— MuroTRON

Del 16 de abril al 28 de septiembre en La Virreina 

Eugenio Barba (Bríndisi, 1936) funda el Odin Teatret y abandera el «Tercer teatro», que surge en los años 70 en las periferias de las grandes capitales de Europa y Latinoamérica. Este movimiento, al margen de instituciones y vanguardias, se enfoca en la búsqueda de las propias raíces. Su ornamento es la creación colectiva y la organización no jerárquica del trabajo.

El dramaturgo e investigador teatral Eugenio Barba y su compañía Odin Teatret comparten con la modernidad el afán de adentrarse en lo profundo y, al mismo tiempo, explorar lo lejano. Para la compañía nórdica, tanto las interioridades del cuerpo como las culturas remotas constituyen territorios privilegiados de exploración de uno mismo.

Entre la fundación de la compañía, en 1964, y la creación de la Escuela Internacional de Antropología Teatral, en 1979, Barba señala mediante el manifiesto del «Tercer teatro» a los centenares de grupos que, durante la década de los setenta, operan en las periferias de las grandes capitales. Son grupos que trabajan al margen del primer teatro, representado en las instituciones teatrales, y del segundo, abanderado por las vanguardias. El fundamento de las compañías del tercer teatro es la búsqueda de las propias raíces; su ornamento, la creación colectiva y la división no jerárquica del trabajo. 

Aunque el Odin Teatret continúa hoy en activo, la muestra recorre su actividad entre 1971 y 1979, años en los que apuntala formas disidentes que, iniciándose en lo que Barba denominó la «autopenetracióncolectiva», acabaron por tomar las calles de Europa y Latinoamérica.

Coproducida con el Polo Biblio-Museale di Puglia. Comisariada por Roger Bernat. 

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A partir de l’exposició col·lectiva Sumari Astral, a cura de Caterina Almirall en col·laboració amb Claudia Elies, presentem el programa públic de l’exposició, un seguit de performances, projeccions i accions que tindran lloc als espais B, Ç i a la terrassa de La Brossa.

Impasse, Itxaso Corral Arrieta

29 d’abril a les 18:30
Una performance lleu sobre un possible glossari de temps de suspensió o espera o sorpresa. També una performance lleugera sobre el llenguatge i la veu com a conjur. Durant més de mig any he participat al grup de recerca vinculat a l’exposició Sumari Astral. A les notes que he anat prenent durant aquestes sessions col·lectives, la paraula impasse apareix fins a 3 vegades. 3 vegades ja és un encanteri, així que aquesta aparició insistent em va donar curiositat. Buscant el seu significat al diccionari em trobo amb Impasse: 1. Carreró sense sortida, 2. Compàs d’espera. Una temporalitat que interfereix, que provoca un estat alterat de latenció i de la capacitat dimaginar. Convoca una referència temporal, un lloc, un ritme. Temps, espai, vibració. El que deia, serà una performance lleu, lleugera, un tros de temps per adonar-se d’alguna cosa, per exemple, un parpelleig.


Fregoli
, Quim Pujol
8 de maig a les 18:30 h

Leopoldo Fregoli va ser un dels transformistes més importants de la història. En els seus espectacles canviava d’aspecte de manera frenètica i donava vida a dotzenes de personatges en una mateixa representació. El crític Sebastià Gasch va escriure sobre ell: “Fregoli va encarnar a més d’un miler de personatges de tots els gèneres, tipus i espècies (…) Amb Fregoli brollaven, portades a escena, les primeres intuïcions dels temes del nostre temps”. L’actor italià també es va convertir en una referència essencial per a Joan Brossa i l’art escènic d’avantguarda. Què ens queda encara per aprendre de Fregoli? En aquesta sèrie de números de transformisme, l’intèrpret mai no canvia d’aparença.

SSSSSMarc Vives

29 de maig a les 18:30 h

SSSSS consisteix en una sèrie dexercicis basats en la veu per produir un impacte sobre els cossos. El punt de partida és la meva experiència a “cantar” al paisatge des del mar, i atreure aquesta qualitat líquida a les estructures que ens envolten amb l’objectiu de repolititzar-les en sentit relacional. Provocar un canvi dramàtic de base, de la pèrdua humana del terreny, de fonaments ferms, d’equilibri, del punt de vista de la terra signatura”. Aquest treball en procés planteja un paral·lel entre la boca i l’espai escènic on s’ubica, transformant-se cada vegada, sent els sons que emet sorolls que estan alhora dins i fora del cos.

