Lloré cuando escuché el álbum. Lloré por la flauta. ¡La odio tanto! Es un gran error. Los arreglos musicales en general no fueron nada buenos. Aun así, podía soportar el sonido de los violines. Pero me encantaría poder quitar la flauta. Debería haber un botón en los tocadiscos, un botón “Quitar flauta”. También podría haber un botón

“Añadir batería”, ¿por qué no?  Sería divertido orquestar algunas cosas y desorquestar otras. Bueno, desearía poder desorquestar el álbum. Quitar la flauta al menos. Todo lo que quería para esa grabación me lo negaron. Pedí la batería, me dijeron que no. Pedí más guitarras, dijeron que no. ¡Pedí simplicidad y lo llenaron de flautas! Añadieron violines y no me gustaron, aunque podría vivir con ellos. ¡Pero la flauta! ¡Oh, la flauta!, ¡oh Dios mío! Ellos la grabaron encima por alguna razón inexplicable. Estaba tan deprimida cuando escuché la mezcla final con esa flauta sobrevolando por encima de todo… Era mucho mejor sin ella, quiero decir, le daría un sonido más unificado, estoy segura. Sería bueno escucharlo sin flauta, si pudieran volver a imprimir el disco sin esa flauta.
Nico (transcripción de una entrevista hablando de su primer disco Chelsea Girl).

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Se mantendrán hasta 10 minutos antes del comienzo de la representación.
Teléfono: 91 416 90 11
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En taquilla, sujeta a aforo, desde media hora antes del comienzo de la función.
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Precio en taquilla: 12,00€
Descuento (Carnet joven, Carnet de estudiante, desempleados, jubilado): 10,00€
ABONO DE LA TEMPORADA COMPLETA 100,00 €

Este proyecto está compuesto por una serie de ejercicios autónomos e independientes entre sí que se plantean desde las preguntas:
¿Como suena un cuerpo?
¿Cuál es la relación entre cuerpo, escucha y espacio?
¿Qué ocurriría si la escucha desplazase a la visión como sentido hegemónico?
¿Qué espacios genera el material sonoro?
¿Qué espacios, qué sonidos, qué formas de escucha somos capaces de poner en juego y cuáles somos capaces de imaginar?

Thank you very much es una performance duracional que estrené en el año 2010 en el Festival BAD. Es uno de mis trabajos preferidos y en aquel momento apenas la repetí una vez más al año siguiente en Valencia, en la Sala Carme. Ahora he decidido rescatarla para la programación de la Sala Pradillo 2018. Este rescate pretende repensar la obra ocho años después. El punto de partida de Thank you very much es el espacio y el tiempo de un acontecimiento: el Récord Guinness de los aplausos más largos en un teatro. Dicho suceso se convirtió en un mito y quedó reflejado en numerosos documentos, muchos de ellos contradictorios. La mayoría lo describen de una manera vaga y con muchas contradicciones en relación a las fechas, la duración e incluso los protagonistas. Me refiero a la ópera OTELO de Verdi y más concretamente la representación que tuvo lugar el 30 de junio de 1991 en la Ópera de Viena. Entonces, al terminar la obra, los espectadores aplaudieron durante 80 minutos. En Thank you very much los elementos de trabajo son el uso del tiempo, las reacciones de los espectadores, el relato de un hecho histórico concreto a partir de diferentes documentos contradictorios entre sí, la propia narrativa del drama OTELO, la historia de los personajes superpuesta a la historia de Plácido Domingo -que interpretaba el personaje de Otelo- y por último mi propia biografía.

J22 de Febrero 21:00 H.
Las cosas que no caen por su propio peso. Esther Belvis

V23 de Febrero 21:00 H.
La inevitable muerte de Carlota. Lara Matos

S24 de Febrero 21:00 H.
Échale la culpa I, II y III. Maia Villot

J22 de Febrero 21:00 H.
Las cosas que no caen por su propio peso. 
Esther Belvis
La vida nos enseña que no todas las cosas caen por su propio peso.
Hay dolor que nunca pasa, injusticia que no se enmienda o pérdida que nunca se repara. Creo que el teatro es el hogar para hablar de las cosas que no caen por su propio peso, y así dotarlas de ley de la gravedad. Hoy os propongo hacer dos cosas: revisar las cuentas pendientes y hacer que muchas cosas caigan.
Las cosas que no caen por su propio peso es una pieza en formato reflexión colectiva que pretende recordarnos que el teatro es ante todo un hogar, un espacio lleno de presentes irreversibles donde hay unos cuerpos que caen para que otros puedan levantarse y caminar más ligeros, que no necesariamente felices.
Este proyecto se enmarca dentro de una línea de trabajos bajo la temática del hogar,  que abarcan tanto la escritura, la creación y también la educación desarrollados entre 2014-2017 (incluyen la comunidad vecinal y el hogar, la escuela como hogar,  el hogar en estado de asilo político, entre otros). Las cosas que no caen por su propio peso pretende ser un proyecto escénico en formato de ‘reflexión-performance’ que interroga el teatro como un espacio no solo de contestación sino de encuentro y cobijo para las narrativas de lo debería haber sido y no fue.

