— MuroTRON

Antonio Fernández Lera/Magrinyana – Del 7 al 8 de noviembre en Teatro Ensalle 

1.1
Qué mierda de guión es éste.
A lo largo de una vida un corazón
se puede romper en mil pedazos muchas veces.
La muerte nunca llega tarde.
No empezar a llorar. No acabar de llorar nunca.
Todavía no he podido llorar, o apenas. Economizo las lágrimas. Pienso que así voy a vivir más. No sé qué pienso. No pienso nada. Pienso que si lloro poco voy a vivir más. No pienso. Pienso tonterías.
Vivir más gracias a las lágrimas. Gracias al reparto de las lágrimas. Cuantas más lágrimas mejor. Cuantos más años mejor.

1.2
Por fin podemos hablar.
Tanto tiempo esperando.
Me siento siempre tan inquieto, no lo puedo comprender, no lo comprendo.
Pero por qué, hombre, por qué, por qué siempre.
Cómo te van las cosas.
Me acabo de partir la crisma, cómo quieres que me vayan las cosas. Es una pregunta retórica, supongo.
Se me acaba de partir el alma. Cómo quieres que me vayan las cosas. Es una pregunta estúpida, si me permites que te lo diga. En una conversación normal no te lo diría, pero como esto no es una conversación normal, te lo digo.
SILENCIO
SILENCIO
SILENCIO
SILENCIO

El texto se ha publicado en la colección de La Garza Roja, nº 13: https://wp.me/paqFf8-bB

Ficha artística

Autor: Antonio Fernández Lera | Magrinyana. Creación escénica: Antonio Fernández Lera | Magrinyana con el actor Gonzalo Cunill y la violinista Elena Vázquez y con la acogida de Teatro Ensalle.

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5 de noviembre en La Mutant 

Mystery landlady: Del carrer ets l’ama! de María Tamarit es una pieza experimental movida por un deseo de ser ancestra, potencial para ser en un futuro, aprendiz de una sabiduría en peligro de extinción. Una apropiación de la tradición valenciana contada a través de un cuerpo con su propia historia y memoria. Una revisión de lo afectivo y relacional a través de la cultura popular.

En Escrituras fantasma de Javier Hedrosa se pretende poner en práctica la idea de que todas las danzas anteriores ya están actuando sobre las futuras aunque estas no se hayan producido todavía. Como diría Derrida, trabajaremos sobre lo que todavía no ha ocurrido actualmente, pero que ya es efectivo virtualmente.

¿Será que, cuando entro a un espacio vacío y me dispongo a danzar, no están ya actuando una serie de imágenes, recuerdos, fantasmas, técnicas y cuerpos ausentes, aunque yo no lo desee? ¿En este sentido, existe el lienzo en blanco? ¿No contiene toda coreografía una serie de pasos, de gestos o movimientos que pertenecen a un acervo colectivo y, por lo tanto, estarían fuera de todo dominio privado o autoral? Toda obra artística, coreografía, danza o escritura no emerge de la individualidad y la genialidad de un autor, sino de un entramado de relaciones ocultas que las envuelven y, en última instancia, de un hacer colectivo previo.

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Martín Flores Cárdenas – 31 de noviembre y 1 de diciembre en Réplika Teatro

Después de años sin verse, una actriz y un director de teatro deciden volver a trabajar juntos con una condición: dejar atrás los vicios que alguna vez distanciaron a uno del otro. La gravedad nos mantiene a todos conviviendo a la fuerza. No sólo a la infinita diversidad que reúne el ser humano sino también a los animales, centenares de especies, insectos, vegetación, organismos de cualquier tipo, seres microscópicos, todos condenados y amparados en su relación con lo que sea que es el otro. Una fuerza que amontona lo concreto y así lo abstracto, territorio que también se comparte, se invade y se conquista.

Obra nominada a los Premios Trinidad Guevara en la categoría Autor Nacional y a los Premios
Martín Fierro en la categoría Mejor Obra Off y Mejor Actriz Protagónica.

