— MuroTRON

Sofía Montenegro – Del 27.10 al 30.12 en Can Felipa

La pràctica artística de Sofia se centra a investigar maneres de produir imatges en el pensament, incorporant diverses metodologies que vinculen allò visual amb allò sonor i l’acció en un espai. A ‘Ya ha salido el sol’ revela una mirada contemplativa de la sala de Can Felipa entrellaçant diverses capes de so, contorns i llums. La mostra registra l’interstici que té lloc entre el crepuscle i la penombra.

*Hora recomanada de visita: abans de les 18.00 h

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De Ángela Millano y Julián Pacomio – 29 de octubre en DT Espacio Escénico

Point para la fantasía son dos paseos acompañados por Julián Pacomio y Ángela Millano, y que versan sobre la imaginación, la imitación y la memoria. En ellos nos preguntamos por las capacidades y posibilidades de los cuerpos para escribir nuevas historias a través de un continuo proceso de apropiarse, rehacer, olvidar y recordar.

Más información y entradas: https://dtespacioescenico.com/temporada-2021-2022/point-para-la-fantasia/.

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Con Santiago Latorre, Pablo Marte, Antonio Moreno, ãssia, La Chachi y Lola Dolores y Discosexo. 

Wadi es un festival de artes que se centra en el cuerpo, la voz, el sonido en el centro histórico de Córdoba. A través de un extenso paseo que se inicia por la tarde y termina en la noche, seis artistas nacionales e internacionales propondrán otros futuros imaginarios; activando las vibraciones del espíritu a través de historias íntimas y experiencias compartidas que se encuentran dentro de la historia de la ciudad. A lo largo de una jornada de performances site specific, Córdoba se convierte en un cauce (oued, wadi) que se llena del agua que sudan nuestros cuerpos, el agua que corre bajo la tierra y bajo el asfalto, la saliva con la que construimos nuestras historias de vida.

Más información y programa completo: https://www.platalugar.org/sobre-wadi.

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Monte Isla – Del 23 al 26 de novembre al Centre de les arts lliures

No sabem del cert què és el que va passar aquí. El fet és que ja no queda cap rastre de la vida que coneixem, només esquelets soterrats en el passat que van desapareixent a poc a poc en el paisatge. Aquest espectacle és sobre un lloc a milers d’anys d’avui: sorra blanca, serralades pelades i albades estranyes… Descobrirem tots els racons d’aquest futur silenciós com observadors impossibles de la nostra pròpia absència. Aquesta és l’oportunitat de poder mirar a través de la finestra de l’última utopia: la bellesa radical d’un paisatge solitari. Benvingut al lloc on la realitat sembla un somni i l’estranyesa és familiar.

CONTEXTUALITZEM LA CREACIÓ
Allí donde no estamos sorgeix a través d’una recerca escènica basada en l’absència dels cossos humans. El dispositiu escènic de la peça en un teatre a escala reduïda que funciona com un titella. Dins de l’espai escènic hi ha una maqueta d’un desert blanc, com si fossin les restes d’una civilització extingida. Aquesta petita escenografia és activada per tot el dispositiu tècnic del teatre, que sembla estar “viu”: les bambolines, les llums, els telons i fins i tot les parets del teatre transformen aquest paisatge. El dispositiu el completen uns auriculars a través dels quals es crea una experiència íntima. Aquesta experiència vol crear un vincle fort entre subjecte d’observació i l’objecte observat. La percepció sensitiva de l’espectador és l’engranatge que afina la composició a partir de l’exercici de la imaginació, omplint els paisatges amb la presència de la seva mirada: les ruïnes d’una civilització, un vaixell abandonat en el desert, un ball de telons, unes serralades silencioses o una cova que canvia de color. El viatge que es proposa a Allí donde no estamos és una experiència plàstica i sonora que radica en la profunditat d’una imatge complexa, amb contrastos visuals profunds i radicals. L’objectiu és oferir a l’espectador la possibilitat d’observar la bellesa d’un món post-apocalíptic sense cap nostàlgia, com un paisatge que contemplem una bona estona des d’un mirador. El caràcter de la peça està pensat més enllà de tot allò humà: l’expressivitat de les forces de la naturalesa, el temps absolut, els colors impossibles, la música del no-res…

Més informació i entrades: https://www.fundaciojoanbrossa.cat/arxiu-arts-en-viu/alli-donde-no-estamos/.

