LP de Paula Miralles

Jueves 15, viernes 16 y sábado 17 de noviembre las 21h en Teatro Pradillo.

Nos emocionamos con canciones que decimos detestar. Lloramos con temas que nos transportan a otras vivencias. Cantamos a solas, a todo volumen, y nos dejamos llevar sin importarnos el tono, la afinación o la melodía. LP es una propuesta escénica que trata de jugar con los límites de lo musical. A partir del objeto “canción” la pieza trabaja la descomposición y recomposición de esos pequeños universos sonoros para adentrarse en todas sus posibilidades dramatúrgicas y escénicas. Partiendo de conceptos en ocasiones más técnicos y otras veces más emocionales o biográficos la pieza viaja de una canción a la siguiente tejiendo un hilo musical íntimo a compartir.

Duración: 50 minutos.

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FICHA ARTÍSTICA:
Creación e interpretación: Paula Miralles
Asistencia: Vicente Arlandis
Música y espacio Sonoro: Mei y Alfredo SB
Iluminación: Diego Sánchez
Colaboran: CULTURARTS, Taller Placer y Espacio Inestable

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* Esta pieza forma parte de la Temporada 2018-2019 y ha sido seleccionada en convocatoria por Las Segundas Comisarias.

Información sobre reservas y entradas.

MB#6 de Miguel Bonneville.

Jueves 8, viernes 9 y sábado 10 noviembre a las 21h en Teatro Pradillo.

MB#6 es una experiencia de narración autobiográfica. Bonneville trabaja sobre su historia personal como momento de profundo encuentro existencial entre diversas identidades. Invita a algunas mujeres para hablar sobre sí mismas, sobre sus experiencias relacionadas con el hecho de ser mujeres, adultas, artistas, en el formato de video-retratos. Las historias de cada una de ellas, sin embargo, son devueltas por el intérprete, en un doblaje en vivo, que reúne las diferentes historias bajo la misma voz y las funde, haciéndolas parte de un único gran retrato que describe una nueva identidad.

Dirección y interpretación: Miguel Bonneville.

Duración: 85 minutos.

Co-creación (2008) – Sofia Arriscado, Joana Craveiro, Joana Linda, Rita Só, Cláudia Varejão, Sara Vaz, (2018) – Isadora Alves, Joana Craveiro, Isabela Figueiredo, Maria Gil, Carlota Lagido, Joana Linda, Mariana Sá Nogueira, Rita Só, Cláudia Varejão, Sara Vaz

Edición Vídeo – Sofia Arriscado (2008), Joana Linda (2018)

Subtitulación, Registros vídeo y fotográfico – Joana Linda

Producción – Cristina Correia, Vanda Cerejo | Teatro do Silêncio

Esta pieza forma parte de la Temporada 2018-2019 y ha sido seleccionada en convocatoria por Las Segundas Comisarias.

Información sobre reservas y entradas.

¿Sabes lo que quieres? de Mario Pons

Jueves 1, viernes 2 y sábado 3 de noviembre las 21h en Teatro Pradillo.

La pieza va de viaje entre la realidad y la ficción, haciéndonos mover constantemente entre los dos mundos hasta llegar a confundirlos. Va de dormirse, soñar y verlo todo perfectamente claro, más incluso que cuando estamos despiertos. De cambiar un recuerdo hasta hacerlo más llevadero y transformarlo en una historia que nos ayuda a seguir adelante.

Duración: 50 minutos.

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FICHA ARTÍSTICA:
Dramaturgía: Mario Pons
Asistente de dirección: Pablo Gervasoni
Intérpretes: Isaac Fortezza y Cristina Celada
Agradecimientos: David Mallols, Carmen Juana Tomás Pons, Centre Civic Guinardó, La Poderosa
Coproducción: Antic Teatre.

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* Esta pieza forma parte de la Temporada 2018-2019 y ha sido seleccionada en convocatoria por Las Segundas Comisarias.

Información sobre reservas y entradas.

HUELLA #2 – SANDRA GÓMEZ

Huellas: Rastros, señas, vestigios que deja alguien o algo… Cuéntanos  cómo te llamas, dónde trabajas y cuál es tu trayectoria personal.

