— MuroTRON

El Rapto de la R es un contexto de encuentro entre artistas de diversas disciplinas cuyo marco de relación es el de la performance como Escritura expandida.  Termino que hemos tomado de Jacques Derrida y que apunta a una grafía que no está ya ligada a un sentido, a un querer decir, a un hablante o autor del discurso, sino que opera como marcas o huellas desatadas, que inauténticas ya no representan a nada o a nadie, sino que reescriben constantemente el espacio más allá del sentido. Si la escritura es un rapto, el teatro es un secuestro, la danza un conjunto de arrebatos y parálisis y la performance una detención, operantes todas ellas más allá del sentido, entonces nuestras prácticas como expandidas pueden ser entendidas como el rapto de otro rapto, sobre un fondo ya siempre raptado.

Sara Manente, Carolina Mendoça y Quim Pujol como artistas invitados, Sofía Asencio, Tomas Aragay y Norberto Llopis como coordinadores y agentes también activos, compartirán con los participantes de estas jornadas sus prácticas tanto en forma de seminarios como en forma de prácticas artísticas, dispositivos, performances, operaciones u otros modos de reescribir la experiencia.

Escritura expandida (Lab) – Del 5 al 9 de marzo

Plazas limitadas a taller (20 personas). Un grupo de trabajo abierto a cualquiera que se quiera acercar y compartir. Es preferible la asistencia a todas las sesiones del ciclo.

Día 5 de marzo Taller Quim Pujol en LA GRANJA de 11h a 15h

Día 6 de Marzo Taller Carolina Mendoça en la GRANJA de 11h a 15h

Día 7 de marzo Taller Sara Manente en la GRANJA de 11h a 15h

Día 8 de marzo Taller Norberto Llopís en la MUTANT de 10h a 14h

Día 9 de Marzo Taller Sofia Asencio en el CONSULADO de 11h a 15h

Info o inscripción (PROVISIONAL) a todas las actividades:

consuladofonteta@gmail.com

Más información: https://www.lamutant.com/portfolio-item/rapto-r-escritura-expandida/.

Useless land – 8 de marzo 

La noche nos ofrece unas horas para demorarse y escuchar. Una necesidad de confiar en la comunidad temporal de personas con las que dormimos. Un estado de vigilia donde podemos estar juntes en el disenso, con nuestros diferentes lenguajes y sueños, en un estado entre la alerta y el sueño.

Invitamos al público a pasar la noche con nosotras, tumbado y escuchando. Los textos son leídos en voz alta por nosotras hasta el amanecer. La noche nos da tiempo para digerir a través de nuestras bocas y sus oídos. Una isla de superficie suave, una conexión con un terreno colectivo, un espacio donde dormir es una forma de entender el mundo. Un terreno inútil.

Evento nocturno de 12 horas de duración.

Más información: https://www.lamutant.com/portfolio-item/rapto-r-useless-land/.

Variedad de variedades – 9 de marzo 

Johnson, Escamillo, Mirko, Charmion y otros muchos artistas de variedades del siglo veinte no han desaparecido sino que siguen susurrándonos al oído a través de fotografías, entrevistas, vídeos y relatos.

De tanto manipular estos documentos, Quim Pujol ha desarrollado una serie de números que ponen en tensión el hacer de estos artistas con su interés por las prácticas experimentales. Como si estuviésemos en el Paralelo de Barcelona, los espectros de equilibristas, travestíes, cupletistas, hipnotizadores y mujeres forzudas se harán más presentes que nunca.

Más información: https://www.lamutant.com/portfolio-item/rapto-r-variedad-variedades/.

Read More

Olga de Soto – Del 28 de febrero al 1 de julio en el Museo Reina Sofía

La coreógrafa, bailarina e investigadora en danza Olga de Soto (Valencia, 1972) presenta Reconstrucción de una danza macabra, un proyecto de nueva producción que se enmarca en el programa Fisuras del Museo Reina Sofía. En él se revisita y amplía una investigación iniciada por la creadora hace más de una década sobre Der grüne Tisch [La mesa verde, 1932], obra antibelicista del coreógrafo alemán Kurt Jooss y pieza fundacional de la historia de la danza contemporánea.

