— MuroTRON

Brigitte Vasallo – Del 12 al 22 de septiembre en el Antic Teatre

¿Cómo hacer una memoria sin decir las palabras que no se pueden decir?

Naxos toma prestada una historia de princesas y laberintos para explicar la historia de la gente sin mito, de una memoria txarnega perdida en la oralidad sin lugar, en la diáspora, en la vergüenza migratoria, en la apropiación por un bando y por otro, en el discurso celebratorio del futuro industrial.

Nuestra desposesión remite a la pérdida de una única guerra en muchos actos: la Guerra Civil contra los pobres, la guerra cultural contra la memoria y la reparación, la guerra, hoy, de los mismos poderes contra las poblaciones en resistencia que luchan por la justicia, también climática, en las tierras de nuestra ausencia.

¿Quién tiene miedo de la memoria txarnega?

Más información y entradas: https://www.anticteatre.com/events/event/naxos-brigitte-vasallo/?lang=es.

Brigitte Vasallo
Escritora, investigadora y docente, ha sido invitada a la Cátedra Mercè Rodoreda de Estudios Catalanes de la Universidad de Nueva York (CUNY) y es docente del Máster de Género y Comunicación de la UAB, del Posgrado de Cultura de Paz de la UB, y del LAP, Laboratori d’Art i Pensament de Es Baluard Museu. Artista residente a la Academia de España en Roma, es autora de Pornoburka, prologada por Juan Goytisolo, Pensamiento MonógamoTerror Poliamoroso y Lenguaje Inclusivo y Exclusión de Clase, todas ellas con ediciones internacionales. Ha dirigido el I Festival de Cultura Txarnega de Barcelona, la tercera edición del congreso internacional Non Monogamies and Contemporary Intimacies y ha sido asesora internacional del Centro de Estudios Sociológicos de la Universidad de Coimbra. Ha estrenado, como dramaturga, la investigación escénica Un cos (possible) i lesbià, cocreada con la artista visual Alba G Corral.

Gena Baamonde – mullerona
Doctora en Bellas Artes, titulada en arte dramático, dramaturgia y dirección de escena con formación en artes del movimiento, igualdad, género y diversidad sexual. Ha estado vinculada al Matarile Teatro, a Teatre Galán i al festival de danza En Pé de Pedra. Fue artista residente en el Centro Coreográfico Gallego con el proyecto Corpo-puta-vaca-berro. Trabajó también en asistencia de dirección y dramaturgia por el Centro Dramático Galego, Factoria, Disque Danza, A Artística, Helen Bertels y Voadora. Fundó la compañía Maria a Parva, con la que estrenó los espectáculos MuleronaXogo para nenas e Indignos, de los cuales escribió los textos originales, asumiendo, también, la dirección. Forma parte de la creación y dirección de diversos proyectos de A Artística, como Des-memoria-2 y Verde a tempo completo y ha creado y dirigido el espectáculo Arquitectura da Emoción. Ha dirigido Elisa e Marcela de la compañía A Panadaría. Trabaja junto con Andrea Quintana, dentro del colectivo VACAburra.

Laura R. Iturralde
Premio Maria Casares a la mejor escenografía por Resaca (il Maquinario) y a la mejor iluminación por Invisibles (RedrumTeatro), por O empapelado amarelo (A Quinta do Cuadrante) y por Bailar Agora (Marta Alonso Tejada). Premio Rogelio de Egusquiza, de la Asociación de Directores de escena de España por la iluminación de Fariña, de Ainé Producións. Explora desde 2016 el área del live cinema y las visuales en tiempo real a través de la cámara en vivo y participa en proyectos como Lorca NamoradoVesalli Icons do TAC, Trilitrate y Nostoc.