SANDRA GÓMEZ: Me llamo Sandra Gómez y vivo y trabajo en Valencia. Mi trayectoria pasa, sobretodo, por hacer propuestas personales desde el ámbito de la investigación y la creación. Desde el año 2001 hasta el 2011 trabajo junto a Vicente Arlandis en el colectivo Losquequedan y a partir del 2012 de manera independiente en proyectos centrados en el cuerpo y el movimiento. Además colaboro en proyectos de otros artistas como Visita guiada desde la danza con Rocío Pérez y Santi de la Fuente, Estoy pensando en tortugas de Claudia Faci, Cuerpo gozoso se eleva ligero de Vicente Arlandis y Ghost’n goblins/dance edition junto a Rocío Pérez y Paula Pachón.

¿Qué trabajo presentas en el teatro Pradillo?, ¿cómo nos contarías este proyecto?

S.G: En Pradillo presento Tot per l´aire (Todo por los aires), una propuesta bastante híbrida donde se aúnan danza, música y sonido.

La propuesta empezó a gestarse en abril del año pasado con un ejercicio de deriva sonora desde la voz hacia un sonido abstracto utilizando un micro y un pedal delay. Este ejercicio se fue ampliando con más ejercicios  autónomos e independientes entre sí planteados desde la idea de ritmo y silencio y con el concepto de deriva como método de trabajo. El material se cristalizó en una estructura que resultó de la ordenación orgánica de una acción a otra donde cuerpo, sonido y luz se van dando paso unos a otros.

Cómo seguir pensando la práctica artística y desde qué lugar la actuación es una pregunta que atraviesa todo el discurso del siglo XXI. Hallamos experiencias de una afirmación más radical del yo, en creadores como Angélica Liddell y Rodrigo García, y experiencias más colectivas, dispositivos de carácter más intelectual desde los que se pretende reflexionar acerca de conceptos como democracia, horizontalidad y participación. ¿Cómo definirías tu práctica escénica?, ¿dónde te ubicarías dentro de la práctica contemporánea?, ¿te resulta posible enmarcar tu trabajo como creadora?

S.G: Mi práctica escénica la definiría básicamente como diferentes aproximaciones o ejercicios sobre un cuerpo que baila y, la mayoría de veces, solo.

Lo que en un principio surgió como un interés por lo autobiográfico (Tentativa, 2012) poco a poco se fue alejando de esa idea inicial y empezó a convertirse en diferentes intentos por huir y escapar de esa afirmación del yo en escena (The love thing piece, 2013, No soy yo, 2016, Heartbeat, 2017). En The love thing piece pretendía descentralizar el yo de una forma espacial (no permanecer en ningún momento en el centro de la escena). En No soy yo la estrategia fue la copia y apropiación de material coreográfico y en Heartbeat la intención era la pérdida de la voluntad por agotamiento con una sesión de tres horas de música electrónica como dispositivo que marca el beat al cuerpo que baila. En Tot per l´aire sigo dandole vueltas a esta idea de desplazar el yo del centro.

Creo que no puedo enmarcar mi trabajo como creadora, si lo veo en algún lugar es en la periferia.

Cuerpo, palabra, espacio sonoro, luz, video…¿Con qué signos trabajas normalmente?, ¿qué lugar ocupan en tu proceso de creación?, ¿hay alguno de estos que sugiera un lugar de partida al que van añadiéndose los demás?

S.G: Siempre he partido de mi cuerpo para probar cosas en escena. Lo pongo a prueba, lo muevo, intento que esté presente en un espacio, durante un tiempo y con una gente. Intento conectar y relacionar estos 4 elementos básicos: mi cuerpo, el espacio, el tiempo y el espectador. También aparecen otros elementos, por ejemplo, el sonido viene siendo últimamente una constante en el trabajo y en esta última propuesta se suma un elemento más: la luz.

En palabras de Umberto Eco:  “la forma solo se comunica ella misma, pero es en sí misma el artista hecho estilo. La persona forma en la obra su experiencia concreta, su vida interior, su espiritualidad inimitable, sus reacciones personales en el ambiente histórico en que vive, sus pensamientos, sus costumbres, sus sentimientos, ideales, creencias, aspiraciones”. ¿Qué nos cuenta de ti este proyecto?, ¿cómo se refleja esto en tu estilo o lenguaje personal?