Creada en el periodo de entreguerras y estrenada en París durante el ascenso del nazismo, La mesa verde hunde sus raíces en las danzas macabras medievales y se inspira en los textos políticos de Kurt Tucholsky y Carl von Ossietzky, quienes ya habían alertado de los peligros del nacionalsocialismo en Alemania y sus tendencias antidemocráticas. A pesar del éxito internacional alcanzado con esta coreografía, Jooss y su compañía —en la que había varias personas judías— tuvieron que exiliarse debido a las leyes antisemitas y la campaña de presión articulada por el nuevo gobierno de Adolf Hitler y la prensa asociada. Desde entonces la pieza ha sido interpretada por numerosas compañías alrededor del mundo.

De Soto se afana en indagar la huella que permanece en los espectadores que han visto La mesa verde y en los bailarines y bailarinas que la han interpretado, generando un archivo de testimonios de más de 67 horas de duración que atraviesa cuatro idiomas, seis países y dos continentes.

Un archivo no es considerado como tal hasta que se le da un orden, una sistematización, una interpretación. Todo archivo está dotado de una gramática, de un ritmo, de un lenguaje propio. La performatividad de este archivo desplegado por la creadora tuvo su primera presentación escénica en Une Introduction [Una introducción, 2010], donde se sucedían los cuerpos de las personas entrevistadas, los de los bailarines mostrados en las fotografías y el de la creadora como una cadena de presencias y ausencias. Entre líneas aparecían numerosas preguntas, reformuladas ahora en Reconstrucción de una danza macabra, tales como: ¿dónde quedan los restos de lo escénico?, ¿el archivo de la danza está en los documentos, en los cuerpos?, ¿quién decide qué trasciende?, ¿qué eventos, performances y acciones deben perdurar y cuáles no?

El trabajo de investigación de Olga de Soto sobre el propio medio de la danza, su historia, recepción y transmisión, la convierten en una figura clave que reflexiona tanto la disciplina como otras cuestiones: el archivo de lo coreográfico, la memoria oral y corporal o las posibilidades de traducción de lo escénico al espacio expositivo. Afincada en Bruselas, De Soto abandonó en el 2000 la producción coreográfica tradicional para embarcarse en proyectos en los que la danza demuda palabra, el cuerpo se vuelve sonido y el espacio físico se torna espacio mental. La voz como huella y el gesto como vehículo de la percepción son el corazón de Reconstrucción de una danza macabra. Al proyecto le acompaña un encuentro entre la artista y Lola Hinojosa, comisaria de la exposición, así como un programa de intervenciones coreográficas en las salas de la Colección, una invitación a penetrar corporalmente en esta nueva fisura practicada al Museo.

Más información: https://www.museoreinasofia.es/exposiciones/olga-soto.

Read More

Mónica Valenciano – Del 1 al 3 de marzo en Teatro Ensalle

Hay un lugar de la memoria donde los pasos anteriores resuenan en presente, un espacio potencial donde la presencia sucede como lugar de a-parición, algo acude en esa trama palpitante .. . entre los pasos que el tiempo suspende, el cuerpo se mueve llevado por aquello que trae, una polifonía de voces en la voz.

Allí donde una llamada se juega en nosotros escuchamos la lengua que arde, la pregunta en ruinas baila su extravío… emergencias de un tiempo que a la vez ignoramos .

– Y la ocasión cantaba: entre todo la sed ladra en la saliva… a patadas la melodía dejaba caer tres notas y un ciego en la voz duele lejos aquí, la otra cara del gesto ofrecido.

Entre todo la sed tiembla en agujero, moviendo acentos a plena luz escucha donde… margulla el esqueleto, a qué sabe ahora tu silencio ?

Con la boca abierta ..la curiosidad del cuerpo salvaje y su abrevadero de ausencias tras la lengua, no llega la pregunta a convertirse en nido lo que sopla cruza la intempérie, dejando ver la transparencia mas antigua pastaban los ojos de aquella noche, en apenas un instante escupió el bosque.