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Sábado 29 de octubre a las 13h en La Casa Encendida

Estreno en Madrid de esta performance que investiga la relación entre el cuerpo y la voz, así como nuevas formas de interacción entre ambas. Con la idea de “la identidad como proceso” de fondo, We are (t)here presenta un cuerpo atrapado entre dos dinámicas que evolucionan en direcciones opuestas, donde la voz y el movimiento viajan en sentido contrario, creando un cuerpo en tensión; un sujeto en conflicto con su identidad. Un lenguaje escénico que conjura nuevos horizontes semánticos.

La voz y el cuerpo de los cuatro intérpretes se mueven generando imágenes poéticas, composiciones acústicas y experimentaciones sonoras y coreográficas que posibilitan el descubrimiento del espacio y de las relaciones humanas a través de la voz y el movimiento, construyendo significado alrededor de la identidad colectiva.

Aurora Bauzà & Pere Jou son creadoras, compositoras e intérpretes en artes escénicas. El objeto central de su investigación es la voz humana y su relación con el cuerpo, el movimiento y el espacio. Su trabajo escénico está influenciado por su formación musical clásica (ambos son licenciados en música), así como por la obra de artistas como Alessandro Sciarroni, que les asesora en la dramaturgia. El año 2020 estrenaron en el Festival GREC de Barcelona su primera pieza escénica I am (t)here, cuya investigación sobre voz y cuerpo sentó las bases para su posterior pieza, We are (t)here, estrenada el año siguiente en el Festival TNT de Terrassa. También de 2021 es la pieza comunitaria Aquí | No allá, que explora la identidad, la vulnerabilidad y el empoderamiento a través de un trabajo vocal con no profesionales. En marzo de 2023 estrenarán su nueva creación escénica en L’Auditori de Barcelona.

Ficha artística:

  • Creación: Aurora Bauzà & Pere Jou
  • Interpretación: Lara Brown, Elisa Keisanen, Aurora Bauzà y Pere Jou
  • Asesoramiento dramatúrgico: Alessandro Sciarroni
  • Vestuario: Mariona Signes
  • Producción y distribución: Ariadna Miquel
  • Fotografía: Alessia Bombaci
  • Apoyos: Festival TNT Terrassa. Graner Centre de Creació. L’Estruch de Sabadell. Institut d’Estudis Baleàrics Generalitat de Catalunya

Más información y entradas: https://www.lacasaencendida.es/escenicas/we-are-there-aurora-bauza-pere-jou-13988

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Sábado 22 y domingo 23 de octubre en La Mutant

Hammamturgia genera y capta el flujo de los cuerpos y las cosas en el espacio, una sucesión que no explica nada, sino que propone y activa transformaciones, una obra coreográfica en definitiva, que trabaja con el espacio y el tiempo.

Entendemos la hammamturgia como lo otro de la dramaturgia. La dramaturgia sería así la acción de crear, componer e interpretar una obra. La hammamturgia, en cambio, remite a una relación con las condiciones atmosféricas que producen la transformación de la forma/obra, el paso a dar es estar dentro, atravesando, ser lo que nos mueve y no vemos.

Si la dramaturgia está relacionada con el contar, y se le atribuye en consecuencia un autor (el dramaturgo, el que cuenta y crea el drama), la hammamturgia, por su parte, se vincula con el suceder, y no necesitaría entonces un dramaturgo que prescriba unas acciones. Aceptaría, quizá, unos procuradores que atienden y actúan en relación a unas determinadas condiciones ambientales. Por eso decimos que la hammamturgia es lo que ocurre —o lo que opera el cambio.

El espacio mismo se está construyendo y/o transformando durante la acción, a la vista de los espectadores.
Este espacio no es más que un ambiente compartido. Un ambiente en el que no se distingue un fuera de un adentro. Es sólo una membrana, en la que respiramos (y vivimos, al menos durante este tiempo) juntos.

Cuestionamos la idea de que uno puede estar en un “afuera”, donde puede ser  un simple observador neutral. Siempre estamos en un ambiente compartido: somos ambiente, el ambiente también es nosotros.

La forma que este hecho adquiere en Hammamturgia es hacer ambiente, en el ambiente y con el ambiente. De alguna forma hacemos la casa desde dentro transformando poco a poco, suavemente, el lugar al que hemos llegado —y al que llamamos teatro— en otro sitio. Lo transformamos y hacemos visible esta transformación. No se trata de hacer de principio a fin un ambiente, sino hacer algo con las condiciones que lo constituyen.

