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Concurso de malos talentos

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14-11-2022

Del 10 de noviembre al 4 de diciembre en el Teatre Lliure

La compañía José y sus Hermanas (Explore el Jardín de los Cárpatos) invita a les generacions Millennial y Z a imaginar con las herramientas del legado teatrals futuros utópicos y mejores. Si has pensado en crearte un onlyfans para pagar la carrera, este es tu espectáculo.

En una época en la que “todo es performance”, José y sus Hermanas investiga maneras de imaginar otras formas de vivir con las herramientas teatrales. Sus miembros reproducen escenas que ya han repetido antes, escenas recurrentes, una tras otra. Repiten lo mismo pero con cambios para poder hallar otras posibilidades. Puro oficio. En el teatro y en la vida.

Concurso de malos talentos es un espectáculo – lectura teatral – concierto – procesión – ensayo en el que la compañía se entrena en un centro de bajo rendimiento. El dispositivo escénico-plástico que propone el espectáculo, sin proyecciones de vídeo en esta ocasión, apuesta por entender la caja escénica como una caja mágica reveladora de sorpresas. En esta nueva aventura colectiva, se incide en el lenguaje visual ya que la imagen funciona a menudo como estimulante de grandes cambios. José y sus Hermanas se lanza a estos futuros como si fueran escenarios en potencia para especular sobre qué había antes y con el deseo de conocer, ser y habitar lo que ocurrirá después.

Las generaciones Millennial, Z y X empiezan a mostrar los síntomas de un sistema de hipereficiencia: las relaciones entre el tiempo productivo y el de consumo no sólo han caducado, sino que también se resignifican a gran velocidad. Las nuevas generaciones adultas manifiestan este cambio de paradigma que se opone a las antiguas demandas impuestas. Dan valor a conceptos como perder el tiempo, vagar o habitar la incertidumbre. Esta propuesta tiernamente radical pretende olvidar activamente el éxito y las demandas de progreso dejando espacio a otras maneras de actuar, estar y disfrutar. En el teatro y en la vida.

“Lo de usar un soneto de Shakespeare ya lo ha hecho Tiago Rodrigues. Lo de tener a la policía de actores ya lo ha hecho Tania Bruguera. Lo de tener un toro en escena ya lo ha hecho Romeo Castellucci. Lo de sonorizar sólo con techno ya lo han hecho Gisèle Vienne y Michele Rizzo. Lo de hacer que las butacas del teatro sean para leer ya lo han hecho Rodrigo y el Conde. Lo de esperar a que el tiempo pase para divertirnos ya lo ha hecho Samuel. Lo de negar a nuestras madres ya lo ha hecho Angélica Liddell…”
_Ignacio de Antonio Antón

Más información y entradas: https://teatrelliure.com/es/concurso-de-malos-talentos.

Interior noche

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14-11-2022

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Serrucho – 25 y 26 de noviembre en la Sala Mirador

Transformar la urgencia en contemplación y lo utilitario en absurdo. Viva el mundo cambiante, viva el mundo al revés, que le decía Gloria Fuertes a los niños y niñas hace medio siglo. Cómo pasa el tiempo, dios mío. Clama al cielo que tengamos que extremar la mirada sobre lo cotidiano para darnos cuenta de hasta qué punto nos hemos entregado al consumismo. Eso que llamamos ocio es cada vez más autogestión del tiempo de consumo y sentarse en una hamaca, en la playa, en una piscina, en un camping, en un parque, sin más, sin hacer nada, parece pecado. ¡Es perder el tiempo! El colectivo Serrucho, después de la fantástica Archivo, pieza inmersiva y experiencia emocional inolvidable que presentó en el Festival de Otoño en 2019, vuelve con una obra de teatro de objeto que utiliza el tiempo como material de trabajo y juega con la superposición de fragmentos espacio-temporales imposibles.

