— MuroTRON

laSADCUM – 28 de febrero en el Mercat de les Flors 

Navaja presenta un autorretrato escénico sobre poéticas sexo-afectivas en el autoaprendizaje dictado por el algoritmo en la adolescencia sadcum. Cinco personajes denominados LOINKS emprenden un (no)viaje de tres actos, enmarcados en una demo abandonada a medio programar. Pieza ganadora del premio DansaCat 2024 a Mejor Espectáculo y del premio Pedra Viva 2024.

laSADCUM es un proyecto de danza de Barcelona fundado en 2019 por Guillem Jiménez que investiga y reflexiona, a través de la coreografía, sobre la influencia del mundo digital y la virtualidad en el comportamiento de la sociedad post-internet. laSADCUM ha llevado a cabo cuatro piezas escénicas, dos de pequeño formato y dos de gran formato.  También han realizado dos exposiciones, talleres y programas de comisariado, así como diversas colaboraciones con artistas e instituciones.

Más información y entradas

Read More

Mabel Olea – 26 de febrero en el Mercat de les Flors

Presentamos esta pieza en proceso de creación que recibe el spoyo del proyecto TT Tenir Temps del Mercat de les Flors con Fundació Banc Sabadell. Cut One’s Teeth proviene del modismo inglés ‘to cut one’s teeth’, que se refiere al hecho de aprender algo de cero, de ir adquiriendo experiencia hasta dominarlo. Así nace la idea de Mabel Olea de escenificar su proclamación como artista, vinculando su imagen con la de un diamante para representar el viaje de transformación de un diamante en bruto a un diamante pulido. Se trata de una exploración de la perfección y la belleza. A partir de una propuesta de movimiento precisa que bebe del imaginario de la danza y la bailarina clásica, la artista esculpe el cuerpo como si fuera un diamante tallándose a sí mismo.

Mabel Olea es bailarina-performer y coreógrafa; sus piezas escénicas y creaciones audiovisuales tienen el objetivo de trazar nuevas narrativas en la danza y la performance que permitan replantear los formatos de creación. Su propuesta artística destaca por el compromiso, el humor y la ironía, con movimientos poco usuales que juegan con los límites del cuerpo. Paralelamente a su obra propia, trabaja con otros artistas, tanto del mundo de la danza y la performance como del audiovisual, el cine y el teatro: Marta Pazos, Marie Gyselbrecht, Javier Ambrossi y Javier Calvo, Núria Guiu, Les Impuxibles, Pablo Messiez, Rigoberta Bandini… entre muchos otros.

Más información.

 

Read More

Mar García y Javi Soler – 25 de febrero en el Mercat de les Flors

Desde sus motivaciones frustradas por ser Super Estrellas del Pop, y con ganas de reivindicar el valor de los temazos musicales que representan el canon de la cultura mainstream, Caribe Mix ’23 propone en escena la grabación del videoclip de la canción original No Se Va a Pegar (Pop-Star)Caribe Mix ’23 se alimenta de la utopía de la ficción y muestra en sus transiciones aquello que nunca vemos como consumidores compulsivos del streaming inmediato: la otra cara de la Pop-Star.

Mar Garcia, coreógrafa e intérprete, y Javi Soler, director de orquesta y coro, son una compañía motivada por la investigación y la creación escénica alrededor de la relación y la transversalidad entre movimiento y sonido, dos ámbitos como protagonistas de la acción. La concreción del material escénico mediante la partitura y la búsqueda de la conexión con el espectador caracterizan su estilo compositivo. Además, su inquietud creativa trata de combinar referencias técnicas de composición contemporánea junto a referencias pertenecientes a su contexto generacional y al imaginario colectivo.