 

Más información: Notas que patinan #122: Hammamturgia

Entradas: https://lamutant.taquillaunica.es/Eventos/VerEvento.aspx?idEvento=269

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Rodeo es un ciclo dedicado a la performance que inicia andadura en busca de ofrecer nuevas direcciones en la experiencia y el conocimiento de esta práctica. En su primera edición, comisariada por Aimar Arriola, Rodeo se compone de seis performances de los artistas y colectivos Itziar Okariz, Carlos María Romero, Discoteca Flaming Star, Costa Badia, Dora García, y Marc Vives.

Itziar Okariz. Diario de sueños (El cuaderno beige)
Viernes 21 de octubre 2022, 19:00 h.

Carlos María Romero. Muy Serio (Football T-shirt)
Viernes 2 de diciembre 2022, 19:00 h.

Discoteca Flaming Star. One, Two, Free, For (Hospital(y)tis)
Viernes 10 de febrero 2023, 19:00 h.

Costa Badía. Cenicienta
Viernes 17 de marzo 2023, 19:00 h.

Dora García. Real artists don’t have teeth [Los artistas de verdad no tienen dientes]
Viernes 26 de mayo 2023, 19:00 h.

Marc Vives. La fiesta (el concierto)
Viernes 9 de junio 2023, 19:00 h.

Lugar: Hall del MUSAC

*Actividad gratuita. Entrada libre hasta completar el aforo

Más información: https://musac.es/#programacion/programa/rodeo-ciclo-de-performance-aimar-arriola.

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Del 21 al 30 de octubre en diferentes lugares de Madrid

Más información y programa completo: https://seminarioeuraca.wordpress.com/programa12/.

“Hace un año que lincharon a Samuel Luiz en A Coruña y el Seminario Euraca se decidió a arrancar con un programa DOCE que, muy microscópicamente, le hiciera justicia, pensando en este acontecimiento como lo que es: una señal de la reacción en curso a los derechos y visibilidades conseguidos por las luchas lgtbq / feministas en los últimos años, y como una marca de la constante violencia que los cuerpos no normativos han sufrido en las calles del patriarcado. Pero los tiempos de nuestro seminario son tan lentos que ya ha pasado un año de trabajo hacia adentro para la organización del programa y otras cientos de señales más han venido a avisarnos de la ola de venganza y ultraredisciplinamiento de los cuerpos no blancos no cis no heteros que los masters del universo y los incels de las cloacas perciben como amenaza a su poder decadente, podrido, destructor. La insoportable masacre de jóvenes en la valla de Melilla, no muy diferente de la que a diario se hace en las fronteras de Europa, pero particularmente utilizada como celebración de un pacto de sangre entre España y Marruecos para continuar resolviendo bien la división del mundo entre blancos y no blancxs, entre trabajadorxs con derechos y trabajadorx sin derechos, entre cuerpos cuya vida importa y cuya vida no. La derogación del derecho al aborto en Estados Unidos para parar la ola de revueltas de las siervas de la reproducción que cada hombre ha tenido a su disposición a lo largo de los siglos, cuya fuerza internacionalista ha puesto en tensión la división del mundo entre el género que domina y el dominado, los trabajadores que producen mercancías por un salario y las trabajadoras que reproducen la fuerza de trabajo sin remuneración, la propia división del mundo en doses. No hay -no puede haber- igualdad mientras siga habiendo personas segregadas, violentadas, invisibilizadas y desposeídas de papeles, derechos, techo y sustento; sociedades que toleren una parte de la homosexualidad integrada pero masacren y niguen derechos a personas migrantes (como dijo Renate Costa en esta entrevista, min. 7.30)).