Concha Milla
Licenciada en Arte Dramático por el Institut del Teatre de Barcelona. Ha desarrollado su carrera en Barcelona, Madrid y Buenos Aires como directora, actriz, dramaturga, asistente de dirección y pedagoga teatral. Como actriz, en teatro, ha trabajado tanto en Madrid, como en Barcelona y Buenos Aires con directores y directoras como José Sanchis Sinisterra, Helena Pimenta, Ramón Barea, Marc Angelet, Sergi Pompermayer, Israel Solà, Juan Carlos Gené o Carlos Ianni. En televisión, ha participado en TV3 en series como Com si fos ahirCitesLa RieraTemps de silenciPlats Bruts o El cor de la ciutat. Como dramaturga, ha estrenado ESTIgMESInteriorsUna nitRefraccions y ha sido finalista al IX Torneo de Dramaturgia Catalana de Temporada Alta con la obra L’Ascensor. Es directora de todas sus obras, excepto ESTIgMES, y ha dirigido, también, La grietaUna llibertat deliciosa i Calces de paper. Ha sido ayudante de dirección de Mario Gas, Lautaro Perotti y Carlos Ianni.

 

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Lolo & Sosaku – 29 de septiembre en La Mutant

Un espectáculo donde el sonido de Lolo & Sosaku vertebra todo y genera una alteración en el orden establecido del público.

El sonido llevado a su límite en esta performance sonora.

Lolo & Sosaku
Buenos Aires, Argentina, 1977
Tokyo, Japón, 1976

«Nuestro trabajo sucede en los límites, los empuja, los desdibuja, los cuestiona».

Lolo & Sosaku investigan las posibilidades de la escultura como campo ampliado. El nexo que une su trabajo es la búsqueda de un objeto en contacto con su entorno y con el espectador, un objeto que busca fricción y tensión, explorando la capacidad de crear nuevos significados.

Su trabajo transita entre diferentes lenguajes artísticos como la escultura, la instalación, arte cinético y pintura, a menudo incorporando música y sonido. Su modus operandi es constituirse como sujeto y alcanzar desde su materialidad la trascendencia, al misticismo y lo desconocido. La música electrónica es sin duda el punto culminante de su inspiración como lenguaje complejo, traducido en instalaciones sonoras y composiciones escultóricas.

Formas, líneas, materiales y los sonidos se ensamblan en esculturas en movimiento que actúan tomando su propia voz en una transformación continua e impredecible. Explorando muchos horizontes artísticos. y redefiniendo fronteras, su interés es la energía y las fuerzas ocultas que guían la vida en nuestra era tecnológica.

La obra de Lolo & Sosaku ha sido expuesta y representada, entre otros, en el Museo Reina Sofía (Madrid, España), MACBA Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (Barcelona, ​​España), Liceu de la Opera (Barcelona, ​​España) PSA Power Station of Art (Shanghai, China), MIS Museu da Imagem e do Som (São Paulo, Brasil), Fundação Casa França Brasil (Rio de Janeiro, Brasil), Sónar (Barcelona, ​​España), Matadero (Madrid, España), Night Time Story, (Los Ángeles, California) Palacio de la Cultura (Iasi, Rumania), Galería Luis Adelantado (Valencia, España) e Instituto Cervantes (Milán, Italia) Museo de arte e historia MAH (Ginebra, Suiza), Galería Double Square, Taipei, Taiwán

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Angélica Liddell – Del 13 al 20 de septiembre en Teatros del Canal 

Angélica Liddell abrió el Festival d’Avignon 2024 con DÄMON. El funeral de Bergman, donde consiguió seducir al público y enfurecer a la crítica teatral francesa.

Angélica Liddell invoca al cineasta sueco Ingmar Bergman, quien escribió el guion de su funeral como si fuera su última obra maestra, y le toma la palabra.

Rodeada de actrices y actores del Dramaten –el Teatro Nacional de Suecia– y de sus habituales cómplices de su compañía, la intérprete española nos invita a contemplar nuestras fantasías enterradas y nuestros terrores tácitos, hasta tener que enfrentarnos al demonio final: no la Muerte, sino la Vanidad.