Aún la imagen cuenta semillas… pasos de una multitud en el fondo del rasguño.

De que hablan los muertos… lo que no sabes alcanza primeros pasos, en el suelo de otra voz danza…

Es tiempo de qué?

Más información y entradas | Texto de Kike García 

Ficha artística

Corpografía e interpretación: Mónica Valenciano
Música – fragmento: Bach – Sonata nº 9 A Major para violin y piano Op. 47
Diseño Iluminación: Cristina Libertad
Acompañamiento en residencia de creación: Raquel Sanchez, Cristina Carroquino, Chefer Cuneo y María Escobar.
Espacios de Residencia en Colaboración: Teatro Ensalle (Vigo), CasaVella (Ourense), Espacio en Blanco (Madrid) y Casa Encendida (Madrid).

Read More

Philippe Quesne – Del 12 al 14 de abril en el CDN

En parte bestiario medieval, en parte ciencia ficción ecológica y en parte western contemporáneo, The Garden of Delights es una epopeya retrofuturista que nos lleva de viaje a los mundos venideros. Philippe Quesne se ha inspirado libremente en El Jardín de las Delicias, el famoso tríptico de El Bosco, conocido por sus alegorías fantásticas y otras figuras quiméricas que navegan entre el infierno y el paraíso.

Al igual que el pintor del siglo XV, el reparto y el equipo de Philippe Quesne exploran, con melancólica curiosidad, las esperanzas e incertidumbres de una época en transición. Las fábulas de Vivarium Studio exploran mundos al límite del nuestro, donde todas las formas de heroísmo han dado paso a la fantasía desenfadada y a las utopías pacientes. La relación entre naturaleza y cultura se difumina, y cada uno de nosotros se aventura a formular respuestas lúdicas a las amenazas a las que nos enfrentamos.

Más información y entradas | Texto de Vera Martín Zelich

Read More

Sara Manubens – Del 14 al 17 de marzo en el Antic Teatre

Symphony of the Seas es una travesti patéticamente inestable que ensaya un gran escándalo. Al borde entre la realidad y la ficción, Symphony entrega su cuerpo a sus últimas fantasías, creando escenas melodramáticas y con alta carga visceral: emocionarse es un acto disidente. Symphony es un cuerpo que transiciona en su propia histeria mientras promete un gran espectáculo que nunca llega.
Symphony of the Seas es un estudio en la construcción del lenguaje con herramientas híbridas que provienen tanto de la Danza y la Performance como de la práctica e identidad Travesti, un estudio emocional sobre el amor y la violencia que recibe el cuerpo trans-femenino.


Sara Manubens. Artista, coreógrafa y travesti en Barcelona. Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual (Museo Reina Sofía, grupo ARTEA). Su trabajo se mueve entre el site-*specific, la performance y la danza y se centra en la transcorporalidad y su impacto en la realidad. Toma la práctica e identidad travesti desde una mirada crítica y experimental. Desarrolla sus propios proyectos de investigación desde 2015.
Diseña y ejecuta proyectos educativos en programas institucionales y escuelas públicas, entre ellos DRAG KIDS (2020) o TEEN HORROR (2023). Trabaja como performer con Cuqui Jerez, Aimar Pérez Galí, Idoia Zabaleta. Escribe reseñas críticas sobre danza y performance en el Blog del Mercat deles Flors.

Más información y entradas: https://www.anticteatre.com/events/event/sara-manubens/?lang=es.

Read More

2 de marzo en Azkuna Zentroa 

La última creación del coreógrafo Gaston Core es una relectura de la epopeya griega “Ilíada” desde la contemporaneidad, reconvertida en una batalla de rap.

Pienso que la “Ilíada” es ante todo la confrontación entre una sociedad determinada con el sistema de valores de un mundo que le precedió, legendario y heroico. Y por otro lado es la historia de un hombre que se enfrenta a sí mismo para acabar asumiendo la función que cumple en ese grupo y que le da sentido como individuo. La lectura de este texto es siempre nostálgica. Y esta es una de las muchas cosas que nos siguen conectando a él: esa mirada perpleja ante un mundo que se nos escapa y que imaginamos mejor que el que vendrá. ¿Pero cómo explicar la Ilíada?

