Taller a cargo de Idoia Zabaleta

TALLER: ESTAR JUNTOS

A cargo de Idoia Zabaleta (País Vasco) en VALENCIA, 23-26 abril 2012.

CICLO FORMACIÓN EN CREACIÓN ESCÉNICA CONTEPORÁNEA “Cuerpo, Imagen e identidad” (Octubre 2011- Julio 2012)

En el marco del programa europeo “Islotes en red” (Culture Programme  2007-13) organizado por teatro de lo inestable (VLC), presentamos  una  actividad de formación en creación e investigación a través del  ciclo de talleres y seminarios: Cuerpo, imagen e identidad;   dirigido por Carolina Boluda (Cetae) y coordinado por Maribel Bayona (Inestable).

Dirigen los diferentes talleres y seminarios: Paz Rojo (Madrid), Idoia Zabaleta (País Vasco),  Antonio Tagliarini (Roma), Filipa Francisco (Lisboa) y Carolina Boluda (Valencia)

TALLER: ESTAR JUNTOS. A cargo de Idoia Zabaleta

“Este taller está dirigido hacia una idea sencilla y radical, de raíz, que consiste en estar juntos, sobrevivir juntos, aprender juntos.

Me interesa incidir y amplificar la idea de que en un taller se crea temporalmente una comunidad experimental”, se lidia con un  proceso abierto y cooperativo, se crea una forma de vida, un  mundo común donde los mecanismos de circulación de ideas se realiza de una forma rápida e intensiva, provocando rápidas  transformaciones.

Paralelamente  el desarrollo de una forma de vida requiere siempre del despliegue de una ficción. ¿Qué cosa estamos haciendo? ¿Qué hacemos cuando hacemos algo?, ¿cómo hacemos algo cuando hacemos algo?, ¿para qué y para quién hacemos algo cuando hacemos algo?

En relación a una serie de juegos, propondremos una serie de gestos, actos, imágenes que nos servirán como material común para ejercitar una serie de herramientas: enunciar, traducir, amplificar, destilar, reformular, transformar… El fin último de esta propuesta es la de atravesar juntos la escena, y aún en la diferencia, crear juntos con calidad, o sea con capacidad de ayudarnos a avanzar en la dirección que nos parece la mejor, para nuestro beneficio o el de otros”.

Idoia Zabaleta

Idoia Zabaleta: Coreógrafa y bióloga. En la Facultad de Biología (UPV-EHU) se especializó en ecosistemas y dinámica de poblaciones. Algunas de las ideas que recorren su obra mantienen relación con la ecología de los procesos de creación, los ritmos, las tensiones, las interrelaciones entre intérpretes, entre creadores, con el público, con el espacio de presentación, con el contexto en general, con la relación de identidades y los límites de los territorios.  Zabaleta estudia Nueva Danza e Improvisación en Barcelona, Florencia, Ámsterdam y Nueva York. En 1990 crea la Asociación de Danza y Lenguajes Corporales Moaré Danza, con sede en Vitoria-Gasteiz. Zabaleta colabora con la compañía Mal Pelo (Girona), dirigida por María Muñoz y Pep Ramis, en la creación de “La calle del Imaginero”, “La canción de Bernabé” y “Orache”. Desde el año 2000 co-produce y crea las piezas “La Puta Inocencia”, “Zeru Urdina”, “Gau bakar bat”, “El rato de José”, “Gata Sombra”, “Dueto”, “4 itinerarios y otras fotos” y “Piel”, “Fisura”, “Bicho” y “Royal Dance”.  Para ello ha colaborado con artistas de diversas disciplinas, así como teóricos y escritores, como KLEM, laboratorio de elecroacústica, Jaime Conde Salazar, Filipa Francisco, Antonio Tagliarini… estas colaboraciones han sido presentadas en diversos países del continente europeo y asiático.

Desde 2004 es invitada por el Centro de Creación L’animal a la esquena(Girona), para participar en diversos proyectos internacionales de encuentros entre coreógrafos de los países del mediterráneo, tales como “El viaje” y “Sites of Imagination”. En 2006 es invitada por la estructura Alkántara (Lisboa) para participar en el proyecto Encontros Inmediatos 05-06, desde donde es producida la pieza “Dueto” en colaboración con la coreógrafa portuguesa Filipa Francisco, trabajo que en 2009 es acogido por el proyecto “Menage a” para producir el Banquete BICHO. Es miembro de ARTEA, donde colabora con Isabel de Naverán en el desarrollo del proyecto Autonomía y  Complejidad. Co-dirige junto con  de Naverán e Igor de Quadra Dantza Kodeak, el aula de danza de la U.P.V Colabora en la publicación de los libros Zeru Urdina, 4 itinerarios y otras fotos y Bicho. Su trabajo ha podido verse en festivales y encuentros de ámbito internacional. Desde 2008, construye  gobierna junto con Juan González, el espacio de creación y residencias artísticas AZALA, en Lasierra (Araba)

FECHAS: 23-26 abril 2012

LUGAR: Espacio Inestable. C/de Aparisi y Guijarro nº7. 46003. Valencia.

HORARIO: 16:00 a 21:00 horas. Curso de un total de 20 horas.

PRECIO: 75 euros

INSCRIPCIONES: plazo abierto, hasta el 20 de abril, enviando nombre, DNI, profesión, teléfono de contacto   y curriculum vitae a correo@espacioinestable.com  (Se solicita CV con el fin de iniciar el conocimiento del grupo, en ningún caso con fines de selección)

ORIENTADO A   : bailarin*s, actores/actrices, creador*s, artistas y público en general interesado en la  creación escénica contemporánea.

 

 

Organiza: Teatro de lo inestable (Vlc). Colabora: CETAE (Vlc).

Contacto + info sobre contenidos : www.cetae.es (talleres y seminarios) Tfno:656662427

Organización e inscripciones:   correo@espacioinestable.com. Tfno: 665388000/ 963919550

 

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Taller a cargo de Paz Rojo

Taller: Lo que sea moviéndose así. A cargo de Paz Rojo (Madrid 26-29 febrero 2012)

En el marco del programa europeo “islotes en red” (Culture programme  2007-13) organizado por teatro de lo inestable (VLC), presentamos  una  actividad de formación en creación e investigación a través del  ciclo de talleres y seminarios: Cuerpo, imagen e identidad. Dirección del ciclo: Carolina Boluda (Cetae, VLC) Coordinación: Maribel Bayona (Inestable, VLC)

Participan dirigiendo los diferentes talleres y seminarios: Paz Rojo (Madrid), Idoia Zabaleta (País Vasco), Antonio Tagliarini (Roma), Filipa Francisco (Lisboa) y Carolina Boluda (Valencia)

“Lo que sea moviéndose así”

“Me gustaría re-visitar la noción de “improvisación” partiendo de la base de cómo culturalmente, dentro del contexto de la práctica coreográfica contemporánea la hemos entendido, sufrido, odiado, utilizado y disfrutado. La pregunta que sostiene esta investigación es: ¿qué significa “hoy improvisar” como gesto escénico, cuando históricamente “improvisar” empezó siendo una práctica emancipatoria y ha terminado siendo un instrumento para crear (un) lenguaje con el que identificarse y significar?, ¿podemos diferenciar “estilo” (entendiendo este como formas identitarias a la conquista de sistemas pre-existentes) de la “aventura” sensible de abrir el cuerpo?, ¿cómo sensibilizar al cuerpo para hacer de esa aventura una conquista de su propia vulnerabilidad? ¿Cómo desertar de los vicios interpretativos a favor de la experiencia interpelativa? ¿Cómo movernos desde y con lo que nos “inquieta”?, ¿podemos hacer del lenguaje corporal y coreográfico un arma sensibilizadora que deje libre de toda utilidad al movimiento?