S.G: Después de realizar una serie de trabajos donde el cuerpo está implicado desde su potencialidad y desde las preguntas ¿hasta dónde puede llegar un cuerpo?, ¿cuáles son sus límites? y su comprobación hasta llegar a la extenuación, las preguntas que surgen justo después son: ¿qué es lo que queda?, ¿hacia dónde seguir pensándose?, ¿cómo seguir construyéndose o reconstruyéndose?. Así, tras la extenuación de este cuerpo que se mueve desde la energía y la potencia y donde insistencia, permanencia e intensidad son sus parámetros de acción, emerge Tot per l´aire.

“Este es el ritmo de la noche,
la noche, oh, sí.
El ritmo de la noche.
Este es el ritmo de mi vida,
mi vida, oh, sí.
El ritmo de mi vida.”

Es el primer temazo que se escucha en la pieza.

El estilo o lenguaje personal está en el formato, en cómo me muevo o bailo, en la insistencia, en las caminadas en círculo por el espacio, en el manejo de la energía, en la mirada y el encuentro, en la suspensión o dilatación temporal, en el uso de temazos que marcan el beat y que son también texto de la escena, en la incapacidad de fijarlo todo y en la idea de un presente continuo y sostenido.

El espectador ha ocupado un lugar preeminente en ciertas prácticas contemporáneas, casi hasta el punto de convertirse en un participante necesario, o un cómplice. Otros creadores hablan del público en otro sentido muy distinto. En palabras de Romeo Castellucci, “el público es un cuerpo que debe sentirse emocionado y convencido por todo lo que se agita a su alrededor”. ¿Qué lugar ocupa el espectador en tu trabajo?, ¿lo consideras de inicio en tu proceso o entra en juego en el momento de la representación?

S.G: Está presente desde que estoy en el aula de ensayo (aunque de forma imaginaria).

Ahora me gustaría preguntarte por tus referentes. Para ser más directa:  ¿qué lees? ¿qué escuchas? ¿qué ves?

S.G: Ahora mismo me pillas leyendo Estética Modal de Jordi Claramonte, Hacia un ruido de Maria Salgado y El topo que quería saber quien había hecho aquello sobre su cabeza de Werner Holwarth/Wolf Erlbruch. Escucho música electrónica y voy a ver propuestas de música experimental y arte sonoro.

¿Y en el teatro?

S.G: Lo último que he visto es Extraños mares arden de Xalo Toloza y Laida Azcona, Anarchy con Semolina Tomic de Sociedad Doctor Alonso y Entre lo que está y todavía no está de Juan Dominguez.

¿es el teatro un referente?

S.G: Para mi son referentes propuestas de artistas en concreto.

Siempre andamos quejándonos del escaso apoyo y las condiciones de precariedad en las que se desarrolla nuestro trabajo: En su Carta a una joven artista, Valcárcel Medina escribe: “los que os quejáis de la crisis porque os limita la expresión, tal vez tenéis poco que contar”. ¿Qué opinas de esto?, ¿en qué condiciones ideales te gustaría que se desarrollara tu trabajo?

S.G: Pues… que yo ya no soy artista joven y que en estos momentos tengo apoyo para realizar mis proyectos.

Umberto Eco nos dice que las vanguardias han participado activamente en el proceso de “la muerte del arte” con un exceso consciente de reflexión racional frente a la capacidad de creación y placer artístico, contribuyendo a una ideologización cada vez más marcada del producto. Una crítica común al arte de vanguardia es la desproporción entre lo que las obras dicen en realidad y el ‘surplus’ de doctrina que las justifica. En esta línea, el pensamiento se ha convertido en un modus operandi de la práctica contemporánea.

Desde otro prisma, Tarkovski señala lo siguiente: “Para mí no hay duda de que el objetivo de cualquier arte que no quiera ser “consumido” como una mercancía consiste en explicar por sí mismo y a su entorno el sentido de la vida y la existencia humana”. Esto le otorga al arte cierta función más espiritual. “Frente a Dios y frente al arte nos hacemos las mismas preguntas”, señala Angélica Liddell. Entramos en un estado de “anfaegtelse” (palabra danesa que significa estar en peligro o angustia).

En una concepción más marxista, podríamos entender el arte como un espacio de resistencia a las condiciones exigidas por el capital, lo que genera diversas prácticas de una deriva más política planteadas como espacios de disidencia. 

Volviendo a Isidoro Valcárcel Medina: “Hay que dejar el arte tranquilo y empeñarse en decir lo que tu alma siente.[…] Ser artista consiste en actuar responsablemente en el ejercicio de una profesión que, sencillamente, se implica en abrir perspectivas de visión”.¿Cuál es la función del arte para ti y cuál crees que sería el espacio que ocupan hoy en día las artes vivas dentro del modelo cultural?