“¿Qué significa perder el tiempo? ¿Por qué pedimos unos minutitos más? ¿Si tenemos todo el tiempo por delante, qué hemos dejado atrás exactamente?” -se preguntan desde la compañía. “Desde nuestra desconexión del tiempo astronómico los días pasan más rápidos y nuestras horas se miden en dinero. Las convenciones temporales basadas en los ciclos de la naturaleza se han visto sustituidas por una híper acelerada visión mercantil. ¿Qué supone eso para nuestras vidas? ¿Y para el mismo tejido espaciotemporal?” Todas estas preguntas responden a un concepto social del tiempo, pero también está el tiempo material o la materialidad que intentamos darle al tiempo en física para comprenderlo. Y luego está el tiempo escénico, que entra en tensión con el tiempo de la vida, una tensión no siempre comprendida por un espectador cada vez más acostumbrado a un manejo del tiempo audiovisual mediatizado por una pantalla. La dimensión temporal del teatro está condicionada por la presencialidad, por un tiempo y un espacio compartidos y a la vez subjetivos. El tiempo en el teatro actúa distinto en el actor, en el personaje y en el espectador. Desde ahí es desde donde Serrucho quiere investigar la figura del tiempo-teatro como agente dramático.

¿Y cómo lo hace? Una larga escena de camping nocturno. Un laboratorio con sillas plegables, sombrillas y tiendas de campaña. El espectador, ayudado de un frontal, irá descubriendo en esa noche de verano un collage de objetos y memoria. El haz de luz que se proyecta desde su cabeza pone en escena su mirada junto a la del resto del público, delatando temporalidades y decisiones individuales que condicionan la representación.

El camping como paradigma del tiempo libre. Una colección de objetos efímeros, diseñados para que cunda el tiempo. Ingeniería 2 Seconds (ya saben, lo de montar la tienda de campaña en un pis pas, con un solo gesto, made in esa franquicia francesa con la que todo el mundo hace deporte) que nos impone una gestión del ocio entendido como producto de consumo. Se trata, en definitiva, de “un espectáculo basado en la experiencia y en la observación fenomenológica. Eventos que serán percibidos como aparentemente desincronizados e inconexos porque atienden a distintos órdenes narrativos y marcos de referencia, a través de los que el propio transcurrir del tiempo provocará un proceso de transformación sobre el espectador”, según palabras de sus responsables. O para decirlo en términos mitológicos, un combate más, sobre el escenario, entre Cronos y Kairós. ¿Tú con quién vas?

Más información y entradas: https://www.madrid.org/fo/2022/interior.html.

Hammamturgia

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14-11-2022

acció fotogràfica popular

19 y 20 de noviembre en Teatros del Canal

Con Societat Doctor Alonso nunca puede darse nada por sentado; anti-apriorísticos ellos, alérgicos a la convención establecida, valga la redundancia, el espacio-tiempo en puro presente que construyen en cada nuevo proyecto es una isla poética que, sin embargo, contribuye a ensanchar indefinidamente el concepto de lo teatral. En esta ocasión, el grupo catalán que comandan Tomàs Aragay y Sofía Asencio presenta una pieza sin palabras a partir del neologismo que le da título: hammamturgia. De un lado, el dispositivo que comúnmente asociamos a la herencia árabe u otomana, que nos ha legado una arquitectura para la sociabilidad, el placer y la higiene. De otro, la dramaturgia, o la habilidad de coser una historia en el tiempo a partir del encuentro entre fuerzas cuya fricción genera un movimiento transformador hacia adelante.

Según la compañía, la hammamturgia vendría a ser como lo otro de la dramaturgia. “Aunque sus orígenes son distintos -explican-, entre el hammam y el drama existe un nexo, una relación significativa. Si en el drama la obra se produce ‘por alguien’, en el hammam es el calor el que produce la obra. La hammamturgia remite a una relación con las condiciones atmosféricas que producen la transformación de la forma-obra”. El calor mueve las partículas de un cuerpo a mayor velocidad y en ese movimiento, el cuerpo ocupa más espacio. La hammamturgia no tiene autor, entendido a la manera dramatúrgica, sino que se vincula con el ‘suceder’, con aquello que pasa, aquello que opera el cambio. Hay un fuego, un calor, que nos concentra a su alrededor hasta estar en su mismo centro. Por eso, como público, en esta propuesta habitamos el mismo espacio que la acción, estamos más dentro que fuera o directamente somos la acción, quién sabe. Hammamturgia genera y capta el flujo de los cuerpos y las cosas en el espacio, una sucesión que no explica nada, sino que propone y activa transformaciones, una obra coreográfica en definitiva, que trabaja con el espacio y el tiempo.