Los lugares en el que ocurrirán todas estas preguntas serán el de la ocupación (en abierto); el
cuerpo (cualquiera); el tiempo (libre) y el espacio (actual-virtual).”

Paz Rojo.
Datos prácticos: “Lo que sea moviéndose así” 26-29 febrero 2012.
Lugar: Provisional Danza. C/Luis Feito 24 bajo. Madrid. (Parada metro Carabanchel)
Horario: 10 a 15 h. Curso de 20 horas de duración.
Precio: 75 euros
Inscripciones: plazo abierto hasta el 20 de febrero. Enviando nombre, DNI,
profesión, teléfono de contacto y CV a correo@espacioinestable.com
(Se solicita CV con el fin de iniciar el conocimiento del grupo, en ningún caso con fines de selección)
Teléfono consultas: 665388000/ 963919550
Orientado a: bailarin*s, actores/actrices, creador*s, artistas y público en general interesado en la creación escénica contemporánea.

Más info. PDF: http://www.cetae.es ( Talleres y seminarios) y http://www.espacioinestable.com (workshops)

Paz Rojo (Madrid, 1974) Graduada en creación coreográfica por la School for new dance development, Amsterdam (SNDO- 1996-2000). Desde 2000 crea coreografías como “It’s my ass you’ve been thinking about” (2000-2009); “This body doesn’t have a title yet” (2002-2003); “Basic Dance” junto al coreógrafo  Cristian Duarte (2004-2007) , “After Talk” junto a Ricardo Santana y dr. Kurogo (2008-2010) “ Lo que sea moviéndose así” (2011) etc.

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nuevos modos, nuevas estructuras

He tenido la oportunidad de asistir en Valencia a unas jornadas organizadas por AVED – asociación valenciana de empresas de danza- para reflexionar sobre los nuevos modos y estructuras de la danza.

Únicamente he podido asistir a la mesa de trabajo sobre agilidad y movilidad en la creación, cuyos ponentes eran Cristina Alonso, de la Fábrica de creación el Graner en Barcelona, Andrés Corchero de la compañía Rara Avis, Leo Santos del Centro Coreográfico de Valencia y José Luis Pérez Pont de la asociación valenciana de críticos de arte.

Desde los ponentes y la participación de los asistentes se ha intentado llevar a cabo un análisis de la situación de la danza a nivel nacional, haciendo hincapié en el contexto valenciano, en un momento en el que parece que el Festival VEO no tendrá continuidad.

No pretendo hacer una crónica de cómo ha ido la sesión sino destacar algunos puntos que considero importantes y que casi no se han tratado. Primero, quiero agradecer a Ana Extremiana –directora de AVED- el haber organizado estas jornadas, ya que considero extremadamente necesario sentarse para hablar, compartir experiencias, escuchar otras voces de diferentes lugares y reflexionar para buscar posibles soluciones.

Y a eso voy. No sólo debemos de plantear la situación en abstracto porque así nos podemos pasar toda una vida. Que el análisis acabe llevándonos a la afirmación de que tenemos que pensar nuevos modelos, nuevas formas de hacer y nuevas estructuras es –desde mi punto de vista- peligroso (por repetitivo) y poco útil.

De hecho tenemos una prueba clara de aquellos que defienden siempre que hay que definir qué es cultura. Típica intervención en cualquier debate cultural. Cuando en realidad lo importante no es definir cultura sino qué es o debe de ser objeto de las políticas culturales. Pero esto es otro tema muy interesante del que ahora no voy a hablar.

Volviendo a las jornadas. Efectivamente ni el modelo de subvenciones públicas que desde los felices años 90 las compañías están “disfrutando”, ni el binomio “artista-distribuidor” se sostienen en estos tiempos. Que debemos buscar otros modelos, queda claro – no hay más que ir a varios encuentros de este tipo para escucharlo docenas de veces. Pero, ¿cuáles?

Las subvenciones públicas están desapareciendo y tenemos una ley de mecenazgo que no incentiva a las empresas privadas a apostar por proyectos culturales. Así parece bastante claro que vamos hacia modelos autogestionados y autofinanciados, si queremos seguir trabajando en este campo.

Desde hace más de un año han nacido diferentes proyectos que se encargan de poner en contacto a creadores con mecenas e inversores y emprendedores. En Cataluña está Verkami y en Madrid, Lánzanos, aunque existen otras muchas, me limito a citar los proyectos más consolidados.

Tanto Verkami como Lánzanos son plataformas de crowdfunding, esto es, el llamado micro-mecenazgo o financiación colaborativa de una gran masa de gente (usuarios, fans, amigos, etc) que aportan una pequeña cantidad de dinero con el objetivo de hacer realidad un proyecto. Cada mecenas recibe un beneficio o un bien (no tiene por qué ser un objeto) dependiendo de la cantidad aportada.

En las web se puede ver que muchas de las propuestas están relacionadas con la creación o la cultura. Cada proyecto presentado tiene un límite de tiempo para conseguir la cantidad que necesita. Si no se consigue, ni se pierde ni se gana.

Claramente esto no es una solución al problema pero sí que se debería de tener en cuenta como una vía más. Actualmente en Barcelona hay gente que está trabajando para dar a conocer esta nueva forma de financiación a través de debates, cursos y encuentros, como por ejemplo: Rubén Martínez, Daniel Granados, Óscar Abril Ascaso, etc… todos ellos forman parte de la plataforma ZZZINC.

El crowdfunding consigue crear un sentimiento colectivo de unión entre los mecenas, los cuales viven experiencias que no se pueden comprar, algo muy valioso en un momento en el que la sociedad se rige por economías del objeto (una exposición, un musical, un algo que empiece, acabe y tenga visibilidad en los medios de comunicación).

Además crea un vínculo especial entre el creador y los mecenas, fans –que por otro lado y en el caso de las escénicas especialmente, son público fiel que va a la sala a ver la pieza. El simple hecho de participar de forma activa en el proceso de producción genera una satisfacción que va más allá del producto final.