Los espectáculos de Angélica Liddell arrojan luz sobre “lo que uno no se atreve a hablar en las cenas”: este discurso ardiente que encuentra refugio en el escenario y que ella llama “la pornografía del alma”.

AVISO: Algunas escenas de este espectáculo pueden herir la sensibilidad del público.

Más información y entradas: https://www.teatroscanal.com/espectaculo/angelica-liddell-damon-el-funeral-tc2425/.

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Del 13 al 21 de septiembre en La Casa Encendida

Ídem 2024 propone el trabajo de artistas que tratan cuestiones sensibles y cruciales para nuestra sociedad, reflexionado sobre el aislamiento social radical, el pensamiento marginal, la salud mental, el desplazamiento, la resistencia, el cimarronaje, la fugitividad y la experiencia de oscuridad asociada a la luz.

Desde la práctica artística y el activismo, en diferentes formatos como la performance, el site specific, la instalación interactiva, el teatro y la danza. Estos trabajos dialogan entre sí, nos convocan, nos provocan y nos interrogan.

¿Qué cuerpos importan?, ¿quién se merece una vida visible?, ¿qué vidas cuentan?

Estas piezas, desde miradas poéticas, proyectan el reflejo de nuestras elecciones íntimas, de nuestra vulnerabilidad, de nuestra capacidad de conectarnos y desconectarnos de la realidad, y nos hablan sobre cómo restaurar las redes de autonomía, afecto y amor propio.

Esta edición presenta trabajos de creadores procedentes de Francia,  Cuba y Palestina, y de comunidades autónomas como Cataluña, Comunidad Valenciana y Aragón. Los artistas participantes en las piezas proceden de Japón, Venezuela, Guinea Ecuatorial, Ecuador y República Dominicana.

Inauguramos el festival con HIKU, pieza que transita entre la performance y el cine, la ficción y el documental, y que convoca a través de robots en tiempo real a los propios HIKIKOMORI, colectivo que voluntariamente se ha aislado de todo contacto con la sociedad y que se presentan aquí como un grupo resistente a los mandatos contemporáneos. La compañía francesa Shonen presenta por primera vez su trabajo en España, dirigida por Anne-Sophie Turión y Eric Ming Cuong.

Paula Miralles y Vicente Arlandis (Taller Placer) estrenan su pieza Corrimiento al rojo, un site specific donde proponen una experiencia de oscuridad y transubstanciación colectiva. La propuesta apela a otras maneras de componer nuestra imaginación sensorial, de lo que se puede revelar detrás de aquello que se esconde.

La pieza Calidoscópica de Sonia Gómez con Encarni Espallargas, es un espectáculo performativo, musical y dancístico que escenifica el encuentro de dos mujeres y sus vivencias sobre salud mental, creatividad y bienestar. Proponen darnos a conocer de primera mano la potencialidad que puede llegar a tener la estigmatizada locura o trastorno mental.

La segunda semana del festival comienza con Basel Zaraa, artista palestino, que estrena en nuestro país su pieza Dear Laila (ganadora del premio del público ZKB 2023), una instalación íntima e interactiva que comparte la experiencia palestina de desplazamiento y resistencia a través de la historia de una familia, explorando cómo la guerra y el exilio se experimentan a través del espacio cotidiano, doméstico y público. Para ello da vida a este lugar, ahora destruido, a través de la narración de historias familiares y de una aproximación sensorial.

Victor Longás y Lucas Ares (Desgarradura), estrenan The Miracle Worker, pieza pensada para el Patio de La Casa Encendida y donde proponen al público diferentes espacios escénicos por los que transitar para presentarnos sus reflexiones sobre la soledad, el aislamiento y la desaparición social del individuo, moviéndose entre los límites de la ficción y de lo real.

El festival ÍDEM 2024 clausura con el estreno de Eyilá de José Ramón Hernández y Osikán-Vivero de creación, que tiene como punto de partida la pregunta “¿dónde radica la fuerza política de nuestra espiritualidad?”. El proyecto está desarrollado junto a comunidades que se excluyen del espacio social voluntaria e involuntariamente, personas afro, migrantes, trans y racializadas, y construye un archivo vivo de espiritualidad, memoria, resistencias, fugitividad, cimarronaje, reparación y sanación.