S.G: La de abrir otras posibles maneras de entender, de mirar, de sentir, en definitiva, otras posibles maneras de vivir.

Muchas gracias.

MÁS: 

-Óscar Cornago escribió sobre el proceso de este trabajo: Ideas desordenadas sobre la derrota ¿o la derrota del pensamiento?

Blog de Sandra Gómez

PROYECTO HUELLA, pincha AQUÍ

Inés de la Iglesia

Todo por los aires (Tot per l’aire), por Sandra Gómez

Jueves 25, viernes 26 y sábado 27 de octubre las 21h en Teatro Pradillo.

Apartar el cuerpo,
desplazarlo a un lado,
pasar el testigo de su protagonismo.
El sonido y la luz como objetos centrales de la escena,
ya no el cuerpo.
El espacio, su reverberancia y los elementos que están en él en primer plano,
y el cuerpo
a un segundo plano.
La temporalidad suspendida de los acontecimientos como ama de la escena
y el cuerpo ya no en el centro,
el cuerpo a un lado.

Duración: 50 minutos.

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FICHA ARTÍSTICA:
Creación: Sandra Gómez
Espacio sonoro: Javi Vela
Asistente de sonido: Paco Fuentes
Iluminación: Diego Sanchez
Acompañamiento: Vicente Arlandis
Intérpretes: Javi Vela y Sandra Gómez
Con el apoyo del IVAC y el Ayuntamiento de Valencia.
Gracias a Laura Laborda, Carme Teatre y Espai Pont Flotant

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* Esta pieza forma parte de la Temporada 2018-2019 y ha sido seleccionada en convocatoria por Las Segundas Comisarias.

Información sobre reservas y entradas.

Pradillo de José Velasco

Jueves 4, viernes 5 y sábado 6 de octubre a las 21h en Teatro Pradillo.


Pradillo trata sobre Pradillo. Pradillo pregunta a Pradillo. Pradillo somos en Pradillo. Pradillo vibra con Pradillo. Pradillo se mira en Pradillo. Pradillo recuerda con Pradillo. Pradillo baila con Pradillo. Pradillo deviene Pradillo.

Pradillo.

Creada e interpretada por: José Velasco.

Duración: 50′.

Acompañamiento, Técnica y amigas: Leticia Skrycky y Eliana Murgia.

Esta pieza forma parte de la Temporada 2018-2019 y ha sido seleccionada en convocatoria por Las Segundas Comisarias.

Información sobre reservas y entradas.

 

 

Calendario Temporada 2018-2019

Comenzamos la programación 2018-2019 del Teatro Pradillo. En el Espacio para compartir, la Temporada 2018-2019, comisariada por Sabela Mendoza, Anto Rodríguez y Silvia Zayas, 18 CREADORAS mostrarán sus piezas (2 de ellos después de una residencia creativa) entre octubre de 2018 y abril de 2019. Cómo Equipo Pradillo destinaremos la herramienta de este blog de Teatron para plasmar los pormenores que se generen en la estancia de estas ARTISTAS. Muchas gracias a todas y bienvenidas al Teatro Pradillo. Habitadlo.

Este es el calendario del catálogo diseñado para la temporada por Vendedores de humo.

Resultados Convocatoria 2018 2019

Las Segundas Comisarias hemos tejido la programación de la temporada 2018-2019 del Teatro Pradillo a partir de la selección de 19 proyectos de Artes Vivas, que surgen de entre los muchos presentados a la convocatoria pública lanzada desde Pradillo, a la que llegaron 241 propuestas para la categoría de presentaciones de fin de semana y 128 para las estancias creativas.

Tras el visionado y análisis de los trabajos, revisamos nuestra línea curatorial planteada en la convocatoria poniéndola en diálogo con las propuestas recibidas y decidimos acoger las que trabajan en las fronteras y grietas de las artes en vivo, muchas de ellas lejanas o desconocidas para nosotras y que de algún modo abren el espacio a otros contextos u otras comunidades de espectadores, y responden a los planteamientos de nuestra propuesta:

“Proponemos un espacio donde conectar ideas, cuerpos, voces, orejas, bichos, informes… para que experimentar y crear no tengan que ver con la urgencia y la prisa sino para probar a recuperar, reestrenar, estrenar tres veces, reponer o revisitar.”