Y todo esto lo quería plantear porque las artes escénicas se suelen sumar tarde – por falta de conocimiento o por escepticismo, o sinceramente no lo sé- a estas nuevas alternativas. Desde aquí quiero invitar a Ana Extremiana y en general a AVED que conozcan estas plataformas para las próximas jornadas invitar a aquellos profesionales que están trabajando en ello y así, ampliar el espacio de debate y presentar al sector otras formas de hacer.

De esos nuevos modos paso a las nuevas estructuras. Desde hace algún tiempo el modelo de compañía –con todos los problemas para poder sostener estructuras y equipos- empezaba a ser una crónica de una muerte anunciada y como vemos, la crisis del 2008 ha acelerado su proceso.

Creo que vamos hacia modelos en los que los creadores pueden trabajar de forma independiente y al mismo tiempo en colaboración, compartiendo conocimiento, conociendo otros lugares, trabajando en residencias o laboratorios y en definitiva, generando complicidades, colaboraciones entre iguales y creando así nuevas formas de hacer.

Las plataformas son “lugares” enriquecedores para desarrollar proyectos interdisciplinares, ya que sus miembros suelen tener perfiles diferentes pero intereses en común. Creo que se podría resumir con la frase Do it with others.

Por la misma razón que la estructura de compañía es difícilmente sostenible, el modelo de institución que trabaja desde ópticas jerárquicas también lo es. Las instituciones pueden crear espacios donde converjan diferentes disciplinas, donde los creadores, gestores y comisarios se contaminen unos de otros a través de sus prácticas, y  donde la investigación sea la base de cualquier proyecto cultural –desde esas mismas prácticas.

Considero que es más enriquecedor trabajar desde estructuras horizontales, transparentes y en colaboración –insisto, entre iguales- para abandonar definitivamente el modelo “Yo Creador – Tú Institución que va a financiar mi arte”. Con el nuevo paradigma, las jerarquías ya no son trendy.

Se están llevando a cabo encuentros para reflexionar sobre cómo colectivizar la cultura y cómo (re) pensar las formas contemporáneas de institucionalidad en el campo cultural. Actualmente, el CCCB –Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona- está trabajando con los profesionales de la escena catalana. Animo a que estos foros de debate se extiendan por el resto del país.

Un tema recurrente durante la mesa de trabajo ha sido los públicos de la danza. O mejor dicho, los no-públicos de la danza. O  mucho mejor dicho, la ansiedad que nos entra de los no-públicos de la danza. No dudamos de que este es un tema relacionado con la educación. Pero también quiero destacar que a corto plazo es un tema relacionado con la comunicación de los proyectos.

Es importante definir el público objetivo de cada proyecto para crear las estrategias de comunicación y definir las acciones que permitan llegar a ese segmento interesado de la población. Esto que parece tan obvio, se sigue sin practicar. La creación y consolidación de los diferentes públicos que tiene la danza y las artes en vivo en general es una tarea a largo plazo que no puede esperar más.

Un@ de l@s participantes ha llamado la atención sobre la necesidad de reflexionar sobre la relación basada en el trío: creador-gestor-espectador y no desde el binomio, creador-gestor. Conocer a los espectadores, escuchar qué tienen que decir, y pensar nuevas estrategias juntos es una tarea urgente que tanto creadores como gestores, comisarios, etc pueden llevar a cabo desde sus campos de acción.

Vivimos en la llamada sociedad del conocimiento en la que los consumidores – espectadores han dejado de ser pasivos. El espectador no va a una sala a mirar, escuchar y aprender –únicamente- porque ahora él también tiene la capacidad de aportar conocimiento, de enriquecer la pieza escénica, a sus creadores e incluso de influir en el espacio. El “prosumidor” produce y consume información, es decir, genera de forma activa contenidos al igual que los consume, motivo por el cual debe de ser tenido en cuenta.

No debemos vivir anclados en el pasado. La post-modernidad ha caducado y la participación, el “nosotros” y la libre circulación de información y conocimiento son las protagonistas de este siglo. Que la danza no se quede atrás. Que empiece a (re) pensarse desde estos “nuevos” lugares para no quedarse en el rincón del olvido.

Paola Marugán

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El arte de conectar

El próximo 7 de octubre, el Espacio de Arte Contemporáneo de Castellón inaugura una retrospectiva de la artista japonesa Atsuko Tanaka, posiblemente la muestra más completa que hasta ahora se ha podido ver en territorio español.

Atsuko Tanaka es una de las artistas  más innovadoras del histórico grupo Gutai, del cual la exposición muestra documentación de performances llevadas a cabo en la década de los cincuenta.

Gutai, grupo de artistas japoneses[1] interesados en el arte de acción, denuncian el capitalismo consumista de la sociedad japonesa después de la Segunda Guerra Mundial.

Los happenings realizados muestran agresividad, crispación y cierta violencia a través de la ruptura de objetos, acciones con humo, etc. Aunque no establecieron reglas, sus trabajos compartieron la idea de dar libertad de interpretación a los espectadores.

La exposición nos permite acercarnos a  la vanguardia histórica nipona, cuya influencia puede leerse tanto en  Fluxus, como  en Joseph Beuys, Wolf Vostell y los artistas del action- painting, ampliando el marco de referencias más allá de las vanguardias europeas y americanas.


[1] Jirō Yoshihara, Sadamasa Motonaga, Shozo Shimamoto, Saburō Murakami, Katsuō Shiraga, Seichi Sato, Akira Ganayama y Atsuko Tanaka.

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Estimada Paz, gracias por tu carta

Serie perfora(c) ciones, Carolina Boluda 2008

27  septiembre 2011

Estimada Paz:

Gracias por tu carta, que imagino que si la publicas  hoy en el blog de Sismo también era para nosot*s, los otr*s, los no coreograf*s que aún no hemos llegado a Sismo, gracias, siempre es un placer verte, escucharte aún por teléfono y leerte.

Con la “ x “ presente ya en el título de tu carta y del taller, entiendo un, llamémosle, punto de fuga, hacia procesos de desidentificación (en este caso concreto desidentificación  con los géneros, que puede ser el pensamiento de Beatriz Preciado un poco más allá de Butler).