Porque si incluso algunas de las que esto escribimos en tan solo una vida hemos asistido a un 8M chiquito y a un 8M masivo y a una derechización fatal de una parte del feminismo, a una subcultura queer under y a una toma del mainstream por algunos de sus gestos, a la Veneno en prime time y al secretismo gay en todos los pueblos y ciudades a no ser las grandes, al Ya es ley de Argentina y la derogación del aborto en los US, a la cultura del 15M y a la de Vox, qué no habrá pasado en los más de 150 años que el feminismo lleva abriendo y ensanchando la grieta en el patriarcado capitalista, un cambio de la vida de lxs de abajo inimaginable segundos antes de suceder. No solo el derecho al aborto que las «petroleras» (con quienes abrimos en enero de 022 este programa) ni podían siquiera imaginar estando como estaban en los márgenes de la Comuna revolucionaria, sino el propio derecho a la Existencia, y sobre todo, el derecho a la Imaginación: que lo que hacemos y somos se vea, cuente, conforme imaginarios; y que otra forma de lo que somos se haga posible en el mundo. Inimaginable para Whitman la vida de Lorca, para Lorca la de Spicer, para Spicer la de Lemebel, para Lemebel la de Ioshua y, no obstante, unos a otros se contienen en el sueño que el deseo va abriendo con el cuerpo valiente que pusieron en sus escrituras. Un poco más próximas en el tiempo las vidas de Luz Pichel, Rita Indiana, Dalia Rosetti y Andrea Abreu trazan un mapa del sueño todavía más amplio en latitudes (Galicia > República Dominicana > Argentina > Canarias), imaginarios e imaginaciones por venir de parte de las chicas y chiques, de las ninias y adolescentes y ancianas, de las amigas para siempre, de las bolleras y bi y butch con y sin bulto seguro inimaginables para Gertrude Stein o Gloria Fuertes que las precedieron.

Y es a esta escala, y es por abajo y por afuera de las divisiones por arriba y por el centro, y es a esta invención de las genealogías y convivencia de tiempos, y es a esta historia de cambios a veces en avanzada y a veces en retroceso pero siempre con efectos en los cuerpos de las othras (Sayak Valencia) a la que queremos remitir. Y es a esta fuerza imparable a la que queremos afirmar como propuesta contra (y no como reacción a) la reacción en curso, aunque ahora no esté de moda proponer sino solo destruir: la era feminista sigue viva y está abierta.

No hay un sujeto del feminismo, la feminista es el sujeto 

La era feminista va generando un sujeto que no cumple con lo que estaba previsto para ser dentro del patriarcado cada vez en cada uno de sus periodos. Tan imprevisto como para que unos filólogos del siglo XIX encuentren una cantiga de una amiga a una amiga hecha en el siglo XIII y se vean obligados a cambiarle el género, incapaces de dejar existir en el pasado lo que no quieren que sea en el presente ni de imaginar para el futuro lo que podría ser si lo dejáramos pasar. Por suerte la escritura dejó un rastro suficiente para que otras lectoras del futuro podamos releer desde otra era, reestableciendo la señal entre los tiempos. Porque por suerte la escritura no consiste solo en quién era quien la hizo sino en cómo hizo lo quizo quien la hizo: un artefacto de lenguaje que nos posibilita ser otrx que el previsto: trans-cender de la realidad cis a mundo algo mejor para todxs en tanto seres vivxs, tal y como describe Fernanda Laguna en una entrevista con Martín Baigorria en el Flasherito: «[…] cuando uno escribe […] uno posee otro tipo de movimientos. La tristeza en el mundo real es algo que te hace sufrir, es un abismo. Pero la tristeza cuando está en manos del poeta […] pasa a ser algo dulce o bello. Y entonces las sensaciones que podemos tener frente al mismo estado de tristeza se vuelven otra cosa con la poesía. Yo a eso lo llamo  la “realidad cis” ‒la tristeza con el dolor tal cual se percibe‒ y la “realidad trans” es la realidad del poeta, transmutada, donde la tristeza se puede volver algo bellísimo y puede hacer sentir una sensación totalmente diferente. Y así con todo: podés tener un corte de luz en tu casa y si escribís se puede convertir en estrellas o en un montón de cosas más. Esa es la “realidad trans”, transmutada».