“Ver lo que ya se ha hecho, lo que se nos ha olvidado, lo que hemos tenido que dejar atrás, la primera pieza, nuestra segunda que está todavía más olvidada, la colaboración que no hemos podido retomar.”

El marco del TEATRO PRADILLO y de esta temporada, orquestada mediante convocatoria, han dado pie a que se encuentren en el mismo programa profesionales de larga carrera, de media carrera, nuevas trayectorias… así como artistas de diferentes lugares y disciplinas quizá menos cercanas a Pradillo y Madrid. El balance de trayectorias no ha sido nuestro foco a la hora de seleccionar, más bien esta mezcla es el resultado espontáneo que surge a partir de la oportunidad que propone Pradillo. La idea de ‘oportunidad’ sí ha sido un foco importante, en el sentido de dar cabida a propuestas que, por un lado, se presentan coherentes con el espacio, su convocatoria y nuestra propia propuesta curatorial y que, por otro lado, cuentan con pocos espacios de exhibición pública o con menos de los que desearíamos.

A través de esta programación reflexionamos sobre el TEATRO PRADILLO como marco: un marco que hace posible practicar una mirada crítica sobre lo que ya conocemos, sobre lo que todavía no hemos visto y sobre nuestros compromisos (como creadoras, espectadoras, programadoras…). Este marco (la convocatoria y la institución) facilita en esta programación que podamos encontrarnos con artistas que no suelen estar tan vinculados a Pradillo y a Madrid. Artistas que no trabajan en el centro: ni de la Península, ni de disciplinas cerradas. También con artistas o trabajos que conocemos pero que hemos visto a través de otros prismas, en otros contextos o en otras escalas. Hay trabajos que preexisten a este marco y que dialogan con él para transformarse, pero también hay otros creados directamente para él.

La selección fue muy difícil, revisamos y nos cuestionamos hasta el último momento. Sabemos que siempre se dice lo mismo, pero así fue. Algunas propuestas las descartamos en un primer filtro, por entender que no respondían a los propios criterios de programación del Proyecto Pradillo como espacio de artes en vivo y experimentación, o bien porque no seguían las líneas concretas que se plantearon en esta convocatoria desde las Segundas Comisarias. A partir de este filtro, y de algunas limitaciones más prácticas como las de calendario, todavía se quedaron muchos proyectos en la pre-selección que nos hubiera gustado incluir en esta temporada. Confiamos en que más de uno encontrará pronto su hueco en Teatro Pradillo. Si podemos, no nos lo perderemos. Gracias a todas.

Programación de fin de semana:

Jose Velasco. Pradillo
Sandra Gómez. Todo por los aires
Mario Pons. ¿Sabes lo que quieres?
Miguel Bonneville. Miguel Bonneville #6 2008 una idea, dos performances, diez años de diferencia Miguel Bonneville #6 2018
Paula Miralles. LP
Kokoharuka. Este es de aire, el otro es de agua
Bárbara Sánchez. Somewhat paler
Juliana Piquero. Is it better with headphones?
La Rubia Co. La cabeza en azul
Irene Cantero & Luz Prado. DUM/Mentre/Mientras
Rabbit Hole. Crime e castigo
Jaime Vallaure. La mitad
Marc Villanueva & Li Lorian. Correspondance #1
Pablo Esbert & Federico Vladimir. Link in bio
Alberto Cortés y Ximena Carnevale. Todas somos artistas de Madrid
Alina Ruiz Folini, Leticia Skrycky y Luciana Chiegarati. Táctil
Tirso Orive, Glosstrop

Estancias creativas:

Florencia Martinelli. Yo no soy
Alejandría Cinque. Cruising

Alice Reload, por Ruth Madrigal, Marta Blanco y Adriana Reyes.

Alice Reload

 

Proyecto de investigación y creación de artes escénicas en comunidad

Pieza escénica de creación en comunidad

Vincularse como kilómetro 0. Unirse.

Hacer comunidad en el lugar al que se pertenece. ¿Cómo? Para ello hay que mostrarse como se es, compartirse.E involucrar a esa comunidad en el tipo de experiencias que acontecen dentro, en este caso  del Teatro Pradillo. Pero no desde la observación, sino desde la raíz, desde la propia creación, la práctica artística y la investigación. Que se funda el dentro y el afuera hasta que no haya lugar para la diferencia. Escoger las preguntas oportunas para trazar la línea y nombrar: “nosotras”.