Festival comisariado por Marisa Lull.

Más información y entradas: https://www.lacasaencendida.es/festival/idem-2024-festival-internacional-de-artes-escenicas.

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Adriano Galante – 18 de septiembre en la Sala Taro 

Coneixem a l’Adriano Galante per ser la veu cantant i el cos de ball de la banda Seward des de fa més d’una dècada. També per les seves incomptables aventures sonores, poètiques i performatives, així com per la seva implicació amb l’escena cultural de la ciutat, sempre des d’una perspectiva transformadora, combativa i experimental.

Després d’haver publicat el llibre ‘Mediante’ de la mà d’Arrebato (casa de Kae Tempest o Saul Williams), d’haver estrenat la conferència performativa ‘Entrar a vivir’ en el Lliure de la mà del Marc Vilanova o l’obra ‘Demoledora’ amb David Climent (corderos.sc) i Sara Serrano en L’Auditori; Galante arriba al 4×4 per a compartir noves inquietuds escèniques, utilitzant com a excusa el seu últim disc, TODA UNA ALEGRIA.

En directe, Galante compartirà la versió més arriscada i juganera de la seva música fent servir un format ben exclusiu: un sistema binaural 360º ideat pel músic Cote Fournier, en el que veus i música són capturades per un micròfon ultrasensible amb el públic escoltant amb auriculars amb tot luxe de detalls. Una experiència captivadora que potencia l’escolta i fa que cada concert sigui realment únic.

Imatge: Sílvia Poch

Más información y entradas: https://dice.fm/event/mxberl-4×4-adriano-galante-toda-una-alegra-live-binaural-360-18th-sep-sala-taro-barcelona-tickets.

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Del 27 al 29 de septiembre en Artium 

Artium Museoa organiza la segunda edición del ciclo de performances Lazos mecánicos, un programa que surge del deseo de pensar el espacio del museo y las relaciones que se construyen en él a partir de los cuerpos que lo habitan, intentando crear momentos de porosidad entre el interior y el exterior del edificio a través de las prácticas diversas de una serie de artistas y colectivos.

En 2024, Lazos mecánicos tendrá lugar el fin de semana del 27 al 29 de septiembre, y contará con la participación de Valeria Maculan (Buenos Aires, 1968), Federico Vladimir (Buenos Aires, 1983) & Pablo Llilienfeld (Madrid, 1981), Ainara LeGardon (Bilbao, 1976), Itsaso Iribarren (Pamplona, 1981) & Germán de la Riva (Cumaná, Venezuela, 1977), Pedro Barateiro (Almada, 1979), Elena Aitzkoa (Apodaka, 1984), Marta Fernández Calvo (Logroño, 1978), Alejandra Pombo Su (Santiago de Compostela, 1979) y Marc Vives (Barcelona, 1978).

Lazos mecánicos. Prácticas performativas en el museo II está comisariado por Iñaki Martínez Antelo.

Más información: https://www.artium.eus/es/actividades/item/61816-lazos-mecanicos-ii-ciclo-de-performances.

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Simon Asencio – 10 de septiembre en Bulegoa z/b

Presentación de Simon Asencio al inicio de su residencia en Bulegoa z/b. Su propuesta Left/Write! (Rescript) fue seleccionada junto a Letra xehez idaztea de Danele Sarriugarte Mochales en la convocatoria de residencias de 2023. El jurado estuvo compuesto por Aimar Arriola (comisario, editor e investigador), Laida Lertxundi (artista) y las integrantes de Bulegoa z/b.