Su importancia en la Historia, la modernidad de sus recursos narrativos y de los temas que trata, y sobre todo, cómo transmitir en una hora de performance la fuerza que tiene la palabra en este texto, de qué manera con ella se dignifica al otro para dignificarse uno mismo. Creo que la mejor manera es explicarlo a través de nuestros artistas contemporáneos de la palabra: los rappers. Eso es esta pieza: una mirada escénica y una reflexión estética a la obra fundacional de la literatura occidental mediante el lenguaje del rap y de la cultura hip-hop.

Más información y entradas: https://www.azkunazentroa.eus/es/actividad/gaston-core-antes-de-que-caiga-la-noche/.

Read More

24 de febrero en La Casa Encendida

Nicholas Grafia, artista y performer de Filipinas, la Unidad de Investigación Poética Itinerante Shanzhai Lyric (Nueva York) y la música de utaissa (Assiatou Diallo Barry) (Madrid) proponen un recital (20 h) donde dialogan con algunas de las características principales del teatro de Fornes.

Su trabajo navega por los lenguajes impuestos, el potencial afectivo de los objetos cotidianos en la performance y la poesía, de gestos absurdos, o la capacidad de la percusión y la música, para aproximarse de forma crítica a una realidad muchas veces violenta.

De forma previa, la programación incluye a las 18 h el visionado del documental The Rest I Make Up (2018), dirigido por Michelle Memran, y centrado en la obra y los últimos años de vida de Fornes.

*En la jerga teatral, ‘prompt corner’ o ‘esquina de avisos’ es el lugar desde el que se dirige y se mantiene el desarrollo de la escena, desde donde se controla la actuación y se recuerdan frases en caso de olvido.

Comisariado por: Juf (Bea Ortega Botas y Leto Ybarra).

Más información y entradas: https://www.lacasaencendida.es/escenicas/prompt-corner-2024.

Read More

Del 14 de febrero al 21 de abril de 2024 en La Capella

el otro aquí es un proyecto que se articula desde nuestra memoria personal, marcada por la distancia y aquello de lo que nos hemos alejado. Lejos de nuestros entornos afectivos y paisajes formativos, para habitar nuevos espacios y significados surgidos de otras tradiciones; las de aquí, donde nos hemos asentado, con retornos discontinuos a nuestros orígenes. Desde esta reflexión personal, la instalación apela al recuerdo universal y a su cualidad dúctil, que surge en la imposibilidad de su completud, en lo que falta: en una memoria desplazada pero latente.

Valentina Alvarado Matos y Carlos Vásquez Méndez

Como colectivo, Valentina y Carlos investigan la imagen en torno al dispositivo fílmico. Recientemente, han participado en la proyección de programas en la Galería Microscope y en Anthology Film Archives. A inicios del 2023 estrenaron la performance FFF en el Museum of the Moving Image de Nueva York.

Paracronismos, su primer proyecto desarrollado en La Escocesa, fue presentado en el CCCB, el Zumzeig, S(8), el Premio Miquel Casablancas, la Filmoteca de Catalunya y L’Estruch. En octubre de 2020 presentaron la instalación Y si ver era el fuego en la Filmoteca de Catalunya, comisariada por Carolina Ciuti y Marina Vinyes. Su performance Echo Chamber fue un encargo del CCCB para conmemorar el 20.o aniversario del Xcèntric. Actualmente son artistas residentes en Hangar y sus obras forman parte del catálogo Light Cone en Francia.

Artículo de Marta Azparren sobre el otro aquí | Más información

Read More

Delphine Lehericey – Prestrenos: Barcelona, 4 de marzo a las 20h en el Cine El Bosque / Madrid, 5 de marzo a las 20.15h en los Verdi

Tercera película de Delphine Lehericey, que ya antes ha dirigido dos historias centradas en la juventud física como lo son Puppylove El horizonte, ambas presentadas en el Festival de Cine de San Sebastián y ganadora esta última del Premio Lurra y otros galardones del cine suizo.