 

¿Y por qué Alicia?

 

La sociedad contemporánea se caracteriza porque todo es cambiante, líquido e inaprehensible, de tal forma que las identidades que la habitan se constituyen como subjetividades tóxico-pornográficas, siendo nuestros cuerpos extensiones de una realidad virtual y de ficciones somáticas, cual plataformas tecno-científicas que intercambian flujos de fluidos, y de información, sobre la construcción de códigos semióticos por parte del dispositivo social al que pertenecen. Para tratar de entender lo que viven y pueden nuestras subjetividades, cuerpos y metabolismos, se hace urgente preguntarle a Alicia. Alicia [es], [lat], Alice [en], [fr], [it], [checo], [dan], [hol], [nor], [port], [sueco], Alica [eslovaco], Alico [esperanto], Alike [euskera], Aliisa [finlandés], Αλίκη (Al’kē) [griego], L’sa [islandés], Arisu [japonés], Alicja [polaco], Алиса (Alisa) [ruso], etc. Alicia: nombre propio femenino de origen griego en su variante en español. Proviene del griego antiguo Αλήθεια (aletheia), que significa “verdad”.

 

“- ¿Quién eres tú? – dijo la Oruga.

[…]- “Pues… pues creo que en este momento no lo sé, señora… Sí sé quién era cuando me levanté esta mañana; pero he debido cambiar varias veces desde entonces”.

– ¿Qué quieres decir? – dijo la Oruga con severidad – ¡Explícate!

– Me temo que no se lo puedo explicar con más claridad – replicó Alicia muy cortésmente -; porque para empezar, yo misma no consigo entenderlo.”

Lewis Carrol, Alicia en el País de las Maravillas, Capítulo V, El Consejo de una Oruga

 

Itinerario del proyecto

La propuesta artística se ha planteado en 2 bloques a lo largo de 5 meses de trabajo con mujeres del barrio de Prosperidad. Por un lado, un itinerario de actividades teórico prácticas de creación que tienen un cierre performativo atravesado por la idea de El viaje de Alicia como El viaje de la heroína, y la realización de un documental de las heroínas en su contexto. Una película que se inserta en la pieza, pero que también es una en sí misma. El rastro que el viaje ha generado a las participantes/heroínas. La película hace las veces del espejo de Alicia, donde verse, mirarse y atravesar.

El itinerario de actividades ha consistido en sesiones semanales de trabajo de 4h sobre la práctica artística alrededor de la autobiografía, la identidad líquida, y la construcción de heroínas como otras ficciones posibles en un contexto de comunidad. Se ha alimentado también con laboratorios de creación específicos alrededor del ecosistema que planteaban las propuestas de las propias participantes, visitas a exposiciones y asistencia a la programación 2018 del Teatro Pradillo.

A lo largo de todo el proceso hemos trabajado elementos autobiográficos de las participantes creando nuevas ficciones, actualizando las diferentes versiones y creando Alicias contemporáneas. Reload es una expresión inglesa que se usa en el contexto tecnológico para referirse a la actualización, por ello la investigación ha consistido en actualizar nuestras versiones de Alicias y también el concepto de identidad como identidad líquida.

 

 

Personas y artistas invitadas que han formado parte del proceso y lo han nutrido:

Elisa McCausland _ Encuentro teórico práctico sobre “Alicia y la aventura de la heroína”

Cristina Busto _ Laboratorio de creación plástico y audiovisual

Lincoln Dizz _  Laboratorio de creación en torno a la identidad “Queen”

Paloma Calle _ Laboratorio de creación en torno a la identidad “King”

Idea original del proyecto: Ruth Madrigal

Conceptualización, desarrollo y acompañamiento: Adriana Reyes, Marta Blanco y Ruth Madrigal.

Ficha técnica:

Creación: Marta Blanco, Teresa Fombedilla, Concha Hoyos, Ruth Madrigal, Gema Martínez, Macarena Millán, Violeta Moreda, Miren Muñoz, Ana Parga, Adriana Reyes, Laura Sanz, Soledad Tardón, Maribel Variopinto.

Creación de sonido: Luz Prado

Creación de luz: Cristina Libertad y María Otero

Vestuario: Noelia Ortega

Diseño gráfico: Juan Carlos Liaño

Este proyecto es posible gracias al apoyo que recibe de las Ayudas a la Creación del Ayuntamiento de Madrid y al del Teatro Pradillo.