V23 de Febrero 21:00 H.
La inevitable muerte de Carlota. 
Lara Matos
Esta performance aborda el tema de los límites del trabajo de creación teatral utilizando diferentes materiales como referencias. Considerando más de diez años de trabajo en equipo, buscamos cuestionar los papeles de la actuación y de la dirección como lugares de creación, jugamos con las relaciones de poder que se manifiestan en el dirigir/actuar… actuar/dirigir.

Ficha artística:
Una experiencia escénica de Lara Matos y André Carreira.

S24 de Febrero 21:00 H.
Échale la culpa I, II y III. 
Maia Villot
El 10 de octubre de 1871, tras un gran incendio, la ciudad de Chicago quedó reducida a cenizas.
En 1886 la ciudad de Manhattan sufrió una de las peores tormentas de nieve de su historia.
En 1906 un terremoto sacudió la ciudad de San Francisco.
El 6 de agosto de 1945 un bombardero Boeing B-29 llamado Enola Gay lanzó sobre Hiroshima una bomba de uranio llamada Little Boy.
El 19 de diciembre de 2000 el volcán Popocatepetl entró en erupción.

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Échale la culpa es una serie de performances, que tiene como eje central la idea de catástrofe asociada al estereotipo de Femme Fatal.

Se construyen en torno a canciones que relacionan estas ideas
de Catástrofe y Femme Fatal:
Capítulo I Put the blame on Mame de la película Gilda.
Capitulo II Eloise de Tino Casal.
Capitulo III Ella es un volcán de La Unión.

Ficha artística
Idea e interpretación: Maia Villot de Diego
*El Capítulo III de la serie se ha desarrollado gracias a la ayuda del programa Artistas en Residencia de Bilbao Eszena y ha contado con la colaboración de Jaime Conde-Salazar Pérez como dramaturgista.
Agradecimientos: Isabel de Naverán, Igor de Quadra, Idoia Zabaleta, Claudia Dias, Cecilia Laranjeira, Yolanda de Diego, Xan Villot, Hodei Villot, June Crespo, Lorea Alfaro, Itsaso Iribarren, Jaime Conde- Salazar, La Estrategia Doméstica, Nivel F, Muelle Tres, Zarata Fest, Festival Inmediaciones…

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Revisado

Fundado en 1.999, Circo Interior Bruto fue un colectivo de artistas y un espacio autogestionado dedicado a la investigación creativa multidireccional, independiente y autónoma dentro del ámbito de la performance, el teatro experimental, la polipoesía, el happening y el arte de acción. El proyecto surgió como una respuesta directa a la falta de interioridad, brutalidad y espíritu circense en el arte del momento, y por el deseo de exploración de vías de creación que trascendieran lo individual. Se desarrollaron múltiples actividades tanto en su propio espacio como fuera de él. Su sede fue anteriormente la Zona de Acción Temporal, en la calle Jesús y María 21 en el madrileño barrio de Lavapiés, parte de cuyo equipo integró también el CIB. Sus fundadores fueron Jesús Acevedo, Belén Cueto, Marta de Gonzalo, Rafael Lamata, Luis Naranjo, Eduardo Navarro, Kamen Nedev, Publio Pérez Prieto, Teresa del Pozo, Rafael Suárez, Jaime Vallaure y François Wimberg.
El proyecto original preveía el desarrollo de una propuesta colectiva titulada La Creación del Mundo en 11 Funciones, que se presentaría mensualmente a lo largo de un año, pero lo satisfactorio de la experiencia hizo que sus actividades se extendieran cinco años más. Estas funciones, aunque abiertas al público, eran también un ejercicio de experimentación para sus integrantes. CIB cerró sus puertas en el año 2.005, aunque quienes integraban el colectivo continuaron desarrollando sus proyectos como artistas, bien de forma individual, bien manteniendo las colaboraciones que ya existían entre sus integrantes con anterioridad a CIB, o, en otros casos, desarrollando entre algunos de sus miembros nuevas plataformas para la creación.