Si nos saltamos “ la precariedad y el miedo”  (que podemos pensar con Renato Curcio, textos facilitados por Azala, o sea, Idoia Zabaleta que  también está en el proyecto  del ciclo en el que trabajamos) como dices, me he fijo en la  expresión “irrepresentabilidad”  , que podemos pensar con  Hans Belting; después leo “yo-marca”  y “potencia” y pienso en  Santiago López Petit   y pensando en  todo a la vez  pienso en  Badiou. Luego leo  “ dejando de lado los reflejos de la auto-gestión” y me lleva a Franco Ingrassia  (que eso lo tomé de los archivos de Matadero creo), la ausencia de lazos,  leo  “los nombres” … uhmm, los nombres…  pienso en  The Sweetest  sound de Alan Berliner (2001),  y pienso que tu carta es a los coreografxs, o sea, no era para mí y me he colado con esta coreografía mental  no tan caótica en realidad  y en Augé,  luego leo “coordinación difusa” …  que me lleva a contradicciones , a Zadeh, las matemáticas y la dificultad para auto-definirse  y para encontrar sentimientos de pertenencia aunque entiendo la voluntad de desjerarquizar,  pienso también  en ese ir del  “sí o no” al “más o menos” y la adolescencia. Recuerdo entonces nuestra conversación en una comida en el Sismo del año pasado cuando te contaba sobre mi hija de 13 años y a ti te parecía interesante lo de la adolescencia y de pronto me veía convertida en una figura de poder porque yo no podía más que sufrir con todo eso…  “yoes mutantes, nómadas e inaprensibles” dices… pienso en Idoia Zabaleta, pienso además  en  la película de Andrés Duque color perro que huye (2011) , leo  “comunidad de los sin poder”  otra vez López  Petit, Marina  Garcés, tal vez  antes Agambén.

Bueno, estas son las  referencias  que se me presentan en la mente cuando leo tu carta a los coreografxs , y esta carta (la  que escribo yo como destinataria ¿periférica?) es una manera de contar un proceso, el proceso de  crear el  seminario que inaugura el ciclo “ Cuerpo, imagen e identidad” , el seminario  en concreto se llama  “Cuerpo, imagen, identidad y representación”  que en la práctica es  ¿ Cuerpo, imagen, identidad y representación?  porque se propone problematizar todos esos conceptos .  Parto de  mi experiencia de vuestros trabajos ( de la que por supuesto no os responsabilizo) , me refiero a  los trabajos de los creadores  que vais a desarrollar los talleres del ciclo, y los discursos que creo construís con vuestras prácticas; creo que En lo que sea moviéndose así (2011) estaban muchos de estos asuntos aunque no todos, en cuanto a presencia estabas sola, había además el panóptico de Foucault y más ; y en  After talk estaba ya el vacío;  trato de inducir los conceptos  preexistentes que se manejan  y sus recombinaciones –propuestas , trato de ver qué de común y qué de diferente encuentro entre vosotr*s, los cuatro creadores que participáis  y con todo eso ¿ Porqué pienso en todo eso?… porque seguro se puede pensar en otras muchas cosas,  y con todo eso ¿ Cómo crear la situación en la que el proceso se presente a  l*s ( esta es la forma en la que yo  vengo  haciéndolo , una estellita superíndice,  lo aprendí de Jaime del Val) se presente a  l*s  participantes en el seminario de forma coherente… porque voy a llegar con un cuerpo de materiales y no otros… porque me van a dar más tiempo de palabra que a los demás ( a diferencia de en la asamblea de mi barrio)  seguramente porque me van a pagar y es mi trabajo preparar todo esto y me dan el tiempo para contarlo. Bueno, la cosa era que  una  persona de entre los 327 millones de europeos ( porque es un proyecto europeo pagado por el programa Cultura en plena debacle social) mira a 4 creadores que ha elegido ella,  recuerda los trabajos que ha visto, lee los textos que han escrito, incluidas las cartas, los textos que difunden , utiliza lo que llamo  “intuición asistida” que viene a ser : intuyo que esto va por aquí -a ver si cuando lo tenga todo lo pienso y me cuadra algo- si cuadra todo del todo es que lo he convertido en  más de lo mismo- si no cuadra algo- qué es lo que no cuadra-porqué- y qué ha (go)cemos con eso- (me ha salido “gocemos” del intento de fundir las primeras personas).

Tendría que haber empezado por las preguntas que nos planteamos pero ya estaban escritas antes en todas las dudas con  las que vivimos cada día ¿Quién soy yo? ¿Quién lo pregunta? ¿ En qué sostener el nosotr*s? y todas las resistencias a la fijación, desde el cuerpo, a través de la imagen, en la identidad y por la representación, ante el funcionamiento  de los mecanismos de poder que  actúan en nuestro campo, la creación escénica contemporánea.

Seguramente por esas preguntas compartidas trabajo con-a través de vosot*s en mi.

Hasta la semana que viene,

Un abrazo grande

Carolina Boluda

Post. Escribo muy frecuentemente  cartas a partir de lo que leo en la red, pero nunca las envío, al preguntarme por qué hoy sí, pienso que es  el formato “carta” lo que me ha dado el deseo de enviarla , no sé; seguramente es la propuesta de Room de este año  la que produce esto,  también que Paola  Marugán ahora está  colaborando con nosotr*s y pienso un poco más en poner algo en Teatrón que tenga que ver con el proceso de creación, y mi tarea hace que en este  caso, se trate de crear un encuentro de reflexión y lo cuente en una carta que envío  así  sin… pasarle el corrector , sin justificar los márgenes.

Aunque  parece obvio que tendría que haber publicado esta respuesta como respuesta en el blog de sismo, su contenido es sobre el proceso de creación del seminario  en el que estoy inmersa y del que participas, y porque cuando hacemos una cosa, a veces esperamos los resultados en un lugar y en un tiempo pero ocurren en otro lugar y/o en otro tiempo ¿no?

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CICLO “Cuerpo, imagen e identidad” (octubre 2011-Julio 2012)

En el marco del programa europeo “islotes en red” (Culture programme  2007-13) organizado por teatro de lo inestable (Valencia), presentamos  una  actividad de formación en creación e investigación a través del  ciclo de talleres y seminarios: Cuerpo, imagen e identidad.

Dirección del ciclo: CAROLINA BOLUDA (Cetae, Valencia)

Coordinación: MARIBEL BAYONA (Inestable, Valencia)

Participan dirigiendo los diferentes talleres y seminarios: Paz Rojo (Madrid), Idoia Zabaleta (País Vasco), Antonio Tagliarini (Roma), Filipa Francisco (Lisboa) y Carolina Boluda (Valencia)

EL CICLO SE PRESENTARÁ EL 3 DE OCTUBRE A LAS 9H. EN ESPACIO INESTABLE (ENTRADA LIBRE)

AVANCE INFORMACIÓN PRÁCTICA

1. Seminario Creación escénica contemporánea: cuerpo, imagen, identidad y representación.

A cargo de Carolina Boluda (Valencia)

Orientado a: intérpretes bailarin*s, actores/actrices, creador*s, artistas y público en general interesado en la  creación escénica contemporánea.