 

V 29 y S30 a las 21H

Alice Reload se origina como propuesta de la ARTISTA Ruth Madrigal en el marco de las actividades del Teatro Pradillo para 2018, dentro de sus ESPACIOS PARA GENERAR como un de Diálogo con el entorno (trabajo con el barrio) que pretende acercar a las vecinas del barrio de Prosperidad a los procesos de investigación y creación que el Teatro Pradillo desarrolla con las CREADORAS e INVESTIGADORAS que trabajan en su comunidad, a fin de conectarlo como estructura con el contexto al que pertenece.

Entradas disponibles- https://goo.gl/c1SkaF

Entrada en taquilla 12€.

 

 

Convocatoria Temporada 2018 2019

TEATRO PRADILLO

Abrimos la convocatoria para la Temporada 2018 2019 (otoño, invierno y primavera) en el TEATRO PRADILLO para ARTISTAS que desarrollen su acción en el territorio de las Artes en Vivas (según los preceptos y principios detallados en el proyecto que puede consultarse en nuestra página web Proyecto Pradillo para seleccionar, según los parámetros estructurales abajo enumerados y los criterios artísticos de las comisarias descritos en el texto adjunto: Las Segundas Comisarias.

Apartado A. PROGRAMACIÓN DE FIN DE SEMANA: 18 ARTISTAS que compartirán material ya elaborado (de más de 45 min.) con sesiones abiertas al público un jueves, un viernes y un sábado a las 21:00 h., con una breve residencia técnica de 4 días (un total de 32 h.) a distribuir en la misma semana de las sesiones.

Para participar en la selección, las artistas presentaréis la siguiente documentación:Información mínima del proyecto/trabajo/obra: título, duración aproximada, información del proyecto en cualquier formato (pdf, vídeo, web, blog…).

  1. Nombre de la ARTISTA, COLECTIVO O COMPAÑÍA, bio y contacto para ampliar información.
  2. Cualquier información adicional que queráis compartirnos. Cuestiones técnicas: las indicadas en el apartado parámetros.
  3. Preferencia de fechas para la programación entre octubre de 2018 y abril de 2019.

Apartado B. ESTANCIAS CREATIVAS. 2 ARTISTAS que tendrán una estancia creativa de 2 semanas para terminar de elaborar y/o revisar y/o dinamitar un material y que compartirán en sesiones abiertas al público un jueves, un viernes y un sábado a las 21:00 H. en las mismas condiciones que las artistas del apartado A.

Para participar en la selección, las artistas interesadas en participar en este apartado nos harán llegar la siguiente documentación:

  1. Nombre de la artista, colectivo o compañía.
  2. Un ejercicio de imaginación: ¿Cómo relatarías tu bio artística si ésta no siguiera un recorrido lineal? (pdf, vídeo, web, blog…).
  3. ¿En qué estás trabajando o pensando? (pdf, vídeo, web, blog…).
  4. Contacto para ampliar información.
  5. Cualquier información adicional que quieras compartirnos.
  6. Cuestiones técnicas mínimas que puedas prever: las indicadas en el apartado parámetros.
  7. Preferencia de fechas entre octubre de 2018 y abril de 2019 (previsiblemente estas estancias sucederán al principio y al final de la temporada 2018 2019).

PARÁMETROS

Estéticamente, tal y como prevé nuestra estructura, conscientes de que la mediación entre actantes diversos ha de revisarse continuamente y de que cualquier estrategia para disponer acciones grupales es compleja e intrínsecamente perfectible, como Equipo Pradillo, proponemos retomar cada mes de abril los Encuentros Pensar Pradillo, para, junto a todas las involucradas en la actividad, proponer de entre las ARTISTAS que han participado de la Temporada de los Espacios para Compartir, a 3 de ellas que asuman la curaduría de la siguiente edición. Para esta ocasión Sabela Mendoza, Anto Rodríguez y Silvia Zayas han contextualizado la propuesta cuyos criterios de elección y características conceptuales podéis consultar en el documento adjunto para, en su caso, hacernos llegar vuestras propuestas.