Dicho todo esto, no hay que tomar lo del hammam por lo literal, no hay que llevar el bañador ni se nos empañarán las gafas con los vapores. El público accede descalzo a un gran cubo blanco y cada cual elegirá su lugar en el espacio. Hay cuatro aberturas en cada uno de los lados del cubo por las que entran y salen también las cuatro performers que ejecutan las acciones, dando vida a láminas de plástico de distintos tamaños, colores y texturas con las que hacen palpable las metamorfosis de la materia sometida al movimiento. “La fuerza de la propuesta -relataba una crónica tras su estreno en marzo en el teatro Le Grutli de Ginebra (coproductor da la pieza)- reside en el carácter eminentemente inorgánico de la sustancia elegida para reflejar lo humano (…) Un grupo de artistas irreverentes agota los recursos metafóricos de un material derivado de los tan odiosos combustibles fósiles”. Cuerpos y cosas en el espacio en un flujo interminable, un suceder que no cuenta nada, sino que propone y acciona transformaciones de esos cuerpos, de esas cosas y de ese espacio. La propia Sofía Asencio, junto a la artista plástica Beatriz Lobo, el bailarín y creador coreano Kim Kidows y Ana Cortés (con el concurso de Serrucho y CUBE.SZ en la concepción del espacio y la iluminación), son las encargadas de avivar el fuego para acometer la mutación y generar la tensión entre la transformación y la pulsión humana de fijar en imágenes lo que sucede. Humor, paradoja, belleza y poesía inesperada, abluciones en el devenir siempre cambiante de un río que, siendo el mismo, nunca propone un baño igual.

Más información y entradas: https://www.madrid.org/fo/2022/hammamturgia.html

Crura

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09-11-2022

Baile

Malen Iturri Morilla – Del 17 al 19 de noviembre en DT Espacio Escénico

Crura es una pieza de destilación somática que se desarrolla en una exploración de movimiento, voz y sonido. Temporalidad esponjosa que lo ablanda todo por debajo la lengua, el abajo del abajo desde y hacia un atrás primitivo [digestión – evacuación – deglución].
Crura encuentra resistencia en la lentitud y las humedades oscuras, cuerpa más que humana en estado relacional de fluidez bien densa.

Más información y entradas: https://dtespacioescenico.com/temporada-2021-2022/crura/.

Perpetua Felicidá

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04-11-2022

Baile

Iniciativa Sexual Femenina – 12 y 13 de noviembre en La Mutant

Cómo morir y matar, cómo resucitar y cómo insuflar vida y cómo recorrer el camino que lleva de lo uno a lo otro con alegría. Perpetua Felicidá es un tríptico de agonías, decesos y resurrecciones, tres pasiones encarnadas por cada una de las intérpretes con la ayuda de sus compañeras y de las santas Perpetua y Felicidad, extrañas mártires del s. III d.C. en la romana Cartago, respectivamente ama y esclava, blanca y negra, lactante y embarazada. Moreau, Keisanen y Morales usan la danza (sí, la usan: le dan utilidad: creen en su potencia aniquiladora de privilegios) como la ganzúa que revienta las puertas de sus saberes, la danza como saqueadora de los estados físicos y mentales que el Régimen tiene tan bien custodiados.

Más información y entradas: https://lamutant.taquillaunica.es/Eventos/VerEvento.aspx?idEvento=271.

CREA

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04-11-2022

Actividades paralelas

El CREA , la fiesta del Distrito Cultural de L’Hospitalet, celebra una nueva edición los días 4 y 5 de noviembre en varios lugares creativos de la ciudad, donde se aglutinará todo el tejido artístico y creativo del Distrito Cultural. El Ayuntamiento de Hospitalet es el organizador de esta festividad que se celebra de forma anual desde hace cinco años. Este año, contará con muchas intervenciones artísticas en artes visuales, artes performativas, música y diseño.

En su sexta edición, el objetivo de esta fiesta es hacer trabajar conjuntamente espacios, colectivos, artistas y curadoras potenciando las acciones artísticas cruzadas, sacando a los artistas de su marco y haciendo que los espacios acojan nuevos talentos y disciplinas . El resultado se materializa en un programa de acciones artísticas que comprenden diversas disciplinas (artes visuales, artes performativas, música, diseño…), que se exhibirán en diferentes espacios de creación y producción de la ciudad, espacios privados que no suelen estar abiertos al público.

El CREA ha buscado la complicidad de siete curadores/as con alto conocimiento de los potenciales del Distrito Cultural, que han ayudado a conducir los procesos de trabajo ya mediar para que el resultado del CREA sea coherente, equilibrado, auténtico y de calidad.