Martín Flores Cárdenas es director y dramaturgo. Sus textos han sido traducidos a distintos idiomas, estrenados y premiados en diferentes países de América y Europa. Entre sus trabajos más destacados se pueden nombrar “Catedral”, “Quienquiera que hubiera dormido en esta cama”, “Mujer armada hombre dormido”, “Entonces bailemos” y “Entonces la noche”. Fue dramaturgista de “Fuck me” y “Kill me“ de Marina Otero con quien co-escribió y co-dirige “Love me”. Además, el 2021 estrenó “No hay banda”, obra con la que continúa girando, y en 2023, “La fuerza de la gravedad“. Estos últimos tres espectáculos fueron todos creados y estrenados en Casa Teatro Estudio (Buenos Aires) sala que Martín programa y dirige junto al escenógrafo brasileño Ruslan Alastair Silva. Su última obra se llama “Al Oeste: capítulos I y II“ fue estrenada en el Teatro Sarmiento, perteneciente al Complejo Teatral de Buenos Aires.

Laura López Moyano es una de las actrices más brillantes de la escena porteña. Ha sido ganadora y nominada a varios premios a lo largo de casi treinta años de carrera. Ha trabajado junto a lxs directorxs argentinxs más destacadxs. Entre sus labores más recordados podemos nombrar “ala de criados” de Mauricio Kartun, “teatro para pájaros” de Daniel Veronese, “arde brillante en los bosques” de Mariano Pensotti, “acasusso y bizarra” de Rafael Spregelburd, “mujer armada hombre dormido y entonces bailemos” de Martín Flores Cárdenas, “budín inglés” de Mariana Chaud, “si el destino viene a mí” de Mariana Obersztern, “la escuálida familia” de Lola Arias y “schultzundbielerundsteger” de Matías Feldman.

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Taller Placer – 23 de octubre en la Sala de Cámara del Teatro Leal de La Laguna en Tenerife dentro de Danza en Breve programado por LAV-C

De todas las Colinas llegaban gritos es un proyecto de largo recorrido (2024-2026) a mitad camino entre Arte y Ciencia que trata de abordar aquello que está más allá de nuestra sensibilidad y de nuestra comprensión natural y adquirida y que busca reestablecer y reinventar nuestra relación con el cosmos. Queremos comprender el cielo con la ayuda de los sistemas de leyes que pertenecen al pensamiento científico, pero también con la ayuda de otros saberes y aproximaciones más propias como la filosofía, la antropología o las herramientas que nuestra práctica artística nos posibilita, y desde ahí hacer nuestra modesta aportación a la tarea de deconstrucción y decolonización de las estructuras profundamente occidentalizadas y sexistas que gobiernan el ámbito científico.

De entre todos los acontecimientos posibles que nos brinda el universo escogemos de forma simbólica el eclipse solar total, porque es un suceso muy directo, fácil de predecir y que nuestros sentidos son capaces de admirar en todo su esplendor. De pronto, en pleno día, la luna se desliza sobre el sol, creando la noche en la tierra y en el cielo. Todo se oscurece, la temperatura baja hasta diez grados y una gran mancha negra recorre una franja de la tierra a una velocidad endiablada. Elegimos el eclipse por su eficacia para generar en un breve lapso de tiempo una emoción desorbitada y una profunda conexión con el mundo; una percepción de lo sublime, que como diría Edmund Burke: es aquello que nos hace sentir la propia existencia en disminución. En la oscuridad del eclipse, dice Dillard, “éramos los muertos del mundo… nuestras mentes estaban a años luz de distancia, olvidadizas de casi todo… parecía que amábamos el planeta y amábamos nuestras vidas, pero ya no podíamos recordar el camino hacia ellos. Nos equivocamos de luz”.