Técnicamente es preciso que nos indiquéis 3 cosas:

  1. De qué manera dispondréis el espacio: si dejaréis el escenario diáfano en formato sala de exposición o en una disposición teatral con butacas móviles o ancladas y, siendo este el caso, si es a la italiana o en otra distribución (dado que lo más laborioso y lento es el cambio de disposición de los asientos para los hipotéticos espectadores y de la mesa de control. Nosotras aglutinamos la programación en función de esta peculiaridad ya que no montamos y desmontamos las gradas o la cabina de una semana a otra).
  2. Si para la breve residencia técnica contáis con un diseñador que conciba los ambientes lumínicos, si necesitáis que os proporcionemos ese acompañamiento o si, sencillamente, vuestra actividad no echa mano de iluminación con aparataje teatral luminotécnico específico y solamente requerís que nosotros os apoyemos puntualmente y llevando la cabina en las sesiones.
  3. Las fechas de las que disponéis para desarrollar la actividad.

Económicamente, dentro de la posibilidad de nuestra estructura ofrecemos las siguientes condiciones:

Para el apartado A un apoyo de 1.000,00 € (Base Imponible) en el caso de que contéis con acompañamiento de una técnica (que haga diseño, este en el montaje y “tire” las funciones) de 850,00 € (Base Imponible) si nos corresponderá a nosotras aportarla (diseño de luces, montaje y funciones) y de 950,00 € (Base Imponible) si no contáis con el acompañamiento de una técnica, pero esta no es necesaria porque la iniciativa no lo requiere. (sin diseño de luces, utilizando el montaje base y “tirando” nosotras la función) Además, recibiréis en 100% de lo que se hubiese recaudado por la venta de localidades.

Para el apartado B un apoyo de 2.000,00 € (Base Imponible) en el caso de que contéis con acompañamiento de un técnico (que haga diseño, este en el montaje y “tire” las funciones), de 1.700,00 € (Base Imponible) si nos corresponderá a nosotros aportarlo (diseño de luces, montaje y funciones) y de 1.900,00 € (Base Imponible) si no contáis con el acompañamiento de un técnico, pero este no es necesario porque la iniciativa no lo requiere(sin diseño de luces, utilizando el montaje base y “tirando” nosotros la función). Además, recibiréis en 100% de lo que se hubiese recaudado por la venta de localidades.

Las entradas estarán a la venta en la taquilla a 12,00 €, un cupo de un 20% del aforo se podrán comprar de manera anticipada on line a 10,00 €, que es el descuento que se aplicará para estudiantes, jubilados, profesionales de las artes y grupos de más de 10 personas. Las CREADORAS vinculadas al TEATRO PRADILLO pagarán 6,00 €. Únicamente estarán invitados aquellos que estén acreditados en el protocolo de nuestra BBDD, previa confirmación de reserva. El aforo, dependiendo de la ubicación de los asistentes, es de hasta 100 asistentes.

En cuanto al origen del dinero, en aras de fomentar la transparencia, debemos contaros que el TEATRO PRADILLO trabaja subvencionado con fondos de los 3 estratos de la administración, pero es una entidad particular con una infraestructura cara.

Aproximadamente 1/3 del dinero de nuestros gastos se destina a pagar el mantenimiento del local que podemos ofreceros, otro tanto lo utilizamos en salarios del personal y apenas una 3ª parte queda para financiar la actividad que desarrollamos. Por ello nuestra estructura no está concebida como una entidad financiadora de la actividad de los ARTISTAS, sino como facilitadora para el desarrollo de la actividad que, a nuestro ver, debe tener sus propios cauces de apoyo desde las instituciones.  Esto es, el verdadero pago que podemos ofreceros es en especie, poniendo a vuestra disposición un espacio con dotación técnica, la posibilidad legal de que espectadores experimenten con vuestras propuestas y un acompañamiento, más o menos específico, para que potenciéis vuestro quehacer.

Además de las condiciones económicas descritas, desde Teatro Pradillo se realizará un catálogo impreso de la Temporada 2018/19, así como un trabajo de “huella” sobre lo que suceda a lo largo de la misma. A las artistas seleccionadas para las Estancias Creativas se les ofrecerá la posibilidad de que otra ARTISTA, colectivo o profesional realice una crónica sobre su trabajo.

Fecha límite de presentación de propuestas: 30 de junio de 2018.                                                               

Publicación de resultados de la selección: 15 de julio de 2018.                                                            

Esperamos vuestras propuestas en el correo electrónico:

programacion@teatropradillo.com

Un saludo y gracias por vuestro interés.

Equipo Pradillo