Els meus fantasmes viuen a Pere IV 174, Mariona Naudin
5 de juny a les 18:30 h

Els meus fantasmes viuen al carrer Pere IV 174, en un àtic que cau a troços tancat i barrat des de fa vint anys. Un espai congelat en el temps enmig d’un barri que es transforma de manera salvatge. Els espectres que hi habiten em visiten en somnis perquè aquell espai aparentment buit és ple d’esperits errants que no han entès encara què està passant. Atemorits, les ànimes en pena romanen dins del portal, per si de cas. Ensumen l’olor a infern que entra per sota la porta: el món d’avui fa pudor a sofre i els fantasmes ja en van tenir prou de barbàrie quan estaven vius. En els somnis, els espectres s’esvaloten, esdevenen poltergeists, udolen desesperats i em pregunten a l’oida: Com ha pogut passar?! Com és possible?! -. No ho sé!, els hi responc traient-me’ls de sobre com puc- Deixeu-me en pau! Deixeu de perseguir-me!


Volver al Fondo, Sofía Montenegro
12 de juny a les 18:30 h

Volver al Fondo és un viatge que fila diversos esdeveniments entrellaçats entre si entorn de Fondo con Delfín, recorregut que va tenir lloc al Festival Bosque Real en el 2019. Mentre es grava, es camina i es pensa en la manera de fer-ho per a visibilitzar la metodologia duta a terme, deixant-nos portar per les coses que van apareixent. L’àudio desdibuixa aquella trobada per a endinsar-se de nou en el paisatge.


Escarlet, Ángela Millano
18 de juny a les 18:30 h

Un cos, un so, una forma, alguna cosa anterior a la paraula; que no ve del verb ni del concepte i pertany a un lloc del darrera, o damunt o sota. No hi arriba la llum del nomenar. Cos que ve del cos, veu que ve de carns. Matèria i sonoritat estranya, coneguda i no, però no del tot, i alhora profundament vulnerable i humana. En un ésser èxtasi, mort, vida desplaçada, vida a la vora del temps. Sirena, balena i androide, beata arrabassada i monstre. És un sentir, conèixer i respirar entre els llits, a la gola.

Jornada astral
20 de setembre

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Valère Novarina i Albert Arribas – Del 23 d’abril al 18 de maig en La Fundació Brossa 

Aquest projecte que teniu entre mans és un somni llargament somiat, madurat, que vol acostar una teatralitat radicalment poètica i artísticament compromesa, amb un treball actoral essencialment popular, còmic, generós i vertiginós.

Albert Arribas

El suís Valère Novarina és uns dels grans autors del teatre europeu. La seva escriptura connecta com ho fan poques la lúdica dimensió popular de l’art escènic amb la irreverència radical d’una poètica avantguardista. I això és així perquè, per damunt de tot, per a Novarina els actors són centaures que —gràcies a la màgica simbiosi entre cos i paraula— encarnen el vertigen de l’existència humana amb una fugacitat del tot magnètica.
En aquesta versió de L’Opérette imaginaire de Novarina, Centaure Produccions porta a escena una obra cabdal del teatre europeu de la mà d’un repartiment de luxe.

SOBRE L’OPÉRETTE IMAGINARIE
Què és una opereta? És un diminutiu. Una forma més curta, a la qual s’ha tret tot el greix teatral, un drama tan concentrat que es despulla del sentiment humà. L’opereta s’aconsegueix per erosió: en queden les restes sòlides, les arestes rítmiques, l’estructura, les emotives restes humanes. A l’opereta, l’home commou per la seva absència: «Reconeixereu els ossos humans perquè portaven ulls». Música que puja i baixa: una opereta trasbalsa. Al terra de l’escenari, esvalotada, la música floreix on menys s’espera; el cant inesperat suplanta la paraula, com una primavera sobtada… Per què canten els que canten? Canten perquè menteixen? Canten d’emoció? Canten per lapsus? Es menteixen tot el que canten? O, per contra, són Marrans que diuen amb música tot el que no se sent amb paraules? L’acordió els sospira: ni déu ni amos. L’opereta, sempre plena de foc, té com a tornada la frase d’Arthur Cravan: «És més meritori descobrir el misteri en la llum que en la foscor».

Valère Novarina – Extracte de Devant la parole, éditions P.O.L., 1999

SINOPSI
Una gran paròdia de les convencions teatrals que alhora és explícitament una fascinant celebració del teatre, amb la seva paraula viva malgrat els buits i els abismes de la significació, i amb la presència magnètica, monstruosa i captivadora dels actors i les actrius.