Objetivo general: encontrar herramientas teóricas y prácticas para investigar acerca de la compleja construcción de la identidad contemporánea, reflexionar acerca de las transformaciones que se han realizado en la configuración de la identidad individual y colectiva a partir de las transformaciones culturales y la nueva economía global. Conocer prácticas escénicas y visuales de referencia que han abierto líneas de investigación en la materia objeto del seminario.

Contenidos y perspectivas:

Miradas a partir de varias disciplinas: artes plásticas, escénicas, visuales, filosofía, ciencias sociales, estudios culturales, estudios sobre cine, estudios escénicos, etc. con el fin de  explorar las prácticas que se desarrollan en espacios de difícil definición tanto disciplinar como cultural. Desde esta premisa, abordaremos el conjunto de preguntas que suscita la construcción de las identidades contemporáneas y el pensamiento sobre la práctica escénica.

El mundo contemporáneo: poder, identidad y representación. Las máquinas identitarias de la modernidad , concepciones de identidad. Identidades “débiles” . Identidades y apropiación.

Cuerpo  e identidad. Prácticas: las “otredades”, retrato y auto-retrato escénicos. La autobiografía y el confesionalismo escénicos. Cuerpo e imagen corporal: el cuerpo en el campo expandido.

Género y cultura visual. Imaginario socio-sexual y prácticas disidentes.

Cuerpo y memoria. Cuerpo, huellas y reconstrucciones. Prácticas performativas, memoria y recuerdo. De la identidad en escena a la identidad de la escena.

De las identidades imaginadas  a las identidades difusas.  La pregunta por la identidad europea. Miradas críticas.

Identidad y sentido en la sociedad red. Identidades virtuales. Comunidades virtuales

Referencias: Michel Foucault, Zigmunt Bauman, Lotfi Asker Zadeh,  José Luis Brea, Santiago López Petit, Marina Garcés, Brian Holmes, Gilles Deleuze José Antonio Sánchez, Lois Keidan, Julia Kristeva, Artea, Giorgio Agamben, Paz Rojo Philippe Lejeune, Oscar Cornago, André Lepeky, Judith Butler, Beatriz Preciado, Jennyfer  Doyle, Gerald Siegmund, Marc  Augé, Manuel Castells , Julia Kristeva , Xavier Le Roy, Jerôme Bell, Janez Jansa, Ronald.F. Munro, Kira O´Reilly, Colectivo 96, Idoia Zabaleta, Antonio Tagliarini, Societat Doctor Alonso, Manuel Vason, Alan Berliner, Isaky Lacuesta etc.

Metodología: El seminario se configura como un espacio de encuentro, reflexión, debate y acción;   es  de carácter teórico-práctico  y está diseñado  desde metodologías activas.

El seminario está abierto a la realización de ponencias y comunicaciones de los participantes e incluye actividades como: visionado de imágenes, proyecciones de piezas relevantes para el tema  objeto de reflexión (danza, teatro, performance, cine documental, fotografía etc.) desarrollo de reglas de juego y realización de micro-piezas sin limitación de formato, realización de mapas-diagramas colectivos sin limitación de materiales y, opcionalmente, presentación de proyectos y  creación de espacios de intercambio de información.

Se propone una multiplicidad de perspectivas y enfoques, materiales y  actividades que permitan una lectura particular partiendo y conectando desde cualquier punto; transitando entre conceptos, lenguajes, ideas y acciones en función de las necesidades e intereses personales.

El seminario finalizará con una sesión  abierta en el que los participantes tendrán la oportunidad de poner en contacto sus propuestas personales con  el resto de los participantes, invitados, etc. y de que estos sean objeto de debate.

La participación en el  seminario  dará derecho a un certificado de asistencia y participación en su caso,  (asistencia a un mínimo del 80% de las sesiones de trabajo, participación a través de presentaciones en formato libre).

DURACIÓN: 20h.presenciales+15h. no presenciales.

FECHAS: 3, 4, 5 y 6 de octubre 2011.

HORARIO: de 9 h. a 14 -14.30h.

LUGAR: Espacio Inestable, C/  de Aparisi y Guijarro, nº 7.46003.Valencia.

INSCRIPCIONES, plazo abierto, hasta el 29 de septiembre. Enviando nombre, DNI, profesión, teléfono de contacto y Curriculum Vitae a: correo@espacioinestable.com (Se solicita CV con el fin de iniciar el conocimiento del grupo, en ningún caso con fines de selección)

Participan: Equipo Teresa Fradique (Lisboa), Carmen Werner (Provisional danza, Madrid) Nicole Meier (Carrot dancers, Dressden), Lara Guidetti , (Sanpapié , Milán), Inestable ( Valencia) de momento.

CONTACTO+INFO sobre contenidos: Carolina Boluda  http://cetae.weebly.com/talleres-y-seminarios.html carolinacetae@gmail.com , Tfono. 656 662 427

CONTACTO+INFO organización e inscripciones: Maribel Bayona correo@espacioinestable.com, Tfono 665388000

Carolina Boluda (Bruselas, 1966): http://cetae.weebly.com/quienes-somos.html

AVANCE PROGRAMA PRÓXIMAS ACTIVIDADES DEL CICLO “CUERPO, IMAGEN E IDENTIDAD”:

Talleres prácticos de creación e investigación para la generación de materiales escénicos articulados por investigaciones artísticas en torno al concepto de identidad contemporánea, Identidades colectivas, la identidad sin identidad. Un “yo” en continuidad, un nosotros: ¿en qué sostenerlo? Del cuerpo anárquico a las identidades inasibles. Identidad, cuerpo y memoria. Identidad de género.

2- WORKSHOP MADRID. Coreografía: un problema a practicar (26-29 febrero 2012)

A cargo de Paz Rojo (Madrid), Proyecto  “coreógrafxs”


Paz Rojo (Madrid, 1974) Graduada en creación coreográfica por la School for new dance development, Amsterdam (SNDO- 1996-2000). Desde 2000 crea coreografías como “It’s my ass you’ve been thinking about” (2000-2009); “This body doesn’t have a title yet” (2002-2003); “Basic Dance” junto al coreógrafo  Cristian Duarte (2004-2007) y “After Talk” junto a Ricardo Santana y dr. Kurogo (2008-2010) “ Lo que sea moviéndose así”(2011). En palabras de Paz Rojo: “En este encuentro me gustaría compartir diferentes prácticas con las qué  propongo re-visitar el concepto (y el problema) de la improvisación como condición abierta y en contacto con las circunstancias alrededor, las cuales nos hagan pensarnos en situación, encarnando ese maravilloso problema que es “nosotros”.

http://www.tea-tron.com/pazrojo/blog/

http://rusiahoy.com/articles/2011/08/15/el_cuerpo_de_paz_12754.html

http://www.apiecetogether.blogspot.com/

3-WORKSHOP  VALENCIA. sobre el cuerpo anárquico [cuerpo + jardín – perro] ( Finales de abril- principios de mayo 2012)

A cargo de Idoia Zabaleta (País Vasco)

Idoia Zabaleta es  coreógrafa licenciada en biología. Estudia principalmente improvisación y técnicas de nueva danza. Actualmente está ocupada con la creación de piezas escénicas que parten de temas tóxicos (banderas, himnos, canciones populares, leyendas identitarias…) para enfrentarlos, atravesarlos y revisar los niveles de tolerancia a dicha toxicidad. Le interesa la pedagogía, la formación mediante la práctica, las maneras de transmitir y compartir saberes, de experimentar en grupo y, sobre todo, la capacidad de estar juntos. Desde 2008 construye (literalmente) y gobierna junto con Juan González el espacio de creación AZALA, situado en el medio rural del País Vasco.

