— MuroTRON

Del 28 de febrero al 18 de mayo en Conde Duque 

Fuentesal Arenillas e Itziar Okariz presentan Carrusel, un encuentro entre sus prácticas artísticas escultóricas y performativas realizado expresamente para la Sala de Bóvedas. Entendiendo la conversación como artefacto, a través de un proceso de correspondencia entre las artistas, los materiales-palabras se traducen en nuevas figuras que se repiten, cambian las formas de la tela y se prolongan a través de diversos elementos tales como un bastón. Desde un lugar de coincidencia en los modos de ocupación y percepción del espacio, las artistas establecen e invitan a un encuentro en marcha, donde se cruzan, por ejemplo, cuellos con cinturas y puños con pies.

Carrusel, entendido como un continuo circular de imágenes, es además un estiramiento entre lo real y lo posible de la comunicación. También supone una resistencia a la distancia, a los vacíos del lenguaje y a lo que se escapa de la escucha. Una carta-pantalón, una carta-chamarra o una carta-falda generan relaciones que propician un encadenamiento de actos, donde la improvisación produce hallazgos insólitos como nuevas maneras de manifestarse, sin abandonar la referencia a formas previas.

La exposición cuenta con una voz más, la de Francisco Ramallo, comisario invitado a acompañar y proponer un diálogo abierto en el texto principal de la publicación editada junto a este proyecto.

Carrusel continúa con la propuesta de la temporada de Arte de Condeduque, destinada a experimentar mundos no sólo a través de la mirada, sino a través del uso de toda suerte de recursos e invenciones que podemos activar a través de los cuerpos.

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Cris Balboa | Del 25 de marzo el 20 de abril en el CDN (Teatro María Guerrero)

Imaginaos que estoy en escena sola con mi sinte y estoy acojonada. En realidad, hago de una tía muy nerviosa que se va a enfrentar a algo muy heavy. No hay nada heavy en mi selección musical, pero intento ser un poco punkarra porque eso siempre es aplaudido en las performances. Pienso en lo punki y solo veo al tío con cresta que se me quedaba mirando siempre en el Maycar. Estoy en escena sola, sin cresta y queriendo que la gente diga: «Esta tía es muy punki». Los punkis que he conocido no reciclaban, tiraban los pitillos al suelo y llevaban pantalones apretados con cadenas. A mí me gustan los pantalones flojos tipo slouchy y reciclo hasta mi regla, así que renuncio definitivamente a ser punki.

Imaginaos que empiezo excusándome, como cuando vas a hablar en inglés y dices sorry for my english, porque esto que me propongo es muy difícil. Entonces, imaginaos que yo lo sé y que vosotras lo sabéis, pero todas somos muy educadas y asumimos que puede darse el acontecimiento, y deseamos que suceda algo y que no nos entre el sueño.

Objetivo principal: que mi audiencia no se duerma. Entonces puedo optar por hacer algo entretenido, para que mi público no se duerma, o puedo generar un ritmo frenético hasta incluso crearles cierta ansiedad. Esto último no es un deseo muy noble para una artista que se considera hedonista y que solo quiere hacer que la gente se lo pase bien. El objetivo podría ser que el público saliera de verme con ganas de bailar y eso ya me gusta más. Que digan: «Salí de ver la movida esa de Roland mon amour con ganas de partir la pana y super concienciada».

Crónica de Cecilia Guelfi sobre la obra.

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Rosa Muñoz y Mònica Muntaner – 28 de marzo en L’Estruch 

Coplas i Haikus de mares i amors es como un vodevil de origen francés del siglo XIX que se hubiera creado en la actualidad. Rosa Muñoz y Mònica Muntaner buscan en esta pieza la intersección entre la copla y el haiku desde la reinterpretación de ambos géneros a través del lenguaje corporal y del texto. Un concierto en movimiento, acústico, prácticamente a cappella, pensado y dedicado a sus madres a partir de la búsqueda de un lenguaje singular y propio.

Mònica Muntaner y Rosa Muñoz son dos bailarinas nacidas a finales de los años sesenta que rompieron con la forma convencional en la que los profesionales de su generación entendían la creación. Desde muy pronto sintieron la necesidad de encontrar su propio lenguaje y empezaron a generar proyectos en los que la cocreación se convertía en una nueva manera de actuar dentro de la escena más contemporánea. A partir de aquí, además, han impulsado proyectos de investigación, formación, marcos específicos para la exhibición, apoyo a la nueva creación y a las nuevas generaciones, siempre en torno a los nuevos lenguajes escénicos.

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Javiera de la Fuente – 26 de marzo en el CA2M dentro del ciclo de artes en vivo Ostro 

“A modo de un nuevo continente de experiencias de movimiento, CANTO A LO POETA refiere a una tradicional y popular forma chilena de improvisar, cantar, dialogar y versar, herencia mestizada de la colonización española. Sobre esta base, Javiera está produciendo encuentros con artistas y pensadores que dialogan, desde un lenguaje contemporáneo, con las tradiciones poéticas, sonoras y performáticas entre el sur de América y el sur de España.