La New Narrative fue un movimiento de escritura experimental que emergió en la escena de la poesía de San Francisco a finales de la década de los años 70 alrededor de los textos de Bruce Boone y Robert Glück y los talleres de escritura que organizaron en la librería Small Press Traffic. El término lo acuñó el también poeta Steve Abbott para describir una serie de experimentos que utilizaban el cotilleo, la promiscuidad, el fax, las listas, los elementos no narrativos, las noticias y las difamaciones como medios para escribir narrativa.

Surgida en el contexto de los derechos civiles, el movimiento negro y la liberación sexual en los Estados Unidos, la New Narrative estaba conformada por un grupo variopinto de poetas, escritores y activistas que ensayaron formas poéticas que fueran capaces de reflejar sus vidas. A través de una escritura personal, relacional y transgresora, los experimentos de la New Narrative produjeron un acercamiento al lenguaje activo y emancipatorio.

Justo después de que Ronald Reagan fuera elegido por primera vez presidente de los Estados Unidos, algunos integrantes del movimiento concibieron un congreso que reuniría a grupos de poesía comunitaria y reflexionaba sobre lo político en sus vidas y su trabajo. El congreso Left/Write, celebrado en 1981 en el Noe Valley Ministry de San Francisco, fue un intento por producir solidaridad política a través de las prácticas literarias. En parte artístico, educativo y político, reunió a 300 escritores a lo largo de dos días en torno a talleres, debates, exposiciones y eventos. El congreso se celebró una única vez y no volvió a celebrarse.

Left/Write (Rescript) se plantea como una situación de estudio performativa que investiga las condiciones de aparición de este acontecimiento a través del método del reenactment. La investigación emplea la transcripción del congreso como partitura para conversar, leer y organizar y busca formas de aprender del allí y el entonces para examinar nuestras responsabilidades para con los aquí(s) y los ahora(s).

El trabajo de Simon Asencio toma la forma de performances, publicaciones, exposiciones, situaciones de estudio colectivo y proyectos en colaboración y utiliza metodologías de investigación específicas de la performance, la filología y la pedagogía crítica. Su investigación actual se centra en las formas de sociabilidad generadas por las prácticas textuales, especialmente, la relación entre la práctica política y el activismo político. Desde 2021 desarrolla una traducción performativa de Anon, un ensayo inacabado de Virginia Woolf que trata sobre la ética del anonimato y la supervivencia de los rapsodas. En 2022, fue investigador asociado de a-pass / estudios avanzados de performance y escenografía en Bruselas con su investigación Quire Whids. Actualmente trabaja en la transcripción del congreso político y literario Left/Write (1981, San Francisco), con el objetivo de desarrollar una reconstrucción performativa.

Este proyecto está apoyado por una beca de investigación del Centre National des Arts Plastiques, París.

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María Jurado – Del 5 al 9 de septiembre en el Antic Teatre 

Spooky es una lucha contra el individuo o una performance en la que 2 mujeres crean un dispositivo escénico a partir de los códigos del cine de suspense y del cine «trash»: los medios y estética «handmade» intervienen directamente en el espacio creando una trama fragmentada que genera una sensación de incertidumbre que dialoga con el público y plantea grietas entre la realidad y la ficción.

El espacio teatral se representa como metáfora de un cerebro, a este llegan la información, patrones y proyecciones que las creencias sobre el individuo levantan sobre nosotros mismos, generando una “campana de cristal” aparentemente impenetrable pero aceleradamente tortuosa.

Más información y entradas: https://www.anticteatre.com/events/event/maria-jurado-spooky/?lang=es.


María Jurado es una artista, coreógrafa, performer e investigadora residente en Barcelona. Navega entre los límites de la danza conceptual y la performance. Cada creación le obliga a pensar de manera diferente, investigando los límites del formato. Estudió en el Institut del Teatre. En 2022 estrenó la pieza Black Sun en Festival Grec de Barcelona. Participó en el proceso de creación de la pieza Mágica y elástica de Cuqui Jerez y recibió la beca Danceweb 2023. Spooky nace como proyecto de residencia en El Graner gracias a la colaboración de la artista Macarena Bielski López y más tarde, la suma de un equipo multidisciplinar. El deseo del proyecto es poder investigar y profundizar desde la creación, la acción y el pensamiento continuo.