“(…) Ahora quisiera compartir con los participantes  diferentes vías para ahondar en las posibilidades que este cuerpo anárquico tiene para producir otras identidades indescifrables. Se trataría de crear conjuntamente una serie de imágenes (acciones + cuerpos) que saboteen su  sentido, que estén al acecho de su  definición y que sin embargo anuncien el peligro y la tensión violenta de lo no-significante (in-significante). Lo que trato de entender como “imágenes en peligro”.

http://www.azala.es/es/

http://arte-a.org/node/124

4-WORKSHOP LISBOA. El cuerpo de la memoria ( del 11 al 14 de junio 2012)

A cargo de Antonio Tagliarini (Roma)

Fernando Pessoa nel “livro do desassossego”, il libro dell’inquetudine, si osserva in una fotografia di gruppo, tutti in posa nell’ufficio dove da anni lavora: osserva le immagini dei colleghi: tutti sono esattamente ciò che sono, ne riconosce le caratteristiche somatiche e non solo, da quella immagine riesce a cogliere l’essenza di ciascuno di loro; solo lui stesso è tradito al proprio sguardo, solo lui stesso non riconosce l’immagine di se stesso: “ho patito la verità di vedermi lì, chi sono io per essere così…”Io, la mia identità, una debole soggettività.
Vivo l’incertezza: l’incertezza del mio corpo, della mia presenza, del mio stare in queso mondo, l’incertezza di tutto ciò che mi circonda.Non ho fondato una compagnia, non ho un gruppo, no. Sono un artista che ama lavorare in solitudine ma che spesso si apre all’incontro per collaborazioni, incursioni, viaggi artistici. Aperture necessarie e vivifiche. Artisti con cui ho lavorato e collaborato sono: Massimiliano Civica, Miguel Pereira , Raffaella Giordano, Fabrizio Arcuri, Daria Deflorian, Ambra Senatore, B.T.Jones, Marco Baliani, Giorgio Rossi.
Algunos de sus últimos trabajos: “Royal dance”(2010) con Idoya Zabaleta, FROM A TO D AND BACK AGAIN (2009) con Daria Deflorian.

Re-enactment se refiere a la posibilidad de apropiarse de un hecho o de un objeto histórico, de transformarlo y hacer un nuevo hecho u objeto. No es una cita, no es una recuperación ni la restauración de algo que pertenece al pasado sino una manera de reflexionar sobre la historia actuándola. El cuerpo de la memoria es un taller destinado a estudiar la estrategia de recreación. El punto de partida será un análisis crítico de una serie de obras fundamentales en la historia de la danza contemporánea. Este trabajo de tipo más teórico culminará un  trabajo práctico que permita a cada participante desarrollar un pequeño proyecto, donde se experimentará con la estrategia de recreación.

http://www.antoniotagliarini.com/

5-WORKSHOP MILAN Paseos (Última semana de  junio – primera de julio 2012)

A cargo de Filipa Francisco (Lisboa)

Filipa Francisco (Lisboa) Coreógrafa y performer. Estudió danza, improvisación, dramaturgia y psicología. Ha trabajado con Francisco Camacho, Vera Mantero, Silvia Real, Madalena Vitorino, Rui Nunes, Aldara Bizarro, Paula Castro, Bruno Cochat, Lucia Sigalho y João García Miguel. Miembro fundador con Bruno Cochat de la Cia. Torneira, con la que realiza Nu Meio, representada desde 1996. Realiza un trabajo de danza-teatro y site specific performance, tanto a nivel de presentación como de formación. De sus trabajos destaca Leitura de Listas, trabajo presentado en varios festivales en Portugal y en el extranjero. Desarrolla desde hace cuatro años un trabajo de creación con presos del Establecimento Prisional de Castelo Branco.

La temática del taller gira en torno a la memoria, la identidad, tradicional y contemporánea. La construcción de puentes entre los “mundos” reales y de ficción,  a partir de los recuerdos relacionados con lugares reales / imaginarios. El coreógrafo trabajará con los participantes, la investigación sobre los recuerdos contenidos en diarios, cartas, fotografías familiares, recuerdos de la ciudad en que viven los eventos (bailes, películas, etc.) De este material se va a trabajar el cuerpo, la voz y la creación de momentos performativos.

http://filipafrancisco.blogspot.com/

http://artesescenicas.uclm.es/index.php?sec=artis&id=253&PHPSESSID=1c453116f1970248994fc2fc6290feba

Los talleres y seminarios se impartirán durante 4 días con un total de 20h presenciales  cada uno y podrán realizarse conjuntamente o por separado. Existe la posibilidad de asistir a todo el ciclo (paquete conjunto con descuentos económicos para los alumnos, que incluye la gestión y organización de los mismos.

Más info.sobre el ciclo y talleres  próximamente


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Cuaderno de notas de vicente a. 4 de marzo del 2011 (sesión de la tarde)

AUTONOMÍA Y COMPLEJIDAD.

A cargo de Isabel de Naverán e Idoia Zabaleta.

¿Cuándo surge la danza contemporánea en el estado español? ¿Cuáles son los modos de producción? ¿Cómo han ido cambiando?

Cuál es la historia de la danza contemporánea que surge a partir del 1978 en España y qué es lo que la hace diferente de otros lugares?

Cómo podemos estar más cerca de los artistas y a la vez insertados en la universidad y propiciar un espacio de diálogo común.

¿cómo hacer partícipes a otros artistas dentro de un proyecto de investigación que parte de la universidad?

Atravesar el pensamiento a través de la práctica.

6 seminarios organizados en torno a la cuestión de la historia en la danza.

-SEMINARIO 1 . RECONSTRUCCIÓN: Janez Jansa. Eslovenia.

Proyectos de reconstrucción. (Re-enactment – Recreación / Reconstruction- Reconstrucción). Posición muy crítica sobre los procesos de reconstrucción de piezas.