Más información y entradas

Read More

María Jurado – 1 de marzo en el Mercat de les Flors 

El proyecto parte de la figura del ángel como símbolo para pensar nuestra relación con el presente, un ser que observa, acompaña y testimonia la realidad sin intervenir. Esta condición de visibilidad sin acción se utiliza como metáfora del sujeto y del artista contemporáneo, atrapados en una época que exalta la exposición constante, la neutralidad y el “buen comportamiento”, lo que algunos han llamado la sociedad de la transparencia o el imperio del bien. El proyecto se completa explorando el reverso de lo angelical: lo abyecto. Lo que rechazamos de nosotros mismos, lo que la cultura expulsa para sostener una apariencia de pureza y transparencia.

María Jurado es una artista, coreógrafa, performer e investigadora entre los límites de la danza conceptual y la performance, con una mirada diferente en cada creación, investigando los límites del formato. En 2022 estrenó la pieza Black Sun en el festival Grec y su segunda pieza, Spooky, se ha visto en numerosos espacios estatales. Actualmente, es compañía residente junto con David Corral en la Nau Ivanow y Graner (Barcelona).

Más información y entradas.

Read More

Kike García y Fran MM Cabeza de Vaca – 27 de febrero en el C3A

DUET es una búsqueda de relaciones compositivas, matéricas y de movimiento a través del diálogo entre un mantón y un violín con sus acompañantes. Ambos se encuentran desde la escucha, el tacto, lo impredecible y el gesto amoroso de hacer y rehacer.

El mantón y el violín, entendidos como cuerpos emancipados, revelan sus propias formas de existir en el mundo. En ese diálogo, las posibilidades de bailar y de tocar se vuelven infinitas, liberando significados y desplazando imágenes. El peso, el volumen, la caricia, la acústica y la vibración se entrelazan como materia viva que transforma y es transformada.

El mantón, con su movilidad y lenguaje propios, deja de ser objeto para volverse piel, extensión del cuerpo que cubre y sostiene, que baila y se deja bailar. El violín, en conversación, resignifica el tocar como tacto: frotar, rozar, hacer emerger la madera, las crines, el metal, el aire y la cuerda.

DUET nos invita a una experiencia háptica y sensorial, donde el movimiento, la voz y la materia confunden sus límites. En este espacio compartido entre lo humano y lo textil, entre la danza y el sonido, el deseo de tocar y ser tocado, de bailar y ser bailado, da origen a una transformación mutua.

Más información

Read More

Del 25 de febrero al 3 de mayo de 2026 en la Sala de Arte Joven, comisariada por Paula Noya de Blas 

El trabajo organiza hoy gran parte de nuestra forma de vida. A través de dispositivos que regulan el tiempo, el cuerpo y el deseo, se establecen criterios de eficiencia, rendimiento y disponibilidad que atraviesan tanto el ámbito laboral como las relaciones afectivas, los modos de habitar y las subjetividades. En este contexto, la piel, los músculos, el sistema nervioso y los afectos conforman, en parte, lo que hoy entendemos como cuerpo productivo. Pero ¿cómo habitar el cuerpo cuando la eficiencia ha colonizado casi todas las formas de vida? ¿Qué sucede cuando el cuerpo deja de producir y qué formas de vida se pueden sostener a partir de ese límite?

La exposición investiga la capacidad latente de los cuerpos para oponerse a las lógicas extractivas que buscan maximizar su rendimiento, disciplina y utilidad, a través de la obra de Nora Aurrekoetxea, Noela Covelo, Dj_Sônia (Ángela Millano y Blanca Gómez Terán), Jota Mombaça, Julia Spínola, Ura / Unz, Marta van Tartwijk y Lou Vives. Esta fuerza no adopta la forma de una negación frontal, sino que opera como una reapropiación del tiempo, del deseo y de las formas de habitar.

Desde la exposición se propone pensar el cuerpo no como una entidad pasiva, sino como un nodo activo de relaciones materiales y afectivas. Al habitar el tiempo de manera disonante a través de la repetición, la reiteración improductiva, la fragilidad o la pausa, el cuerpo comienza la recuperación de su agencia. Las obras que conviven en el espacio no se presentan como gestos aislados ni como declaraciones explícitas de oposición, sino como prácticas que generan fisuras en el régimen de la productividad. Son formas que desobedecen, permiten imaginar otras economías de la existencia y tratan de pensar nuestras formas de vida desde la experiencia corporal y material.