Ahora, doce años después de la presentación de su último trabajo, el colectivo se reúne de nuevo para el desarrollo del proyecto Prometeo encadenado. La intención es activar nuevas herramientas de creación, provocar nuevos entrelazamientos mentales, superposiciones de ideas y apareamientos de propósitos. Aún en fase de gestación, poco se puede decir sobre el resultado que el público podrá presenciar en las tres sesiones previstas, pero cabe adelantar algunas de las preguntas que están sobre la mesa. Por ejemplo: ¿somos los seres humanos lo que representamos ser? ¿representamos lo que queremos creer que somos? ¿está en “la intención oculta” el meollo, el quiz de la cuestión de cualquier representación? ¿es burgués ir al teatro? ¿en qué se parecen Eurípides y Bertolt Brecht? ¿nos falta o nos sobra memoria? ¿qué papel juegan en el presente quienes han abandonado este mundo? ¿qué hacer con el alma? ¿si tú cantas, qué me pasa a mí? ¿tienes fuego?

Funciones jueves 15, viernes 16 y sábado 17 de febrero a las 21h.                            Compra anticipada de entradas aquí o reserva por teléfono: 91 416 90 11 o mail: reservas@teatropradillo.com 

(Foto: Alessia Bombaci)

Viernes 2 de febrero

21:00 Este verano hice parapente y me reconcilié con el vacío
de Adeline Thery y Nicolás Chevallier.

Sábado 3 de febrero

18:00 Encuentro-merienda en torno a la pregunta:
¿Qué es un espacio/proyecto independiente hoy día?
Con la participación de Antic Teatre (Barcelona), Arqueologías del Futuro (Buenos Aires), Brunnenpassage (Viena), Contenedor cultural (Málaga), Cupletistas y vanguardias (Madrid), El Gato con Moscas (Madrid), Espacio LQR (Madrid), Espacio Tangente (Burgos), Hablar en Arte (Madrid), La Cosa en Casa (Bilbao), Masa. AAVV Latinoamérica (Chile), Plataforma Innercia. La Caverna (Málaga), Poesías Irreconciliables (Málaga), Teatro del Barrio (Madrid), Teatro Pradillo (Madrid), Vértebro-Beautiful Movers (Córdoba) y otros agentes…

21:00 Este verano hice parapente y me reconcilié con el vacío.
de Adeline Thery y Nicolás Chevallier.

Una nueva edición de nuestras Conexiones Espaciales #Barcelona, nacidas del deseo de posibilitar la interconexión con espacios, proyectos, iniciativas con los que poder generar sintonizaciones reverberantes. En esta ocasión será Antic Teatre quien ocupe por unos días el teatro.

Antic Teatre (Barcelona) y Teatro Pradillo comparten un posicionamiento artístico y una línea de programación que les ha llevado a colaborar en diversas ocasiones. Esta será una nueva oportunidad de profundizar en esta relación, abrirla y compartirla, generando intercambios y complicidades. Se presentará el trabajo de dos creadores, de origen francés pero afincados en Barcelona y Nueva York, que representan el tipo de propuesta artística basada en el riesgo y la innovación escénica por la que apuesta Antic Teatre y Teatro Pradillo. Adeline Thery y Nicolas Chevallier son los artistas que presentarán su recién estrenado trabajo: Este verano hice parapente y me reconcilié con el vacío.

Además el sábado, aprovechando la visita a nuestro espacio de Semolina Tomic, directora del Antic Teatre de Barcelona, proponemos un encuentro abierto en torno a la pregunta: ¿Qué es un espacio/proyecto independiente hoy día? Antic Teatre lleva mas de 15 años de intensidad artística, aprendizaje y lucha, defendiendo su existencia, en el centro de Barcelona, como un espacio cultural y social independiente y sostenible. Una buen ocasión para preguntarnos en torno a las cuestiones que derivan de la existencia-resistencia de los espacios/proyectos independientes, teniendo en cuenta las diferentes maneras de ponerlos en marcha, las dificultades y potencialidades, las relaciones con los artistas y los contextos que estos espacios generan.

La Traviata  por Anto Rodríguez

Violetta celebra una fiesta en la que conoce a Alfredo, un joven de buena familia que le declara su amor. Con mucho miedo por sentirse incapaz de amar y ser amada decide finalmente empezar la relación con Alfredo lejos de su vida pasada como cortesana. El padre de Alfredo exige a Violetta que deje a su hijo para salvar la honra de la familia. Ella, destrozada por el dolor, abandona a Alfredo y le hace creer que está enamorada del Barón. En una fiesta, Alfredo humilla a Violetta delante de sus amigos, pero el padre de este interrumpe la escena para despreciarlo por su conducta y contarle la verdad. Alfredo arrepentido se encuentra con Violetta enferma de tisis. Justo antes de morir en sus brazos, le pide a su amado que se case con una buena mujer.