Janez Jansa. “La historia no nos viene dada sino que se reconstruye.  Todo intento de historización implica ordenar los hechos de una manera determinada. En este sentido, la historia es algo que se construye. La diferencia entre reposición y reconstrucción es la siguiente: reponer significa exactamente poner de nuevo en escena algo que ya se ha hecho históricamente. La finalidad de una reposición es traer al presente un trabajo del pasado y hacerlo con la mayor fidelidad posible. “

La idea de falsificar documentación del pasado no era un simple divertimento sino una manera de repensar el pasado.

-SEMINARIO 2. Ausente pero susceptible de volver . Rabih Mroué

“En el teatro no nos incumben los horrores de la guerra y sus tristes imágenes. Otros intentan los excesivo problemas psicológicos que conducen el cuerpo a reacciones extremas y a intensas emociones. Lo que importa es la energía que la guerra creó en nosotros y la manera en que necesitamos redescubrirla, reutilizarla y controlarla. Recuperar el cuerpo marcado por la guerra, es la clave para construir un escenario saturado de sujetos críticos en el que el actor camina rígido y dispuesto.

El uso de la ficción que va más allá del cuestionamiento de la ficción.

-SEMINARIO 3. MONUMENT G2, G3… Janez Jansa.

Se invitó a Janez Jansa como una excusa para trabajar a partir de determinadas cuestiones que tienen que ver con la historia.

Situar MONUMENT G en los Encuentros de Pamplona como excusa de trabajo para comenzar.

El espacio Azala ha sido crucial para poder abordar la investigación desde el encuentro.

The swedish dance history de M.Spanberg

-SEMINARIO 5.  Myriam Van Imschoot.

Pensando el archivo.

www.sarma.be

-SEMINARIO 6.  SASA ASENTIC / ANA VUJANOVIC

¿Como un artista se puede relacionar con los referentes de la danza occidental sin copiarlos?

Una pieza, un taller (juegos metodológicos) y una conferencia.

Construir un diagrama o un mapa de la danza en el país vasco en los últimos 30 años. (Me parece un ejercicio que sería fantástico hacerlo en Valencia porque pone muchas cuestiones sobre la mesa). Quienes fueron y quienes son, qué tipos de espacio, qué consideramos la historia oficial de la danza,etc.

Proyectos irrealizados/irrealizables.

Hacer historia. Reflexiones desde la práctica de la danza.

Isabel de Naverán (ed.), Rabih Mroué, Ric Allsopp, Victoria Pérez, Ixiar Rozas, Janez Janså, Goran Sergej Pristås, Olga de Soto, Ana Vujanovic, Jaime Conde-Salazar, Noemi de Haro, Rebecca Schneider y Marten Spanberg.

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Leo Bassi en las jornadas

Varios proyectos en los que está trabajando Leo Bassi.

http://www.ppleaks.com/

El Belén de Lavapiés que realizó junto a numerosos colaboradores estas pasadas navidades.

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Cuaderno de notas de vicente a. 4 de marzo del 2011 (sesión de la mañana)

Experiencias Artísticas.

Título “LUGAR COMÚN”

A cargo de Idoia Zabaleta. (País Vasco) coreógrafa, co-fundadora del espacio de creación Azala. Participa en la creación de Moare Danza y L´animal a l’esquena.

Procesos de credibilidad a partir del lenguaje. Diferentes maneras de construir los discursos en unas personas y en otras.

¿Como están ustedes?

Estamos bien. Vivimos bien. Vivimos en la Europa, en la vieja Europa del S.XXI.

La simultaneidad de los espacios, los diferentes grupos que de manera simultanea están juntos alrededor de una actividad concreta.

Una idea: Sobrevivir juntos. Qué pasaría si ahora mismo este grupo se muriera junto.

En un principio quise llamarle a esta charla SUBIR MONTAÑAS y seguidamente Idoia nos canta una canción vasca que imagino que habla de subir montañas. Subir montañas lo relaciono con la política. Una montaña te da perspectiva, ves cómo te ven y ves cómo se ve. Una montaña se sube con los amigos, con gente, en colectivo. Vas al monte con otra gente.

Las palabras son una traición continua pero qué le vamos a hacer. Sigamos adelante.

Las contradicciones entre un cuerpo que se construye a partir de determinadas técnicas de danza y el cuerpo vivido que tiene una historia construida a partir del contexto social donde uno vive. La danza adolece de la presencia de este cuerpo más “personal”, de este cuerpo mas tuyo.

Una parte de sus trabajos en los que está investigando se llaman Fisuras, Esta “serie” parte de un deseo vital.  Se pregunta ¿dónde se produce la imagen? ¿dónde está la responsabilidad del artista a la hora de construir imágenes en un mundo que está saturado de imágenes? . Lugar de extrañeza. Imágenes en peligro. Hacer extraño lo famliar. Mover lo que somos como comunidad. Y tiene que ver con la distancia de la que hablaba ayer Óscar Cornago. La ironía. Producir el patetismo y qué  tiene que ver con la adherencia a las imágenes. Me tengo que pringar, atravesar mi propio ridículo.

Jugar con materiales tóxicos.

El trabajo no acaba cuando lo presento sino que continúa luego con el público en la confrontación dialéctica con el mismo.

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ARS AMATORIA

A cargo de Quim Pujol (Barcelona) Crítico y performer.

A partir de DECLARANDO AMOR de Aimar Pérez y Javier Vaquero.

Quim nos  lee un texto.

Habla de dos bailarines peleándose y reconciliándose continuamente.

Habla de querer hacer extraño lo familiar a partir de la neutralidad, la anulación de gestualidad.

A veces es difícil de explicar porque algo tiene valor. A veces hay algo que se entiende porque se entiende, es algo circular.

La relación que tenemos con el otro en una relación amorosa.

La obra se puede leer como “una metáfora sobre lo que es el arte”, como si fuera metateatro.

POLÍTICA AFECTIVA.

Cuando hablamos de Afecto, no nos referimos a amor.  Posibilidad de afectar y afectarte, traspaso del umbral, algo físico, tiene una relación directa con el cuerpo. (Spinoza). Tienes miedo porque te has echado a correr.  Un afecto es aquello que potencia o disminuye tu capacidad de acción

El arte puede aumentar o disminuir nuestra potencia de acción.

LLAMAME CUANDO TENGAS QUE SENTIR MI CARIÑO

Sobre la colaboración. Colectividad quieres decir colaboración . Bojana Cevik.

Sobre el nosotros. Sobre el bloqueo afectivo. Sobre la velocidad como una pérdida del intercambio.

Lo que se precisa es una reactivación de lo performativo en la política.

Arte y amor no son lo mismo pero los podemos hacer coincidir mediante una práctico político-artístico-amorosa.

¿Sería posible desencadenar una ola afectiva rescatando el pasado y proyectándonos al futuro hoy en día?