Por el fin del mundo es uno de los asuntos o fundamentos sobre los que reflexionan y declaman los poetas. Volver a pensar, decir y mover el fin de lo que conocemos, vociferar la caída de las fracasadas estructuras de poder y sobre todo, proponer unas otras formas de hacer e imaginar. Durante la intervención en el Museo CA2M, la interacción de Javiera será con la exposición Jorge Satorre, Ría.

En este contexto, Javiera continúa investigando materiales con los que ha trabajado los últimos años: el flamenco como recurso y lenguaje, la palabra bailada, la voz como extensión del cuerpo y la memoria, el territorio (también el cuerpo) como espacio acotado y a la vez, des-delimitable. Un constante ensayo sobre cómo reconocer las fronteras, y cómo traspasarlas. Esta cuestión transfronteriza tiene una perspectiva sur. Un cuerpo venido del sur del sur que, dado el orden mundial, dice y baila situado en márgenes impuestos e imaginados, márgenes líquidos, migrables, campos sensibles que selecciona y archiva, al tiempo que olvida y descarta por supervivencia. A fin de cuentas, esto es una trova, un manoseo de información, de imágenes, de temporalidades y referencias: ¿Qué pueden contar/cantar los cuerpos sobre lo que acontece… y sobre lo que se desvanece? Ante la intuición (o certeza) de lo insostenible, de la inminente muerte… ¿Cuál y cómo sería la última danza? Y para salvarnos, ¿bailaríamos juntas?”.

Javiera de la Fuente Llovet (Santiago de Chile, Sevilla) Bailaora formada en la tradicional y contemporánea escuela sevillana del baile. Tras debutar en el Festival de Jerez 2013, ha bailado en emblemáticos escenarios, peñas y tablaos de todo el mundo. Desde que colabora en el proyecto Máquinas de Vivir de Pedro G. Romero (2014), trabaja lenguajes cercanos a la performance, en contextos y espacios no convencionales. Esto le ha supuesto unir pensamiento crítico y baile en formatos híbridos.

Sus últimas colaboraciones son el vídeo Las Trabajadoras en Museo Reina Sofía (Madrid 2021-22) y la performance Subir y bajar escaleras (MACBA 2022, IVAM 2023). También ha performado su conferencia bailada El Drama de una Realidad Sur en El Dorado o el Museo de la Virreina de Barcelona (2019). Junto al artista visual Isaías Griñolo, estrena en 2020 el artefacto flamenco Luciérnagas en Tabakalera, Donosti (2021). En 2022 dirige y baila la pieza Budapest 1934 en la Bienal de Flamenco de Sevilla. En 2023 estrena su espectáculo Envioletá en el Festival Flamenco de Nimes 2023, que ha estado presente en el Museo Reina Sofía (2022), el Centro Federico García Lorca (2022), el Museo Carmen Thyssen de Málaga (2023 y 2024), el Festival Wadi de Córdoba (dic. 2023) o el Centro Cultural Ex Hotel Royal en Valparaíso (Chile, 2024), entre otros. En 2024 interviene con su performance Exordio en la exposición “Aprendices Errantes” de Cristina Mejías en Patio Herreriano (Valladolid). Su nuevo proyecto en proceso es CANTO A LO POETA en referencia a un tipo de poesía popular chilena. Una primera instancia ha sido la presentación de work in progress en relación a la exposición Ecologías de la paz de Fundación TBA21, en C3A (Córdoba, 2024).

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Laia Estruch – Del 26 de febrero al 1 de septiembre en el Museo Reina Sofía 

Hello Everyone se configura como una gran instalación que reúne todos los trabajos producidos por Laia Estruch (Barcelona, 1981) desde 2011 hasta la fecha. El conjunto incorpora variaciones formales y conforma una suerte de archivo fragmentario y reverberante que incluye esculturas, sonidos, imágenes en movimiento, obra gráfica y partituras visuales. La muestra es, en parte, una exposición retrospectiva y, a su vez, un almacén transitable.

Laia Estruch emplea la voz humana como material esencial de su práctica, utilizando las cuerdas vocales como herramientas que proyectan una sonoridad más allá de la mera interpretación. Las palabras habladas y cantadas de cada uno de los proyectos vocales responden al marco escultórico producido por la artista específicamente para ellos.

Uno de los retos planteados por la muestra es la encarnación y performatividad de las obras en ausencia de la artista pues, solo en ocasiones contadas, las piezas serán activadas por ella. Si bien la experiencia de la obra de Estruch no se puede desligar de la corporalidad física de la propia artista, de los cuerpos de sus colaboradoras y de los cuerpos de los públicos que participan activamente de la exploración y el descubrimiento constantes, la modalidad de esta exposición es la de almacén-archivo de todos los ensayos y activaciones llevadas a cabo a lo largo de su carrera.

Laia Estruch es licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona (2010) y también ha cursado estudios en The Cooper Union de Nueva York (2010). Ha tenido exposiciones individuales en el Museu Nacional d’Art de Catalunya, MNAC (2023), la Fundació Joan Brossa (Barcelona, 2020-2021), La Capella de Sant Roc (Valls, 2019) y la Fundació Joan Miró (Barcelona, 2019).

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