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Del 29 de octubre al 9 de noviembre en Barcelona

El ciclo Hacer Historia(s) renueva su presencia en la ciudad con la intención de profundizar y desplazar conceptos que han nutrido los cimientos de las últimas ediciones y con un fuerte deseo de seguir abriendo nuevos diálogos y colaboraciones con artistas y equipamientos, así como reforzar las ya establecidas.

En su sexta edición, nos proponemos un enfoque renovado/ revolucionado: hemos querido poner el foco en los “haceres” y en los “cómos”, priorizando las metodologías sobre las temáticas. Creemos que es en el proceso creativo de las artistas y en las maneras de hacer, donde residen los superpoderes para comprender, transformar e incluso sobrevivir en nuestra realidad. Una realidad que en estos últimos tiempos no deja de ser desordenada y caótica, sin objetivos claros, a menudo violenta y de extrema complejidad, en la que mucho de lo que nos construía está dejando de servir para dar paso a un nuevo mundo?

El concepto de memoria y hacer archivo sigue presente en el ciclo, y en esta edición nos gustaría que funcionara más como contexto que como temática, y por ende, que hiciera dialogar al propio proyecto de La Poderosa con otros contextos, espacios, y colectivos que proponen o inician trayectorias más o menos emergentes, pero sin duda urgentes, como es FONDO en FOC (BCN) y como es Especies en extinción en Dorothy Michel (MDRD).

Hacer archivo de las trayectorias, de los espacios, de contenedores de experiencias, en relación con otras, se convierte en una oportunidad para seguir instaladas en la pregunta.

¿Y como las danzas laten como fuerzas mediadoras que habitan lo social, lo político y, por extensión, la vida misma?

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La operación de Norberto Llopis | 24 y 25 de octubre a las 19:30 en La Mutant de València

LA OPERACIÓN consiste en la intervención de un medio que más allá de producir un cambio perceptible en el territorio que afecta, cambia la relación que teníamos con este, hace insostenible la relación que teníamos con este lugar, con este teatro.

LA OPERACIÓN es una pieza.

LA OPERACIÓN es una pieza y es una operación, es una pieza que se llama LA OPERACIÓN y que además es una operación, está hecha a base de operaciones, de operaciones de cálculo, de operaciones quirúrgicas, económicas, militares, bancarias, de sustitución, de resta, de adición.

LA OPERACIÓN se llama LA OPERACIÓN, funciona a través de operaciones y deconstruye la operación.

LA OPERACIÓN trabaja en la deconstrucción de la noción de operación, la deconstrucción de la acción, de lo que se entiende por hacer, lo que sucede, lo que se desencadena, lo que produce algo en performance.

LA OPERACIÓN en sí misma no puede ser encontrada, sólo vemos sus efectos. Un corte, una sustitución en sí mismos no se ven, no se tocan, se ve un nuevo material ya transformado, no el corte, no la sustitución. LA OPERACIÓN es eso entre las cosas que no podemos ver pero que no para de modificar nuestros modos de ver, de significar, de relacionarnos con un objeto.

Más información: La Mutant

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Goldberg, variaciones sobre la ceguera de Norberto Llopis | 22 de octubre a las 19h30 en La Mutant de València

En Goldberg, variaciones sobre la ceguera partimos de un texto de Jacques Derrida llamado Memorias de ciego: El autorretrato y otras ruinas, en el que el filósofo francés trata la temática del dibujo, el autorretrato y la ceguera. Para Derrida, una imagen es siempre una imagen de ciego, unos trazos hechos a oscuras, trazos sometidos a la necesidad de una cierta ruina, ruina por su ceguera congénita, que aún ciega más —si es posible— esa imagen de ciego. Así, la imagen siempre está en proceso de hacerse, de deshacerse.

Todo movimiento, todo acto performativo, moviliza o actúa a ciegas. En esta performance, a través del movimiento, la palabra hablada y escrita, la voz y las acciones, queríamos ocupar ese lugar en que nuestros movimientos, acciones y palabras están en el punto de hacerse, de deshacerse, a fondo ciego.

