo enmarcar mi trabajo como creadora, si lo veo en algún lugar es en la periferia.

Cuerpo, palabra, espacio sonoro, luz, video…¿Con qué signos trabajas normalmente?, ¿qué lugar ocupan en tu proceso de creación?, ¿hay alguno de estos que sugiera un lugar de partida al que van añadiéndose los demás?

S.G: Siempre he partido de mi cuerpo para probar cosas en escena. Lo pongo a prueba, lo muevo, intento que esté presente en un espacio, durante un tiempo y con una gente. Intento conectar y relacionar estos 4 elementos básicos: mi cuerpo, el espacio, el tiempo y el espectador. También aparecen otros elementos, por ejemplo, el sonido viene siendo últimamente una constante en el trabajo y en esta última propuesta se suma un elemento más: la luz.

En palabras de Umberto Eco:  “la forma solo se comunica ella misma, pero es en sí misma el artista hecho estilo. La persona forma en la obra su experiencia concreta, su vida interior, su espiritualidad inimitable, sus reacciones personales en el ambiente histórico en que vive, sus pensamientos, sus costumbres, sus sentimientos, ideales, creencias, aspiraciones”. ¿Qué nos cuenta de ti este proyecto?, ¿cómo se refleja esto en tu estilo o lenguaje personal?

S.G: Después de realizar una serie de trabajos donde el cuerpo está implicado desde su potencialidad y desde las preguntas ¿hasta dónde puede llegar un cuerpo?, ¿cuáles son sus límites? y su comprobación hasta llegar a la extenuación, las preguntas que surgen justo después son: ¿qué es lo que queda?, ¿hacia dónde seguir pensándose?, ¿cómo seguir construyéndose o reconstruyéndose?. Así, tras la extenuación de este cuerpo que se mueve desde la energía y la potencia y donde insistencia, permanencia e intensidad son sus parámetros de acción, emerge Tot per l´aire.

“Este es el ritmo de la noche,
la noche, oh, sí.
El ritmo de la noche.
Este es el ritmo de mi vida,
mi vida, oh, sí.
El ritmo de mi vida.”

Es el primer temazo que se escucha en la pieza.

El estilo o lenguaje personal está en el formato, en cómo me muevo o bailo, en la insistencia, en las caminadas en círculo por el espacio, en el manejo de la energía, en la mirada y el encuentro, en la suspensión o dilatación temporal, en el uso de temazos que marcan el beat y que son también texto de la escena, en la incapacidad de fijarlo todo y en la idea de un presente continuo y sostenido.

El espectador ha ocupado un lugar preeminente en ciertas prácticas contemporáneas, casi hasta el punto de convertirse en un participante necesario, o un cómplice. Otros creadores hablan del público en otro sentido muy distinto. En palabras de Romeo Castellucci, “el público es un cuerpo que debe sentirse emocionado y convencido por todo lo que se agita a su alrededor”. ¿Qué lugar ocupa el espectador en tu trabajo?, ¿lo consideras de inicio en tu proceso o entra en juego en el momento de la representación?

S.G: Está presente desde que estoy en el aula de ensayo (aunque de forma imaginaria).

Ahora me gustaría preguntarte por tus referentes. Para ser más directa:  ¿qué lees? ¿qué escuchas? ¿qué ves?

S.G: Ahora mismo me pillas leyendo Estética Modal de Jordi Claramonte, Hacia un ruido de Maria Salgado y El topo que quería saber quien había hecho aquello sobre su cabeza de Werner Holwarth/Wolf Erlbruch. Escucho música electrónica y voy a ver propuestas de música experimental y arte sonoro.

¿Y en el teatro?

S.G: Lo último que he visto es Extraños mares arden de Xalo Toloza y Laida Azcona, Anarchy con Semolina Tomic de Sociedad Doctor Alonso y Entre lo que está y todavía no está de Juan Dominguez.

¿es el teatro un referente?

S.G: Para mi son referentes propuestas de artistas en concreto.

Siempre andamos quejándonos del escaso apoyo y las condiciones de precariedad en las que se desarrolla nuestro trabajo: En su Carta a una joven artista, Valcárcel Medina escribe: “los que os quejáis de la crisis porque os limita la expresión, tal vez tenéis poco que contar”. ¿Qué opinas de esto?, ¿en qué condiciones ideales te gustaría que se desarrollara tu trabajo?

S.G: Pues… que yo ya no soy artista joven y que en estos momentos tengo apoyo para realizar mis proyectos.

Umberto Eco nos dice que las vanguardias han participado activamente en el proceso de “la muerte del arte” con un exceso consciente de reflexión racional frente a la capacidad de creación y placer artístico, contribuyendo a una ideologización cada vez más marcada del producto. Una crítica común al arte de vanguardia es la desproporción entre lo que las obras dicen en realidad y el ‘surplus’ de doctrina que las justifica. En esta línea, el pensamiento se ha convertido en un modus operandi de la práctica contemporánea.

Desde otro prisma, Tarkovski señala lo siguiente: “Para mí no hay duda de que el objetivo de cualquier arte que no quiera ser “consumido” como una mercancía consiste en explicar por sí mismo y a su entorno el sentido de la vida y la existencia humana”. Esto le otorga al arte cierta función más espiritual. “Frente a Dios y frente al arte nos hacemos las mismas preguntas”, señala Angélica Liddell. Entramos en un estado de “anfaegtelse” (palabra danesa que significa estar en peligro o angustia).

En una concepción más marxista, podríamos entender el arte como un espacio de resistencia a las condiciones exigidas por el capital, lo que genera diversas prácticas de una deriva más política planteadas como espacios de disidencia. 

Volviendo a Isidoro Valcárcel Medina: “Hay que dejar el arte tranquilo y empeñarse en decir lo que tu alma siente.[…] Ser artista consiste en actuar responsablemente en el ejercicio de una profesión que, sencillamente, se implica en abrir perspectivas de visión”.¿Cuál es la función del arte para ti y cuál crees que sería el espacio que ocupan hoy en día las artes vivas dentro del modelo cultural?

S.G: La de abrir otras posibles maneras de entender, de mirar, de sentir, en definitiva, otras posibles maneras de vivir.

Muchas gracias.

MÁS: 

-Óscar Cornago escribió sobre el proceso de este trabajo: Ideas desordenadas sobre la derrota ¿o la derrota del pensamiento?

Blog de Sandra Gómez

PROYECTO HUELLA, pincha AQUÍ

Inés de la Iglesia