No hay un sujeto del feminismo, la feminista es el sujeto, y su era va sucediéndose a través de diferentes momentos de lucha en los que ese sujeto se va condensando en cuerpos históricos concretos (comuneras, bolleras, trans, maricas, bi…), fundamentalmente caracterizados por su desnaturalización de lo que unos segundos antes suponía ser una mujer/femenino/afeminado/cativa en la sociedad patriarcal, y por su desidentificación de lo asignado, por su no ser hombre, o su serlo mal. Y estos momentos concretos del cuerpo feminista van abriendo las posibilidades no solo de tener derechos sino de Existir e Imaginar mediante, por un lado, unas vidas tan valientes como fue la de de Pedro Lemebel, cuyas solas presencias = gestualidades y lenguajes de por sí desobedientes de la norma social afirman cotidiana y políticamente que otras vidas, más vividas y más vívidas son posibles, que es posible ser en este mundo; y mediante, por  otro lado, unos textos como Tengo miedo, torero donde esas vidas se vuelven imaginario y sueño para quienes las leemos. Así que la propuesta de viaje número DOCE del Seminario Euraca consiste en ir a unos poquitos (cinco) de los cientos de momentos de la lucha feminista, de las comuneras del XIX a los maricas del XX a las ninias y bolleras del XXI y un flashbck-flashforward al siglo XIII, de la homosexualidad a la homofobia, del deseo a la potencia, de la potencia a la violencia,  a través de (mayormente) novelas tan exuberantes, hermosas y emocionantes como PapiPanza de burro o Dame pelota, y poemas tan power como la Oda a Walt Whitman o el de la risa de cativa de Luz Pichel. Creemos que no solo por «ser mujeres» «ser bolleras» «ser maricas» las autoras sino por ser el feminismo un nuevo paradigma está cambiando la literatura que se hace y que nos gusta. Una textualidad a la que cabe más el cuerpo, el sexo y el desliz de todo tipo, formal e informal, no tan pesadamente psicologista ni familiriasta sino al revés, esto es, más bien, la confusión, el caos, la trama trepidante, la ya clásica promiscuidad, la ya clásica vitalidad voraz, el ya clásico enamoriscamiento permanente, la ya clásica sensualidad a mansalva de las desviadas… o el deseo, mi amor, el deseo… de leer, de escribir, de vivir, de que salga un verano para siempre. Y de, por primera vez en Euraca, explorar un nuevo género (literario): la Novela”.

«yo soy una más de lxs que estamos aquí»
(María del Monte)

«yo soy una más de ustedes»
(Isabel Pantoja)

«mariquita no, maricón que suena a bóveda»
(Miguel de Molina)

«quién no se ha dado un pipazo con una buena amiga»
(Lola)

«si quieres conmigo, guapo, tendrás que amariconarte»
(Lynn da Quebrada)

1939, acusado de beber semen en cálices, el reo replicó:
«yo eso lo he bebido siempre directamente de la fuente»
(Álvaro Retana)

«queremos todo gratis, todo homosexual»
(se canta en Chile, en las manis)

«todo gratis, todo gay»
(rey feliz)

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Del 20 de octubre al 26 de febrero en el MACBA

María Teresa Hincapié. Si este fuera un principio de infinito es la primera exposición dedicada a la práctica de María Teresa Hincapié (1954–2008), artista colombiana especializada en lo que podríamos llamar «la poética de lo doméstico» en la performance, transformando acciones rutinarias en actos simbólicos para crear así una metodología en su práctica. María Teresa Hincapié tenía una definición particular de lo performativo, que ella solía llamar «entrenamiento». Lejos de cualquier categorización específica, su práctica oscilaba entre vida, creación en movimiento y una búsqueda de lo místico.

La exposición revela la importancia de la comprensión de María Teresa Hincapié sobre la creación artística donde lo efímero y la mutabilidad son necesarios para una «búsqueda de lo sagrado». Utilizando el potencial del afecto como mecanismo de interacción con la artista fallecida, la muestra reivindica la interacción colectiva como productora de conocimiento y   vehículo imperativo de transmisión.

En 1990 María Teresa Hincapié (1954-2008) recibió el Primer Premio en el XXXIII Salón Nacional de Artistas Plásticos de Colombia por su performance de larga duración Una cosa es una cosa; era la primera vez que se otorgaba este premio a una obra efímera, no objetual y a una mujer. La acción consistió en colocar todas las cosas que la artista poseía en su casa en el espacio expositivo; a lo largo de varias semanas y durante ocho horas diarias continuas, se dedicó a crear una danza con su cuerpo mientras reorganizaba los diferentes elementos según criterios cambiantes. Recibió nuevamente esta distinción en 1996 con Divina Proporción, obra performativa en la que permaneció varios días viviendo en el espacio expositivo mientras caminaba muy lentamente y sembraba y regaba la hierba y la tierra sobre el suelo de hormigón.