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El viernes 4 de noviembre, de 17 a 23 h, y el sábado 5 de noviembre, de 11 a 24 h, nueve espacios de la ciudad se abrirán para acoger intervenciones artísticas de artistas y colectivos que han elegido L’Hospitalet por desarrollar sus proyectos. Todas las acciones artísticas están curadas por profesionales vinculados a espacios de creación de la ciudad.

PROGRAMA

El olor de tu pelo , performance a cargo de Julia Barbany y Carolina Olivares como curadora. Se podrá ver en Sociedad 0 (rambla de la Marina, 456, 5º). El viernes 4, a las 20 h, y el sábado 5, de 18 ha 20 h.

Al final de la escalera , intervención en artes visuales de Martín Vitaliti del espacio Salamina y Caterina Almirall como curadora. Tendrá lugar en Trama34, en la calle Isaac Peral, 7. El viernes 4, de 17 a 20 h, y el sábado 5, de 11 a 14 hy de 16 a 19 h.

Tengo el pelo de punta , instalación site-specific de Rodrigue Mouchez, y Danza en desarraigo, sesión de música techno a cargo de María Gatasanta. Ambos artistas, del espacio Trama34, llevarán a cabo su intervención en Fase (avenida del Carrilet, 183, local E). Curadora, Gisela Chillida. La instalación podrá visitarse el viernes 4, de 17 a 21 h, y el sábado 5, de 16 a 19 h. La sesión de techno será el viernes 4, de 21 a 23 h.

Vidas aisladas , instalación site-specific a cargo de Bel Mur de la Tonal’h y con Jordi Garrido como curador. Se podrá ver en el Edificio Freixas (calle de la Glòria, 7). El viernes 4, de 17 a 20 h, y el sábado, 5 de 11 a 14 hy de 16 a 19 h.

Prosperidad , proyecto escultórico de German Consetti, artista residente en el Edificio Freixas. Curador, Jordi Garrido. Se podrá ver en la nave Tonal’h, espacio de La Terca (calle de Juan Ramon Jiménez, 22). El viernes 4, de 17 a 20 h, y el sábado 5, de 11 a 14 hy de 16 a 19 h.

Número , performance y escultura, por Mònica Planas y Àlex Palacín de Drácula. Núria Gómez Gabriel, curadora. Tendrá lugar en la Infinita (avenida del Carrilet, 237, 3º) el viernes 4, de 17 a 20 h, y el sábado 5, de 11 a 14 hy de 16 a 19 h.

BAR1 , el bar como espacio lleno de intención artística, un proyecto de Sociedad 0 y con Saúl Baeza como curador. Tendrá lugar en el espacio Drácula (calle de Leonardo da Vinci, 21). El 4 y 5 de noviembre de 19 a 22 h.

Jaleos y manduca , por Víctor Jaenada (Fase) y Pere Llobera (Salamina) y Zaida Trallero, curadora. Jaleos es un momento de conciencia colectiva del sitio, de los demás y de nosotros. El sábado 5 de noviembre, de 12.30 a 16 h, en la Bodega Salan (calle de la Ciudad Condal, 8), con la participación de Lara Fluxà (Fase), Marc Herrero (Fase), Marc Vives, Ana Brenes ( cantaora ) y la Rata de Bellvitge.

Para finalizar el fin de semana de actividades del CREA, El Pumarejo (avenida del Carrilet, 187, nave 4) ofrecerá dos sesiones con Dudu Bongo (22.30 h) y DJ siete por Alesh3000 (23.45 h).

De tarde en tarde, hay cosas que solo pueden decirse por carta. Homenaje a Jonas Mekas por el centenario de su nacimiento (Excèntric 2022)

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02-11-2022

Audiovisuales

6 de noviembre en el CCCB

Escribe Laía Argüelles en su Breve ensayo sobre la carta (2021) que quizá la carta consista en «hacer de la distancia la condición para la cercanía más íntima». De ese texto toma el título esta sesión, una particular correspondencia entre Valentina Alvarado Matos y Jonas Mekas a modo de homenaje, a partir de fragmentos de los diarios seleccionados por la cineasta, en la que las distancias (geográficas, temporales, etc.) se transforman en una cercanía inesperada.

Como los destellos de belleza que atraviesan toda la obra de Jonas Mekas, en esta sesión, los registros de Valentina Alvarado Matos resuenan con los fragmentos escritos por Mekas en su diario Ningún lugar adonde ir (Caja Negra, 2008), y en Destellos de Belleza (Caja Negra, 2022).