Más información: La Mutant

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Pequeño cúmulo de abismos de Cris Blanco | Viernes 24 de octubre a las 19h30 en la Sala BBK de Bilbao

¿Es lo mismo un agujero negro que un agujero de gusano? ¿Se trata de la misma diferencia que hay entre el pitorro de un botijo y la boca de un porrón?

¿Qué hay dentro de los agujeros negros? ¿Qué hay detrás de la pared del Teatro María Guerrero? ¿Es nuestra infancia ese lugar feliz al que querríamos volver? ¿Llegaremos vivas a cumplir los 80? ¿Será posible tener a los 80 algún tipo de privilegio si no los tuvimos en los años 80? ¿Cómo sabe una persona que no tiene privilegios? ¿Es el acceso a la cultura un privilegio? ¿Hay algo que no sea distinto a lo que nos hicieron creer en los 80? ¿Son las preguntas pequeños actos revolucionarios? ¿Son estos actos revolucionarios suficientes para generar un Pequeño cúmulo de abismos

DIRECCIÓN: CRIS BLANCO

INTERPRETACIÓN: OIHANA ALTUBE, ROCÍO BELLO, CRIS BLANCO E ÍÑIGO RODRÍGUEZ-CLARO

Más información: BBK

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Nothing Will Remain… de Noor Abed y Haig Aivazian | Sábado 25 de octubre a las 20h en La Escocesa dentro del festival Sâlmon, entrada gratuita con reserva

Noor Abed es una artista palestina que trabaja en la intersección de la performance y el cine, combinando formas de lo «escénico» y lo «documental». Su práctica examina las nociones de coreografías sociales y formaciones colectivas, buscando la conexión entre la noción de «sincronía» y la acción social.

Haig Aivazian aborda la naturaleza metamórfica de tres tecnologías: la luz artificial, la informática y la ley. Su trabajo, que abarca diversos medios y modos de interpelación, está animado por la investigación y los descubrimientos fortuitos, donde la historia es un zumbido omnipresente que conjura y choca contra futuros degradados y los persistentes esfuerzos por sobrevivir a los mismos.

Nothing Will Remain Other Than The Thorn Lodged In The Throat Of This World

«No estés triste. Nadie conseguirá deshacerse de nosotros. Palestina es una espina clavada en la garganta del mundo. Nadie conseguirá tragársela. No te preocupes».

– Últimas palabras de Wadih Sanbar a su hijo, el historiador y poeta palestino Elias Sanbar.

Haig Aivazian y Noor Abed interpretan una partitura compuesta por sonido, texto y movimiento. A través de una serie de sonidos guturales, jadeos, toses, tarareos y silbidos, la pareja organiza los temas centrales del texto a través de diversas partes de sus narices, bocas, laringes, tráqueas y pulmones, cada órgano encarnando e introduciendo una serie de registros afectivos y textuales.

En una reciente correspondencia que se prolongó durante varios meses, la pareja intercambió reflexiones, anécdotas cotidianas, lecturas, poemas, grabaciones de canciones y recitaciones. La performance actúa como un trabajo activo de selección, recuerdo, recreación, reestructuración, reevaluación y reensamblaje de elementos de la correspondencia, como una forma de lidiar con un momento histórico trascendental caracterizado por una escalada en el constante zumbido de la violencia genocida que ha estructurado las respectivas trayectorias de los artistas.

Invitando periódicamente a los espectadores a unirse a la experiencia sonora, la pareja intenta crear un espacio de sincronía y acción, donde el público se convierte en una cámara de resonancia recorrida por la vibración y transformada en un coro dispar.

En colaboración con La Escocesa.