Hincapié nació en Armenia, Colombia, y murió a los 54 años tras una larga enfermedad. Se convirtió en una figura clave en el desarrollo de la performance durante las décadas de 1980 y 1990 y fue una voz reflexiva que exploró las prácticas corporales. Inicialmente formada en teatro como miembro del grupo Acto Latino e influenciada por las ideas de Jerzy Grotowski (1933-1999) y el horizonte experimental que este director de teatro polaco había abierto en torno al concepto de «teatro pobre», así como por  las exploraciones de Eugenio Barba, Hincapié se interesó por una dramaturgia limpia y simple. A mediados de los ochenta, su práctica viró definitivamente hacia una mayor indagación de lo performativo, marcando un momento seminal en la génesis de las prácticas artísticas contemporáneas en Colombia. La exploración de la vida cotidiana y la transformación de acciones rutinarias en actos simbólicos crearon una metodología para su práctica. El arte se convirtió en la guía de su existencia, no solo proporcionando un marco para su creatividad sino también influyendo en su ética y comprensión de la política. En 1995 inició su ambicioso proyecto Hacia lo sagrado con una caminata desde Bogotá hasta San Agustín, en un viaje que duró veintiún días, durante los cuales combinó la experiencia de conocimiento sobre el país, su supervivencia y acciones rituales con un pensamiento místico que, a partir de ese momento, se convirtió en el núcleo fundamental de su poética.

Se plantean múltiples interrogantes cuando se intenta exponer la obra de María Teresa Hincapié en un museo con el propósito de dar a conocer la trascendencia de su práctica, y a la vista de una nueva concepción del cuerpo y su contexto en el ámbito de la performance. ¿Cómo visibilizarlo con documentos de archivo, fotografías, vídeos u obras sobre papel? Al querer incluir la fisicidad, el gesto, la quietud, el silencio, el movimiento y la presencia que emana de su obra, evitando al mismo tiempo un re-enactment –al que ella era completamente contraria–, la propuesta para la exposición María Teresa Hincapié. Si este fuera un principio de infinito en el Museo de Arte Moderno de Medellín (MAMM) y el MACBA Museu d’Art Contemporani de Barcelona, pasa por combinar nuevas voces inspiradas en la práctica de Hincapié.

Por lo tanto, en esta primera exposición dedicada al trabajo de la artista se presentará una vasta selección de sus obras: material de archivo procedente de performances, fotos, vídeos, documentación escrita, diapositivas, testimonios visuales, etc. También se incluirán las obras realizadas por José Alejandro Restrepo para ser interpretadas por Hincapié, así como tres proyectos encargados específicamente para la exposición que abren un imprescindible debate sobre el movimiento, los cuerpos y el legado cognitivo de una práctica en sí abocada a la transformación.  Los artistas y colectivos invitados a desarrollar una nueva obra que dialogue con el lenguaje performativo de María Teresa Hincapié son: María José Arjona (Colombia), Coco Fusco (Estados Unidos) y Mapa Teatro (Colombia), cuya praxis está íntimamente vinculada a la de la artista. Con el objetivo de establecer el potencial de afecto como mecanismo para interactuar con la artista fallecida, la intención subyacente sería reproducir una actitud que Hincapié secundó durante su vida y carrera artística y que está asociada a la idea de compartir y de crear comunidad. A finales de los noventa, adquirió unas tierras (La Fruta) en la Sierra Nevada de Santa Marta donde creó una residencia de artistas que llamó Aldea-escuela, un proyecto que mantuvo vivo hasta sus últimos días. Hincapié estaba convencida de que vivir en colectividad era un modo de producir conocimiento y un vehículo imperativo para la transmisión del mismo.

Más información y actividades relacionadas: https://www.macba.cat/es/exposiciones-actividades/exposiciones/maria-teresa-hincapie-si-este-fuera-principio-infinito.

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Fran Martínez y Elena Carvajal – 18 y 19 de octubre en Teatro Pradillo

Somaficción es un lugar aún por hacer, aún en proceso. Terra incógnita. Un lugar que germina de una profecía. De cuyas ramas crecen como intersecciones una serie de trayectorias que posibilitan los encuentros con otras entidades, activando la imaginación y generando otras comprensiones sobre las relaciones y los encuentros.
Puede ser una práctica, una reunión con amigxs, una performance. Nos situamos a medio camino entre la ficción narrativa y lo coreográfico, entre la mentira piadosa y un club de lectura secreto en una habitación de una ciudad cualquiera.

Más información y entradas: https://www.teatropradillo.com/somaficcion/.

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