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SOBRE L’AUTOR
Nascut a Chêne-Bougeries (Suïssa) el 1947, Valère Novarina ha desenvolupat una prolífica carrera com a escriptor i director d’escena, però també com a dibuixant i pintor. La seva obra dramàtica ha reinventat la relació de la paraula amb l’actor i amb l’espai que aquest habita, i ha creat un univers propi basat en els metallenguatges artístics. Com ell mateix ha explicat, al seu teatre “l’única cosa que t’ha de conduir, de moure, és el moviment del verb; l’única cosa que cal seguir és el pensament que demana respiració”.
D’entre les seves peces teatrals destaquen títols com Le Drame de la vie (1984), Le Discours aux animaux (1987), L’Opérette imaginaire (1998), L’Acte inconnu (2007) i La Quatrième personne du singulier (2012) i els assaigs Lettre aux acteurs (1979), Pendant la matière (1991), Devant la parole (1999) i L’Envers de l’esprit (2009). Les seves obres s’han estrenat regularment als principals escenaris de França, en grans teatres com la Cort dels Papes d’Avinyó, la sala gran del Théâtre de la Colline o el Théâtre Odéon. Al llarg de la seva trajectòria ha rebut nombrosos premis i distincions a França, entre els quals destaquen el Grand Prix du Théâtre de l’Académie Française (2007) i el Prix de Littérature Francophone Jean Arp pel conjunt de la seva obra (2011).

SOBRE EL DIRECTOR
Albert Arribas és director escènic, dramaturg i traductor teatral. Els seus treballs s’han exhibit en espais com el Teatre Nacional de Catalunya, el Teatre Lliure, La Seca – Espai Brossa o el Teatre Akadèmia, i en festivals com el Grec de Barcelona, el Temporada Alta de Girona o la Mousson d’Eté a França.
Entre els seus darrers muntatges com a director escènic destaquen Al contrari!, de Lluïsa Cunillé (Sala Atrium, 2024); El gos, de Lluïsa Cunillé (La Gleva, 2023; Premi de la Crítica a millor espectacle de petit format); Beuarra, d’Albert Balasch (La Gleva, 2022); Cadires, de Mont Plans i Oriol Genís (Teatre Goya, 2022); Licaó. Apologia del desig, de Dimitris Dimitriadis (Fundació Joan Brossa – Centre de les Arts Lliures, 2022); Acis & Galatea, de G. F. Händel (Teatre Auditori de Sant Cugat, 2021); El jardí, de Lluïsa Cunillé (Sala Beckett, 2021), els espectacles de la pentalogia #SR, dedicada a Santiago Rusiñol, Orationibus #SR (Sala Hiroshima, 2018), Annus irritabilis #SR (TNC, 2018) i Illud Mysticum #SR (Sala Hiroshima, 2019); Actes obscens en espai públic, de Davide Carnevali (TNC – Grec Festival de Barcelona, 2017); F.R.A.U., a partir del Quadern del frau d’Albert Balasch (Grec Festival de Barcelona i Festival Temporada Alta, 2016); Vergonya eterna, sobre l’escàndol d’Àngel Guimerà a l’Ateneu Barcelonès (en col·laboració amb Ferran Dordal, Ateneu Barcelonès, 2016); Selecció (La Seca – Espai Brossa, 2015); i Sala de miralls (TNC, 2014), a partir dels últims dietaris de Feliu Formosa.

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EJACULANT DIARREA 2 es, aunque parezca mentira, la segunda parte de EJACULANT DIARREA 1.
Se trata de un espectáculo en el que una sola voz se desfigura, se abolla, insulta y se comporta como si estuviera bajo los efectos psicotrópicos de los alimentos macrobióticos hacia límites estramb­óticos.
Una historia sobre tiempos y lugares donde lo que se intenta es trascender los tiempos y los espacios sin, por supuesto, lograrlo. Hasta donde nosotros sabemos.
Una hora de cabaret inexistencialista cuyo único argumento es el fracaso y el agotamiento del público.
Acompañado por los paisajes sonoros de Vidal Soler y, de nuevo, con la producción de Cristina Rigau, Roger Pelàez se introduce hacia el exterior, penetrando las afueras de si mismo haciendo una voltereta mortal que suele culminar con su cabeza metida dentro de su propio culo. Sí, también es un espectáculo de contorsionismo. Sí, hay mucha vivencia y mucha inteligencia viajada en Roger Pelàez
Realmente, es un show en el que, no habiendo nada, hay una poco de todo.
Poesía lacrimógena.
Apocalipsis chapera.
Humor de no dar que pensar.