Más información y reservas: festival Sâlmon

 

 

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Reencarnaciones IV: Reverdecer, de Carme Torrent y Ferran Fages | Viernes 24 de octubre a las 18h en la Fundació Miró dentro del festival Sâlmon, gratuito con reserva previa

Min Tanaka y Derek Bailey realizaron una improvisación en el Jardín de las Esculturas de la Fundació Miró en el marco del ciclo Noches de música en 2004. Una improvisación que, como evento, nunca perdió un lugar en la memoria. Min Tanaka y Derek Bailey actuaron juntos a lo largo de más de dos décadas, de forma irregular, a partir de 1978. ¿Cómo aproximarnos a lo que Tanaka y Bailey denominaban «improvisación libre»? «Lo que hago no es precioso», decía Derek Bailey.

Transcurridos veinte años, ahora, un 24 de octubre de 2025, Ferran Fages y Carme Torrent se insertan en un reenactment. No obstante, el reenactment de una improvisación es, de hecho, una gran paradoja, una maravillosa aporía. No busca identificar ni privilegia una autenticidad original, escapa a la representación. Danzas que regresan, sonidos por llegar, modulaciones, re-ciclajes, re-iteraciones, mientras el verde reverdece y crece de nuevo.

Lugares entre recuerdos se abren a los timbres de un tejido de relaciones mientras sustrae a la repetición algo nuevo, alguna diferencia. Recuerdos entre lugares en su precariedad constitutiva, en los puntos ciegos perceptivos, en los lapsos de memoria, las indeterminaciones lingüísticas, los temblores musculares: los sonidos reubican y desvían relaciones entre relaciones.

Así pues, el reenactment que proponen Carme Torrent y Ferran Fages pretende dar cuenta de lo singular, de lo que no puede ser tematizable, objetivable, lo que no es analogable o lo que no puede ser reducido a otra cosa.

Programa en colaboración con Fundació Miró.

Carme Torrent
Inmersa en el ámbito del arte su trabajo se despliega en los límites o cruces entre la danza, la arquitectura, y la sensibilidad-pensamiento que emerge de ellas. Interesada por el trabajo en danza llamado body weather (laboratorio de climatología corporal), desarrollado por Min Tanaka y Hisako Horikawa, ha viajado a Japón y ha colaborado regularmente con la compañía Tokason, dirigida por Min Tanaka. También ha colaborado asiduamente con el coreógrafo Xavier Le Roy, en propuestas para espacios expositivos. Se da a la exploración y escucha en la tactilidad corporal, a través de diversas prácticas, con las que entiende lo político como inseparable de la pregunta por el cultivo de la sensibilidad, es decir, la acogida del otrx(s), de la no indiferencia. Graduada en filosofía en la UB, universidad de Barcelona, y máster en filosofía teórica y práctica en la UNED. Ha impartido talleres en MACAP Máster de Artes Escénicas, Gerona-Ljubljana-Dartington, y dentro del programa de Máster E.X.E.R.C.E, Montpellier.

Ferran Fages
Ferran Fages (Barcelona, 1974) es músico y artista sonoro, en activo desde 1998. Su trayectoria artística se ha construido a partir de su interés tanto por la composición como por la improvisación. Gran oyente y coleccionista de música, tiene publicadas más de un centenar de referencias discográficas y su trabajo ha sido presentado en festivales y ciclos, tanto a nivel nacional como europeo.
Músico experimentador y curioso, explora, toca y compone reelaborando y redefiniendo las posibilidades tímbricas de los instrumentos. Bajo la premisa menos es más, ha desarrollado un trabajo de investigación con la guitarra a partir del uso de afinaciones alternativas y la no utilización de efectos. Su sonido crudo y sin embellecimientos es inversamente proporcional a los elementos y recursos que emplea.
Últimamente ha comisariado la exposición “Escuchar con las manos. Soportes obsoletos, mensajes efímeros” (Museo de la Música de Barcelona, 15.05.2023-07.01.2024). Fruto del trabajo de investigación de esta exposición, comienza una nueva línea de trabajo como investigador independiente que toma como eje vertebrador la relación entre el hecho sonoro y el archivo analógico en un entorno digital, desde una perspectiva práctica como oyente y como músico.

Más información: Festival Sâlmon

 

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