Idea, creación e interpretación: Anto Rodríguez
Ayuda en la creación: Jose Velasco
Ayuda en lo musical: Óscar Bueno
Ayuda en los papeles: Marta Muñoz
Iluminación: Víctor Colmenero

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Las sesiones PEC son agrupaciones encadenadas de experiencias performativas donde cada artista tiene muy en cuenta qué sucede antes y qué viene después de su trabajo individual. Por ello es tan importante tanto la visión segmentad

a de las

piezas como la imbricación colectiva de las mismas. El todo y las partes y las partes y el todo. El concepto de expansión usado en el acrónimo hace referencia a la necesidad de sacar al territorio de la performance de su academia —mejor antiacademia— y ponerla a prueba en terrenos en muchas ocasiones considerados hostiles como la caja negra del espacio escénico. Así la acción creativa simple y directa

tiene que medirse con la dimensión espectacular que impone el teatro provoca

ndo una tensión que en última instancia pretende ampliar el territorio siempre fronterizo de esta práctica tan contemporánea.
Los trabajos tienen como núcleo la asignatura de Performance de la Escuela de Profesiones Artísticas SUR. Son sus antiguos alumnos quienes forman las agrupaciones y plantean las acciones individuales.
Potenciando la creación nexos y relaciones entre distintos ámbitos académicos el PEC conecta con otros espacios de creación escénica, como en este caso el Master en Práctica Escénica y Cultura Visual de la Universidad de Castilla La Mancha, invitando a una artista, Ana Salomé Branco, a realizar un trabajo que englobe colectivamente a todos los implicados.

<María Baón, Jorge Borras, Víctor G. Carreño, Casalontana, Víctor Colmenero Mir, Manuel Fernández, Alexandra Khun, Sonia Lago, Julia Manrique, Begoña Moreno-Luque y Mariana Ortega>

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ABONO DE LA TEMPORADA COMPLETA 100,00 €

Expografía; un proyecto de Amalia Fernández, en colaboración con Anto Rodríguez. Es una experimentación a cerca de lo que ocurre cuando las artes escénicas, activadas por seres humanos, salen de los contextos teatrales a los contextos expositivos museísticos. ¿Como afecta a la obra viva la temporalidad del museo? ¿Hasta qué punto se convierte en una mezcla de coreografía y reality show? ¿Como afecta al performer ese marco diseñado para objetos inanimados? ¿Como se comporta el público cuando se da ese choque de formatos? ¿Que se espera de él? ¿Cuál es la convención a la que debe responder? Este proyecto ha sido incubado a partir de mi participación como performer durante un mes, en la obra acogida por el CA2M (Madrid) «Una exposición coreografiada» comisariada por Mathieu Copeland, y coreografiada por nueve artistas vinculados a las artes escénicas. El proceso de investigación pretende abrir varias líneas de experimentación y reflexión paralelas y divergentes, en torno a cuestiones como el formato espacial y temporal, el concepto de coreografía y dramaturgia aplicado al contexto museo, los códigos del público, la posición del performer en situación de objeto, y toda la complejidad técnica y emocional relacionada con esa presión temporal y esa disfunción en su relación con el espectador, o la ausencia del mismo… Sobre todo, pretende proponer un dispositivo nuevo en el que el artista y el público sean convocados a atravesar juntos, de forma radical y comprometida, este acontecimiento híbrido, más allá de las convenciones que impone cada formato. La duración del evento es de 8 H. interrumpidas, es imprescindible que el público asistente se comprometa a permanecer en el evento desde el principio hasta el final, se puede introducir comida y bebida al espacio escénico.

Ficha técnica: Concepto, dirección e interpretación: Amalia Fernández

Colaboración e interpretación: Anto Rodríguez

ENTRADAS EN TAQUILLA 12,00 €ABONO TEMPORADA 100,00 € INFORMACIÓN Y RESERVAS pradillo@teatropradillo.com Pradillo, 12 | Madrid 28002 | T 91 416 90 11

V1 y S2 de Diciembre 21:00 H.  

Estás caminando. Y no siempre te das cuenta,
pero siempre te estas cayendo.
Con cada paso te caes ligeramente hacia adelante.
Y después te sujetas a ti misma desde la caída.
Una y otra vez, estás cayendo.
Y en seguida agarrándote desde la caída
Y así es como se puede caminar y caer
al mismo tiempo.

Laurie Anderson, Big Science, Warner Bross Records, 1982