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Federico Vladimir y Pablo Lilienfeld – 10 y 11 de mayo en el Mercat de les Flors 

Estos dos artistas tienen en común no solamente el nombre de su madre: las dos nacieron en Argentina en los años 50, hijas de refugiados de guerra europeos, y las dos emigraron a España de mayores. Las dos, además, crearon imágenes: las pinturas ecofeministas de Mónica Lilienfeld y las fotografías eróticas de Mónica Pezdirc son el punto de partida de esta creación. Desarrollarán una pieza que hará referencia a la genealogía en la que coexisten la épica de las guerras o las migraciones, así como otras referencias como canciones, amantes, monstruos o fantasmas.

Juntos, desde el 2014, Pablo y Federico han desarrollado un trabajo entrelazado con su relación sentimental: tomando siempre de punto de partida la intimidad, sus piezas exploran representaciones de colectividad que cuestionan las formas hegemónicas de «contarnos». Sus performances, vídeos, instalaciones o juegos son herramientas para la creación de mundos y genealogías. La ficción especulativa es el terreno común en todas sus obras, terreno sobre el que se cruzarán prácticas tan diversas como la natación artística, el raving o los juegos de rol.

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Del 27 al 31 de mayo en Azkuna Zentroa 

Prototipoak es la Bienal Internacional de Nuevas Formas Artísticas de Azkuna Zentroa.

Un encuentro de creadoras y creadores con miradas diferentes, de procedencias muy distintas, que se cuestionan aspectos de la realidad tratando de abrir posibilidades desde la práctica artística para incidir en ella.

Lo hacen desde las formas contemporáneas, con sus códigos y tiempos de creación, en escenarios y formatos que cambian y con lenguajes diversos, proponiendo al público experiencias transformadoras que persistan en la memoria.

Prototipoak abre su marco de acción y de pensamiento desde una de las acepciones de la propia palabra: “prototype”, que hace referencia a una primera versión de algo, a la materialización preliminar de un dispositivo desde el que se derivan otras formas. Es así un espacio que promueve un modo de hacer desde la incertidumbre, la curiosidad y el cuestionamiento permanente, abriendo la posibilidad de otros mundos. Junto al “qué”, el “cuándo” o el “por qué”, esos prototipos definen el “cómo” y el dónde” tiene lugar la cultura. El emplazamiento adecuado para cada proyecto, la diversidad y adecuación de sus soportes, formatos y espacios.

Prototipoak ocurre durante dos años porque empieza desde que se invita a las y los artistas a iniciar un proceso creativo que, a través de su desarrollo y de sus ecos futuros, genera relaciones, conocimientos, recuerdos, vivencias… En este tiempo, el equipo del Centro participa y se implica en el desarrollo de sus ideas, en la vida cambiante de sus proyectos, para que el “Prototipo” sea una exploración común desde la creación, la gestión, la producción y la comunicación. El evento sucede a finales de mayo en forma de celebración, cuando se materializa el resultado de todos estos procesos y se comparten con las comunidades de públicos.

La edición de Prototipoak 2025, mira a las emociones sociales, los pensamientos y los sentimientos que produce la experiencia de lo que acontece en Azkuna Zentroa – Alhóndiga Bilbao y cómo impacta en la vida de las personas. Es también una apuesta por “re-naturalizar” el espacio del Centro, el espacio urbano y el rural, lo natural y lo artificial, lo biológico y lo robótico, a través de una reflexión nueva sobre el pasado y el futuro de la cultura y de la sociedad, sobre lo positivo de lo diverso, de lo singular y de lo específico, en el intersticio entre el arte y la sociedad, las y los artistas y las comunidades de públicos.