Entrelazando imágenes y textos, sonidos y silencios, a través de una libre correspondencia de ecos y referencias cruzadas, Valentina Alvarado Matos propondrá una lectura personal de los textos de Mekas que comentará posteriormente con el cineasta y crítico Pablo Marín, traductor de los citados diarios de Mekas, y con el comisario Sergi Álvarez Riosalido.

Esta sesión, ideada por Sergi Álvarez Riosalido en colaboración con la editorial Caja Negra, se realizó en una versión similar el 2 de junio de 2022 en el Centro de residencias artísticas de Matadero Madrid, en el marco del festival Documenta Madrid. En el contexto de Xcèntric, la sesión está vinculada a la presente edición del Aula Xcèntric, «Escribir el cine. Textos de cineastas esenciales».

Más información: https://www.cccb.org/es/actividades/ficha/de-tarde-en-tarde-hay-cosas-que-solo-pueden-decirse-por-carta/239972.

Solar

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02-11-2022

Audiovisuales

Mos Maiorum y Joan Garriga – 5 de noviembre en el CCCB

En esta segunda sesión del ciclo Laboratorio escénico, el colectivo teatral Mos Maiorum presenta Solar, un espectáculo-ritual inmersivo sobre la transformación del paisaje con la colaboración del músico y compositor Joan Garriga.

Sabemos que la presencia humana en el mundo, como parte del paisaje, es definitiva como nunca antes. Sin embargo, la implementación de la llamada transición energética se está llevando a cabo siguiendo los mismos modelos económicos que nos han llevado al desastre ecológico. En este contexto, la compañía de teatro documental Mos Maiorum y el músico Joan Garriga reflexionan sobre el paisaje, espejo de los conflictos sociales.

Solar es un espectáculo-ritual inmersivo sobre el negocio de la instalación de placas fotovoltaicas en campos de cultivo de zonas rurales deprimidas. Un acto litúrgico con dos mundos en conflicto: trigo y láser, voz y espejo, memoria y cables. Centrales fotovoltaicas de enormes magnitudes cimentan campos de cultivo. Espejos negros cableados sustituyen espigas de trigo. ¿Qué cantarán los trabajadores del campo cuando el campo sea una central eléctrica? ¿Los caracoles mecánicos sueñan en tormentas eléctricas?

Después de la función, habrá un coloquio con la compañía en el vestíbulo del Teatre CCCB, acompañado de una cerveza.

Más información: https://www.cccb.org/ca/cicles/fitxa/laboratori-escenic/239874.

deader than dead

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02-11-2022

Baile

Ligia Lewis – 16 y 17 de noviembre en FOC (organizado por la galería Córdova)

Concebida originalmente en 2020 para el Hammer Museum, la creación de esta pieza comenzó con una investigación basada en la intriga sobre el deadpan, un manierismo impasible desplegado de forma cómica para ilustrar la distancia emocional. Utilizando esta expresión como un tipo de inmovilidad, Lewis desarrolló inicialmente una coreografía para diez bailarines que permanecía expresivamente plana o muerta, resistiendo a cualquier asidero narrativo o representativo ligado a una construcción o progresión climática.

Debido al estallido de la pandemia, Lewis redujo el reparto a cuatro intérpretes, transformándolo en una presentación más tradicionalmente teatral. En esta nueva obra, los bailarines utilizan el soliloquio culminante de Macbeth (“Mañana, y mañana, y mañana”, una reflexión sobre la repetición y el sinsentido) como inicio de una obra que se desarrolla en partes modulares, cada una de ellas una ilustración o parodia de la muerte, la inmovilidad y el vacío, cada una de ellas ligada a su propia banda sonora o muestra cuidadosamente seleccionada.

También es una meditación sobre el juego, o la actuación, así como sobre los ciclos recurrentes de la tragedia y la familiaridad dentro de la experiencia negra; sobre el tiempo, en forma de bucle; sobre la actuación; sobre el tacto, como un acto tanto de cuidado como de violencia.

La obra está construida en forma de lamento musical, una queja prolongada en bucle ejecutada ad infinitum, descomponiéndose en el camino.

Ligia Lewis (n. 1983, República Dominicana) trabaja como coreógrafa y bailarina, concibiendo y dirigiendo espectáculos experimentales. A través de la coreografía y la práctica corporal, desarrolla conceptos expresivos que dan forma a los movimientos, pensamientos, relaciones y los cuerpos que los sostienen. Lewis crea espacios para lo emergente y lo indeterminado mientras se ocupa de lo mundano en sus actuaciones, que se mantienen unidas por la lógica de la interdependencia, el desorden y el juego. En su obra, las metáforas sonoras y visuales se encuentran con el cuerpo, materializando lo enigmático, lo poético y lo disonante. El trabajo de Lewis evoca continuamente los matices de la encarnación.