Dirección María Jurado + creación conjunta con todo el equipo
Cocreacion:  Macarena Bielski López
Interpretación: María Jurado y Macarena Bielski
Espacio sonoro y composición musical: Nina Emocional
Diseño de iluminación y espacio escénico: David Corral
Diseño y creación visual: Manuel Pita-Romero
Diseño de vestuario: 3formas
Producción: Maria Jurado y David Corral
Acompañamiento artístico: María Jerez

Coproducción: Antic Teatre
Apoyo de residencias artísticas: Graner (Barcelona), Réplika Teatro (Madrid), TenerifeLAV (Tenerife)

Agradecimientos: a Maca, Nina, David, Manu, Irene y María, por la confianza y el trabajo. A Roberto Fratini. A la familia de Réplika Teatro

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Muestra del trabajo en proceso cão de sete patas (un perro de siete patas) de Bibi Dória. Jueves 12 de septiembre a las 20h en La Caldera de Barcelona. Entrada gratuita con reserva previa. 

El proyecto surge del sueño de un personaje icónico en el cine marginal brasileño. Sônia Silk, interpretada por Helena Ignez, en la película Copacabana Mon Amour (1971) de Rogério Sganzerla, sueña con perros de siete patas, hombres-animales y otros monstruos. “un perro de siete patas” es un proyecto interdisciplinar que investiga la relación entre la ficción y el documental, entre el sueño y el relato, entre una actriz y su personaje.

Bibi Dória (Campo Grande, 1995) graduada en Danza por la UNICAMP (BR). Trabaja en la intersección entre la danza, la performance y el cine. Reside en Lisboa (PT) desde 2018, donde desarrolla sus proyectos autorales y colabora como intérprete, asistente y dramaturga con varios artistas. Entre ellos, Bruno Brandolino (UY), con quien comparte la performance y la creación de la obra LA BURLA (2022).

Más información: La Caldera

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Del 16 de julio al 29 de septiembre en La Capella. 

Artistas: Mercedes Azpilicueta, Cati Bestard, Black Quantum Futurism, Pauline Boudry & Renate Lorenz, Noela Covelo Velasco, Jaume Pitarch, rogerserretricou y Helena Vinent. Comisaria: Marta Sesé. 

Renunciar a la linealidad de la historia, retirar la mirada sobre un horizonte fijo. Desorientarse para cuestionar un paradigma estable que la modernidad, entendida como proyecto occidental de civilización, legitimó regularizando los sentidos de la experiencia y definiendo los conceptos de sujeto y objeto, de tiempo y espacio. Un desorden distinto busca construir un posible “afuera para rebelarse contra el Orden”. El conjunto de piezas de la exposición ofrece resistencia a distintos órdenes, proponiendo una serie de estrategias —a través de la reivindicación del fracaso, de las temporalidades discas-queer o de revisiones históricas no lineales— que permitan apuntar hacia una pluralidad de experiencias otras.

Entrevista a Marta Sesé por Fernando Gandasegui sobre la exposición: https://www.lacapella.barcelona/es/un-desordre-distint-un-desorden-distinto.

Marta Sesé (Lleida, 1992) trabaja e investiga desde la práctica del comisariado, la edición y la crítica de arte. Sus intereses giran en torno a la revisión crítica de los imaginarios, la resistencia a la homogeneización estética y de la experiencia, las temporalidades y su vínculo con la materia y la construcción de formas de pertenencia. Actualmente es coordinadora editorial del MACBA y escribe en varias revistas especializadas en cultura contemporánea. También es cofundadora del proyecto Higo Mental. Con sus proyectos ha estado presente en instituciones y espacios como el Museo Patio Herreriano, Fabra i Coats: Centre d’Art Contemporani, CA2M, MNAC, Conde Duque, Homesession, Dilalica, Akademin Valand, Can Felipa y Arts Santa Mònica, entre otros.

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