Como parte del cuerpo de la exposición se desarrollará el programa de actividades “La tarde y la mañana y la noche”, un dispositivo de pensamiento situado cuyo título remite al cuento de Octavia E. Butler. A lo largo del programa se llevarán a cabo diversas acciones en el interior de la instalación “El cuello de Estigia” de DJ-Sônia, orientadas todas ellas a la necesidad de colectivizar los malestares contemporáneos y repensar, desde otras condiciones materiales y afectivas, las relaciones entre cuerpo, deseo, subjetividad y eficiencia.

Más información y programa de actividades

Read More

Mucha Muchacha – Del 26 al 28 de febrero en Condeduque Madrid

Nadie muere nunca del todo. Nadie vive nunca del todo.

Los grandes relatos han encerrado siempre una pregunta existencial: ¿quiénes somos y cómo lo contamos? Desde los poemas épicos de los sumerios hasta el Cantar de Mio Cid, la épica se ha creado para inspirarnos en la vida utilizando la propia vida. De las promesas de amor al descanso del guerrero pasando por los largos viajes a través de las montañas. Nos contamos y cantamos para perdurar así  a lo largo de los siglos, gracias a la poesía y la belleza, pero también por el misterio de si lo que se narra fue real o imaginado.

Los personajes de aquellas epopeyas se internaron en bosques, navegaron mares tempestuosos o se enfrentaron a criaturas aterradoras. Hoy todavía reconocemos sus búsquedas y sus hazañas. ¿Cuáles serán las nuestras? ¿Se canta hoy a los sueños imposibles, a nuestros enamoramientos, a nuestros fallos humanos?

Siempre hay nuevas luchas, y en el fondo siempre son las mismas. Nos decimos que si salimos de esta, será por imaginación. Y encontramos en el acto creador una posible respuesta a un futuro – ya presente – donde hay demasiadas cosas y muy pocos cuentos. Pero, ¿cómo de grande debe ser hoy nuestra aventura para estar a la altura de esta preciosa y preciada vida? ¿Serán suficientes nuestros minutos de gloria sobre el escenario? El cuerpo en movimiento siempre invoca al misterio, y hace un llamado que cruza el tiempo y el espacio.

¿Será nuestro cantar un pequeño gesto, un guiño cotidiano? Cantar de gesta es una conversación con esta época que vivimos y con todas las que caben en un cuerpo. Un viaje a través de las montañas para poder cantar la gesta de nuestros tiempos. Un intento por volver a las arengas, a los cuentos, a los juramentos, a los sueños alrededor del fuego. Un intento por encontrar una forma de relatarnos a nosotras mismas, por proteger la identidad como algo que se construye en el acto de decirse y ser oído por otro. Dice Emily Dickinson en su Poema 288, I’m Nobody! Who are you?

Más información y entradas

Read More

David Rodríguez Solás – 4 de marzo en La Madraza 

La presencia de la performance política en las calles, junto a las protestas en defensa de la libertad de expresión, fueron llamadas de atención a una ciudadanía que contribuyó a la conquista de libertades en los años setenta en España. Ocaña participó como artista contracultural, activista gay y anarquista. Esta conferencia estudiará las performances políticas con las que Ocaña negoció sus identidades y se desidentificó con estos ámbitos mientras reclamaba su posición como sujeto político.

Más información

Biografía David Rodríguez Solás es Catedrático de la University of Massachusetts Amherst y François Chevalier Fellow en el Madrid Institute for Advanced Study. Se especializa en teatro español moderno y contemporáneo, memoria cultural y estudios visuales y de performance. Su libro más reciente es Performing the Transition to Democracy: Theater and Performance in 1970s Spain (Routledge, 2025). También publicó Teatros nacionales republicanos: la Segunda República y el teatro clásico español (Iberoamericana, Vervuert, 2014), además de una veintena de artículos en revistas indexadas. Ha sido editor y co-editor de seis volumenes, el más reciente titulado “The Global Far Right in Theatre and Performance” acaba de aparecer en en Theatre Research International, revista de la que es editor asociado. El profesor Rodríguez Solás forma parte de dos proyectos internacionales: dos volúmenes de A Cultural History of the Avant-Garde in the Iberian Peninsula (Brill) y un volumen co-editado sobre la performance política global de la extrema derecha.