Su trabajo se presentó en múltiples lugares de Europa y Estados Unidos, como HAU Hebbel am Ufer, Berlín; Tanzquartier, Viena (2022); Museo de Arte Contemporáneo MCA, Chicago; Museo Hammer, Los Ángeles; Walker Art Center, Minneapolis (2020); Kaaitheater, Bruselas ; Arsénico, Lausana; High Line Art, Nueva York; Performance Space, Nueva York (2019); OGR Turín (2018); Stedelijk, Ámsterdam ; TATE moderno, Londres; (2017). También ha sido presentada en festivales y bienales como la Ruhrtriennale, Bochum, Alemania; Tanzplattform, Alemania; Festival de Teatro Politik im Freien, Frankfurt (2022); Bienal de Liverpool (2021); el Festival Side Step, Helsinki; Bienal de Imágenes en Movimiento / Centre D’Art Contemporain, Ginebra; Festival de buceo, Tel Aviv (2018); American Realness, Nueva York; The Donaufestival, Krems, Austria y Julidans, Ámsterdam (2017). Recibió el Premio Tabori en la categoría de Distinción, un Premio de Becas de la Fundación para las Artes Contemporáneas y un Premio Bessie a la Producción Sobresaliente.

*Idioma: inglés sin sobretítulos.

Ficha artística:

Idea, dirección artística, coreografía y escenografía: Ligia Lewis.
En colaboración con los performers: Ligia Lewis, Jasper Marsalis, Jasmine Orpilla, Austyn Rich.
Performers en Europa: Corey Scott-Gilbert, Cassie Augusta Jørgensen y Damian Rebgetz.
Dramaturgia sonora, diseño y banda sonora: Slauson Malone, con extractos de S. McKenna.
Vestuario: Marta Martino.
Textos: Ligia Lewis, Ian Randolph, Shakespeare e Ian McKellen sobre Shakespeare.
Canción: Guillaume de Machaut, Complainte: Tels rit au main qui au soir pleure (Le remède de Fortune), ca. 1340s.
Pelucas: Gabrielle Curebal.
Técnico de iluminación: Joseph Wegmann.
Producción y administración: Sina Kießling.
Producción y distribución: Nicole Schuchardt.
Asistente de producción en gira: Julia Leonhardt.
Encargado y producido por: Made in L.A. 2020 / Hammer Museum.
Made in L.A. 2020, una versión organizada por el Museo Hammer en asociación con la Biblioteca Huntington, el Museo de Arte y Jardines botánicos.
Con los apoyos de: Human Resources, Los Angeles y del Fondo de Coproducción de Danza NATIONALES PERFORMANCE NETZ, financiado por el Comisionado de Cultura y Medios del Gobierno Federal Alemán.

Jornadas Eremuak 2022

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27-10-2022

Encuentro

Viernes 28 y sábado 29 de octubre de 2022, en la sala Z de Tabakalera.

Invitados-as: Basilika, Clara Elizondo, Claudia Rebeca Lorenzo, Gabriele Muguruza, Gu , Guillermo Orjales, Halfhouse, Iñaki Imaz, Irantzu Yaldebere, Itziar Bilbao Urrutia, Laida Lertxundi, Mikel Ruiz Pejenaute, Miren Candina, Nazario Díaz, Raúl Dominguez, Santiago F Moysterín.

Programa de las jornadas: https://eremuak.eus/web/wp-content/uploads/2022/10/Folleto22.pdf.

Este año las Jornadas están ideadas como un espacio de relación y convivencia con Hamahiru, tercera edición de la exposición colectiva eremuak que, con carácter cuatrienal, tiene como objetivo «tomar el pulso» al contexto artístico más cercano y que se celebra en Tabakalera entre octubre y diciembre de 2022. Así, entre los participantes en las Jornadas están algunos artistas pertenecientes a la exposición, complementados por otras invitadas que apuntarán a diferentes aspectos que se sitúan «fuera» de la exposición, pero que son importantes para entender el contexto más amplio donde esta se inserta. Asimismo, las Jornadas sirven de presentación de algunos de los proyectos apoyados a través de eremuak en el último año.