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Cuaderno de notas de vicente a. 3 de marzo del 2011 (sesión de la mañana)

Esta mañana hemos disfrutado con las charlas de Óscar Cornago y Fernando Renjifo.  Pensaba cómo hacer diferentes entradas en el blog para contaros qué estaba pasando y cuáles eran las principales ideas que se estaban exponiendo y discutiendo en este encuentro. Me debatía entre diferentes formas de organizar y  agrupar el material que fuera surgiendo y trazar un recorrido con más o menos sentido. Finalmente me ha parecido una buena idea y también la más fácil el ir dejando las notas que iba recogiendo tal cual las cogía casi a modo de cuaderno de notas.

Josep Lluís Sirera.

“En la ciudad de Valencia no hay muchos foros de reflexión si nos salimos de la Universidad.”

“Estamos hartos de ir a congresos donde lo único que hacemos es confirmar certezas. “

“Las enseñanzas artísticas tienen sentido si pueden compartir espacios de debate con físicos, matemáticos, etc.”

Carolina Boluda.

Nos refresca las principales ideas vertidas por los distintos participantes en las I JORNADAS celebradas en diciembre del 2009.

Preguntas lanzadas a los invitados en estas jornadas:

¿Cómo se está desarrollando la potencia política inherente a las artes escénicas?

¿Cómo se ha transformado la idea de lo político?

Cómo se entiende lo político en la escena hoy?

2.PARA ACABAR CON EL JUICIO DE LA HISTORIA

Óscar Cornago

Si esta charla la diese en otro sitio defendería cosas distintas.

Presenta su charla como una charla casi performativa.

Yo soy teórico y me gustan muchos los conceptos pero también los critico mucho. Pero los conceptos tienen también sus limitaciones porque no se proyectan más allá.

Esto va a ser como un juego sin pretensión de cambiar nada. Simplemente que funcione, que se sostenga por sí mismo. A lo mejor al final nos damos cuenta de que seguimos donde estábamos antes, pero hemos removido cosas.

Despliega las reglas y leyes que rigen una charla como la que nos encontramos.

Para hacer política hace falta distancia, y para hacer teatro también es necesaria la distancia. La distancia nos ayuda a ver de lejos y encontrar las diferencias (Jacques Ranciere).

1º Hipótesis:

Pensar en la posibilidad o en la necesidad de la DISTANCIA.

La posibilidad de abolir los límites en el fin de la política.

2ª Hipótesis:

SOBRE LA POSIBILIDAD DEL ARTE (NO TODO ES ARTE).

Afirmación del arte como una cosa distinta.

Arte y política son cosas radicalmente distintas. En la medida en que el arte sea más arte tiene la capacidad de convertirse en otra cosa y esa otra cosa si se radicaliza puede llegar a ser política.

La necesidad del arte de ser otra cosa y no solo arte.

Lo que hace que una escena sea creíble es creer en la “verdad” de la escena. Si el arte no te lo crees no va a funcionar.

3ª Hipótesis:

SOBRE LA POSIBILIDAD DE LA POLÍTICA (NO TODO ES POLÍTICA).

Necesitamos política para vivir bien. Si yo fuera igual a ti no haría falta política.

Política es conversar con quien no tengo ganas de conversar.

LA PROMESA DE LA POLÍTICA de Hanah Arendt.

La política está basada en la opinión. La opinión está siempre vinculada a una persona. Sin embargo la verdad está por encima de la historia. El derecho que tiene una persona a expresar el mundo, su mundo en público. Ver el mundo desde el punto de vista del otro es el tipo de conocimiento político por excelencia.

La idea de COMUNIDAD de Agamben.

La democracia (el arte) es una manera de estar expuesto al otro o lo otro (que es una manera de existir –en público-) a partir de una ausencia de fundamento que predetermine el efecto de esa exposición.

Jean-Luc Nancy.

4ª HIPÓTESIS

4. SOBRE LA POSIBILIDAD DE LA HISTORIA ( NO TODO ES HISTORIA).

La excepción a la regla en esta hipótesis sería que todo fuera una sola historia. Eso sería el infierno. Vivir en un lugar con una sola historia.

La dimensión trascendente del tener lugar hacia fuera. La necesidad de encontrarnos.  La importancia del encuentro.

LA INMANENCIA DEL ARTE FRENTE A LA PRAGMÁTICA DE LA POLÍTICA.

Jean Luc Nancy . El arte no debe tener finalidad. La política si tiene una finalidad.  La gratuidad del arte (Kant). No tienen más finalidad que ser arte. No está hecho para vender, ni para gustar, ni para despertar conciencias. Sin embargo, la política se mueve en el campo de la pragmática.

Jacques Ranciere defiende obras que se presentan abiertas al encuentro con el público. No están cerradas con una finalidad concreta. No hay fundamento previo en lo que va a ocurrir y se abre al espacio que pre-existe entre el espectador y el actor.

FERNANDO RENJIFO.

POÉTICA Y DISIDENCIA

La escena siempre ha sido lugar para la poética y la política. Cada vez me interesa menos la política explicita.

Me interesan los espacios pequeños individuales e interindividuales.

Lugares pequeños es un modo de nombrar los espacios de relación menos mediatizados.

Cada vez deposito más interés en lo que es más inútil, más improductivo. Esos son los tiempos y los espacios donde se desarrolla una íntima disidencia, menos expuestos de por sí a los cuestionamientos interesados de nuestra mirada. Espacios donde puedo encontrar mi propia singularidad irreductible y donde salir al encuentro de la singularidad irreductible de los demás. Entiendo el arte como una suerte de exilio.

El arte tiene que estar dispuesto a jugar a perder. Crear un espacio moral capaz de ridiculizar las reglas de juego.

En un mundo donde la rapidez es la eficacia, lo mejor que puede hacer el arte es regalarnos la capacidad de la contemplación.

Eliminar la comprensión de la palabra. Fomentar la ausencia. Vaciar el espacio. Y a la vez confiar en el espectador para atribuya valor por sí mismo a las palabras, a las imágenes y a los silencios.

CORNAGO, RENJIFO  Y TODOS LOS DEMÁS.

La necesidad de potenciar cierta incomodidad para que los espacios se renueven.

La alteridad en el campo artístico son esas otras maneras de hacer que quizás no tienen mucho que ver con uno pero que sin embargo al ponerse en el lugar de esas propuestas se enriquece la percepción del propio trabajo.

Para seguir aprendiendo hay que hacer cambios de mirada quizás drásticos.

Retórica del fracaso

¿Qué es el éxito y como se entiende ordinariamente?

Se puede jugar a perder.

Frases tontas:

-Hemos perdido pero nos hemos divertido.

- Si no puedes vencer al enemigo, confúndelo. Cantinflas.

UNA REAFIRMACIÓN DEL FRACASO para estar en tensión con el propio trabajo.

La necesidad de buscar la oscuridad para aprender, un espacio ambiguo, confuso para generar un movimiento.

No tener miedo del fracaso.

Carolina aporta: la palabra y el silencio posibilitan la conversación.

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