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El Conde de Torrefiel – 4, 11, 18 y 25 de mayo en Réplika Teatro

Cuerpos Celestes es un audioguía que dramatiza el espacio público del cementerio: una ciudad poco conocida, habitada por miles de personas que esperan la llegada de algún turista curioso y así poder susurrarle al oído sus secretos. Como Virgilio guió a Dante en su peregrinación al Inframundo, una disertación ecléctica acompaña esta caminata para reflexionar sobre la eterna pregunta: ¿Qué sucede después de nuestro paseo por el mundo?
El Cementerio es una ciudad como otra cualquiera: hay barrios céntricos y hay extrarradio, hay barrios ricos y barrios pobres, hay personas importantes y personas sin nombre. La ciudad dormitorio también se levanta gracias a la piedra y al cemento. Se construye en calles asfaltadas, en edificios y zonas verdes. Es el doble negativo de una comunidad. El dopplegänger de la ciudad de los vivos, al más puro estilo freudiano.

Una disertación ecléctica y vivaz que invita y acompaña a quien escucha por la escenografía única de la ciudad de los muertos. Un lugar inquietante y emocionante, marcado a la vez por la presencia y la ausencia de todas esas personas que han vivido su vida y han reído, hablado y gritado y que, si por un instante se despertaran a la vez, transformarían este lugar en un estadio de fútbol, en una manifestación o en un carnaval.

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Tanya Beyeler (Lugano, 1980) y Pablo Gisbert (Ontinyent, 1982) forman la compañía en Barcelona en 2010. Desde sus inicios, El Conde de Torrefiel ha destacado por un enfoque interdisciplinario que combina coreografía, literatura, y artes plásticas y sonoras. Sus espectáculos crean paisajes insólitos y narrativas visuales donde emergen las tensiones entre lo individual y lo colectivo, llevándolas a escena de manera sorprendente. Este enfoque innovador ha consolidado a la compañía como una referencia pionera del teatro contemporáneo, tanto a nivel nacional como internacional.
Desde su creación la compañía ha creado 13 espectáculos para sala, además de piezas site specific, video-creaciones, instalaciones y audio-guías teatralizadas para museos y espacios no convencionales. Entre sus creaciones más destacadas se encuentran Escenas para una conversación después del visionado de una película de Michael HanekeGuerrillaLa Plaza, ULTRAFICCIÓN nr.1 / Fracciones de tiempoUna imagen interior o La luz de un lago.

La labor artística de Beyeler y Gisbert ha sido reconocida con múltiples premios, incluyendo dos premios de la crítica de la ciudad de Barcelona: en 2018 por La Plaza y en 2022 por Una imagen interior. En 2021, Tanya Beyeler recibió el Premio Nacional de Artes Escénicas de Suiza, su país de origen. Durante más de una década, El Conde de Torrefiel ha realizado giras por los teatros y festivales internacionales más prestigiosos de artes vivas, especialmente en Europa. Su trabajo ha sido presentado en el Kunstenfestivaldesarts de Bruselas, La Biennale di Venezia, el Théâtre de Vidy-Lausanne, el Wiener Festwochen de Viena, el Festival GREC de Barcelona, el Festival d’Automne de París y el Festival de Aviñón, entre otros.

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Jan Martens – 22 de mayo en Teatros del Canal 

VOICE NOISE se inspira en el ensayo The gender of sound (1992) de Anne Carson, que describe cómo la cultura ha tratado de silenciar a mujeres al asociar ideológicamente sus voces con la monstruosidad, el desorden y la muerte.

En esta obra, seis bailarines interpretan la música de trece compositores y cantantes innovadores. En palabras de su creador, el coreógrafo y bailarín Jan Martens: “Quiero explorar la historia musical y ver si puedo dar visibilidad a algunas voces desconocidas. Esta vez quiero tomar la palabra ‘voz’ de manera bastante literal. La partitura de esta pieza estará compuesta íntegramente por obras en las que la voz femenina desempeña un papel protagonista”.

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Mette Ingvartsen – 21 de mayo en Teatros del Canal 

Un grupo de nueve intérpretes entrega sus cuerpos a una noche delirante de baile y música, cuando las obligaciones y las reglas diarias se suspenden temporalmente.

Inspirados por la libertad de los bailes de máscaras, los carnavales enajenados o las festividades descarriladas, sus cuerpos son impulsados ​​por brotes contagiosos de baile imparable y rebelde. Experimentan con la forma de crear arquitecturas alternativas de afecto y resonancia, mientras sus cuerpos se sumergen en un océano de sensaciones incontrolables. A veces luchan contra fuertes corrientes, otras disfrutan cabalgando sobre las olas salvajes. Oscilando entre el hedonismo y el exorcismo, la alegría y la tristeza, estos cuerpos prosperan en un estado de ánimo embriagador de colectividad. ¿Cómo puede un estado de descontrol y exceso impulsar a la multitud a actuar?

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