Read More

Lluís Garau – 19 de febrero en La Madraza 

En un chalet de una urbanización situada a unos 30km de Terrassa, encontramos a Ferran. Vive con sus padres, propietarios de una carnicería. Hace dos años que Ferran pasa los días en el sótano de su casa y ha convencido a todo el mundo que se gana la vida haciendo de gamer, pero en realidad, el dinero lo consigue con los vídeos porno y las videollamadas sexuales que hace con sus clientes. Su principal canal es OnlyFans, pero todo empieza con DirtyRoulette.

Más información y entradas


Lluís Garau (Sa Torre, Mallorca, 1997) es un artista performer, director de escena y graduado en interpretación por el Institut del Teatre. Su obra se centra en el uso de webcams y conversaciones con desconocidos a través de un chat de Internet. Su creación más reconocida, La Carn (2022), ha obtenido el Premio Óscar Wilde en el International Dublin Theatre Festival. Esta pieza ha sido presentada en festivales como el Sziget Festival de Budapest, el Festival Rosa de Bogotá y el Queer Festival de Lisboa, así como en salas nacionales como el Teatro del Barrio (Madrid) y el Teatre Mar i Terra (Mallorca). Actualmente, La Carn se está transformando en una película, prevista para 2025, que combinará documental y ficción.

Read More

Betty Bésala – 24 de febrero en Bulegoa z/b

Presentación de Betty Bésala al inicio de su residencia en Bulegoa z/b. Su propuesta Servirte a mi modo, me permite el tiempo fue seleccionada junto a Resonare fibris de Raquel G. Ibañez en la convocatoria de residencias de 2025. El jurado estuvo compuesto por Oier Etxeberria (artista, músico y comisario), Dora García (artista) y las integrantes de Bulegoa z/b.

BETTY BÉSALA: SERVIRTE A MI MODO, ME PERMITE EL TIEMPO

Estimades,

Como accedéis a asomaros por aquí, aparecemos no con palabras elevadas ni verdades duraderas, sino desde la servidumbre del intento.

Perdonadnos si lo escénico no se deja atrapar. Todo ocurre en un lugar de ensayo: taller, ficción, refugio donde el tiempo se distrae. No aspiramos a saber del sol ni de los grandes mundos, basta con tantear ese pequeño mundo que sigue siendo extraño, incluso cuando creemos conocerlo.

Desde una mezcla indisciplinada —literatura, lo plástico y aquello que nos mueve— buscamos el roce entre ficción y realidad, aun a riesgo de caer en el exceso, el recital o cierta cursilería. Así se forma un teatro-matiz: irregular y cambiante. Si queréis llamarlo un lugar de tránsito, o un espacio de cruising con unes diablilles, aceptamos la imagen sin demasiadas explicaciones.

Aunque ahora nos movamos entre la confusión, confiamos en que algo se aclare en el proceso. El jardinero sabe: cuando el arbolito echa renuevos, no es aún fruto, pero ya promete ramas.

*Texto inspirado en “Prólogo en el Cielo» del Fausto de Goethe.

Betty Bésala, colectivo formado por Màrius Peidroz y Carlota Lázaro, nació como un encuentro de amigues ante la necesidad de abandonar el trabajo en solitario en pro del colectivo.

Se cuajó en el aula de sonido de la EHU y ha ido pasando por festivales (como el MEM-Festival de Música Experimental) y demás espacios culturales.

Se centra en una experimentación que se centra en lo absurdo, y parte, sobre todo, de referentes teatrales y literarios.

Es un unirse para pasarlo bien y hacer algo con lo que nos interesa.

Más información

Read More