En Nuestro último baile, Premio del Público en el Festival de cine de Locarno, se ha centrado en el otro extremo de la vida, sirviéndose de un personaje igualmente joven de espíritu: Germain, interpretado por el ganador del premio César François Berléand. Una excusa para dar un toque de atención, en un registro cómico, a todos esos adultos que tratan a sus mayores, independientes, autónomos, útiles, como adolescentes.

Pues como tal, Germain “se rebela” ante sus hijos buscando refugio en algo que nunca antes había experimentado, la danza contemporánea. Extraño para el personaje, pero no para la cineasta, que antes de dedicarse al mundo audiovisual había trabajado sobre las tablas en proyectos con una intensa vinculación con la danza. Por eso no dudó en fichar para el rodaje a La Ribot, artista multidisciplinar madrileña, una mujer referente con reconocimientos tales como el Premio Nacional de Danza o la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes, entre otros. Para la ocasión no solo se ha encargado de la coreografía de la película, sino que se ha estrenado como actriz, interpretando un curioso personaje de sí misma.

Nuestro último baile se estrenará en salas españolas el 15 de marzo de 2024.

SINOPSIS.

Germain, un jubilado de 75 años, intenta reconstruir su vida tras la pérdida repentina de su esposa. Su familia no se lo pone fácil y trata de sobreprotegerle con visitas inesperadas, llamadas incesantes y pilas de tuppers en la nevera… Aunque él tiene claro su objetivo: sin que ellos lo sepan, hará todo lo posible por cumplir una promesa que se hicieron hace tiempo y que le introducirá de lleno en un mundo que le es completamente ajeno, el de la danza. 

Read More

Jueves 28, viernes 29 y sábado 30 de marzo
10:30 a 11:30 H.
12:00 a 13:00 H.
13:30 a 14:30 H.
16:30 a 17:30 H.
18:00 a 19:00 H.

Domingo 31 de marzo
10:30 a 11:30 H.
12:00 a 13:00 H.
13:30 a 14:30 H.

 

* Duración del masaje: 65 minutos.

* Se pedirá a las personas quitarse los zapatos y las gafas para recibir el masaje.

* El día anterior se recibirá un mensaje para confirmar asistencia.

*Se ruega avisar en caso de no poder asistir.

Pides cita, llegas al centro, te recibe una persona, te invita a tumbarte en una camilla al lado de una mesa con pequeños objetos y alguna pastilla. Que si hace calor, que si una manta, te pide que dejes caer los ojos, que los abandones en el fondo del cráneo y que le ofrezcas los párpados. Claro, es un acto de generosidad y disposición a la aventura. A partir de ahí, se apagan las luces y comienza un masaje singular que te recuerda que en sueños continúas viendo. El masaje durará una hora, el teatro también, el sueño, sin embargo, será más breve. Para entonces habremos llegado a puerto.

Más información y entradas: https://www.teatropradillo.com/masajes-de-la-vision/.

Idoia Zabaleta es una destacada creadora de la escena contemporánea actual. Como intérprete ha colaborado en varios montajes de la compañía Mal Pelo. Es licenciada en biología, y su especialización en ecosistemas y dinámica de poblaciones se puede apreciar en las ideas que recorren sus obras: tensiones e interrelaciones entre intérpretes, creadores, con el público, con el espacio de presentación, los límites del territorio, etc. Profesora y gestora, en 2008 creó junto a Juan González el espacio de creación AZALA como espacio de investigación, fomento y divulgación de la creación escénica.

Masajistas: Leticia Morales e Idoia Zabaleta
Voces: Camila Tellez, Miriam Inza y Ainara Legardón
Se escucha: The Most Dramatic Panda EVER de María Benito y An acoustic balad de Ode Aseguinolaza del album “Stolen Voices”
Agradecimientos: Rebecca Collins, María Benito, Karlos Martinez B. y Pablo Marte.

Read More