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Candela Capitán – 11 de junio en el CA2M

Celda Sonora es una performance de Candela Capitán que explora el cuerpo femenino como territorio de opresión a través de la danza y de dos dispositivos que condensan formas tradicionales y contemporáneas de vigilancia: el cencerro —empleado en la ganadería para localizar a las vacas— y el algoritmo, motor opaco que estructura la visibilidad, el deseo y el comportamiento en las plataformas digitales.
Celda Sonora propone una reflexión crítica sobre cómo estos mecanismos digitales—frecuentemente entendidos como herramientas de libertad o autoexpresión— reconfiguran nuestras relaciones y condicionan la construcción de la sexualidad y el erotismo en los entornos virtuales.
El espacio performativo se convierte en una granja de producción digital, donde artista y espectadores participan activamente en la generación de contenido sin ser del todo conscientes de su rol en el proceso. La banda sonora se compone en tiempo real a partir de la interacción entre el sonido del cencerro y la conexión del público a la retransmisión en directo.

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Candela Capitán (Sevilla, 1996) es artista y coreógrafa cuya práctica se sitúa en la intersección entre la performance, las artes vivas y los lenguajes digitales. Su investigación parte del cuerpo como dispositivo crítico para analizar los mecanismos de construcción del vínculo social, así como las dinámicas de alienación, desarraigo y vacío afectivo que atraviesan las sociedades contemporáneas, especialmente en contextos hipermediados.
A través de un enfoque interdisciplinar, su obra examina las relaciones entre cuerpo, objeto e imagen colectiva, articulando coreografías, instalaciones y acciones performativas que visibilizan las tensiones entre control, deseo y representación. Su producción se caracteriza por una reflexión incisiva sobre la sexualidad femenina, los regímenes contemporáneos de visibilidad y los dispositivos del deseo. Mediante un uso estratégico del voyerismo y de las plataformas de exhibición digital, Capitán propone una revisión radical de los modos en que el cuerpo se presenta, se regula y se consume en el espacio público y virtual.

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Armin Hokmi – 7 de junio en el Mercat de les Flors

Shiraz es una coreografía para siete bailarines, un entretejido de movimientos y energías que se encuentran y transforman en el escenario. El punto de partida es el Shiraz Arts Festival (1967–1977), un evento que reunió a artistas de todo el mundo, mezclando tradiciones y experimentación. Armin Hokmi recupera su espíritu, recuperando su sensación de libertad y exploración a través de la danza. Shiraz explora la conexión entre la danza y el sitio, entre los gestos y la historia, entre la memoria y la invención. Los bailarines trazan caminos en constante evolución, llevando el pasado al escenario y transformándolo en presente. Un acto de compartir, de movimiento y de renacimiento.

Armin Hokmi empezó en 2009 como intérprete de teatro independiente en Irán y más tarde siguió trabajando y estudiando en el extranjero. Como bailarín e intérprete ha trabajado con artistas como Mette Ingvartsen, Kasper Ravnhøj, Hooman Sharifi y Phillip Zarrilli entre otros. Su lenguaje de danza se preocupa por las danzas que han sido descuidadas y sin consideración histórica. Armin es artista asociado en Montpellier Danse para el curso 2024-2026.

Más información y entradas.

Concepto y coreografía Armin Hokmi / Danza e interpretación Daniel Sarr, Luisa Fernanda Alfonso, Xenia Koghilaki, Aleksandra Petrushevska, Efthimios Moschopoulos, Johanna Ryynänen, Emmi Venna, Charlott Madeleine Utzig / Música EHSXN, Reza R / Escenografía y concepto iluminación Felipe Osorio Guzmán / Diseño iluminación Vito Walter / Creada en conversación con Emmi Venna / Vestuario Moriah Askenaizer / Consulta y estudio archivo del Shiraz Arts Festival (1966-1977) Vali Mahlouji
Coproducción Festival Montpellier Danse 2024, Rosendal Teater (Trondheim), Dansehallerne (Copenhagen), Black Box teater (Oslo), Tanzfabrik (Berlín) / Con el apoyo Arts Council Norway, Nordic Culture Fund, FFUK, Nordic Culture Point / Apoyo residencias Montpellier Danse, Tanzfabrik (Berlin), Lake Studios (Berlin), Uferstudios (Berlin), DAVVI Center for Performing Arts Hammerfest / Período de investigación con el apoyo Dis-Tanzen / Agradecimientos Anne-Cécile Sibué, Rasmus Jensen, Diletta Sperman, Ellen Söderhult, Theatre Haus Berlin.

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A nation is born in me, de Soren Evinson | 24 de mayo en TEA, Tenerife

Søren Evinson, artista que se mueve en la intersección entre la performance, el teatro y la danza, presentará en el museo TEA Tenerife Espacio de las Artes el sábado 24 de mayo, a las 19:00 horas, A nation is born in me, una pieza escénica que reflexiona sobre los movimientos nacionalistas e identitarios a partir de múltiples registros de las artes escénicas y una relación proactiva con el público. La entrada para poder ver este trabajo, que forma parte del programa público de artes vivas del museo TEA Por Asalto, es libre.

Esta edición 2025 del programa público de Artes Vivas Por Asalto cuenta con el equipo curatorial formado por Sabela Mendoza, Mari Paula, Masu Fajardo y Javier Arozena.

Diseño gráfico: Héctor V. Nielsen

Esta pieza ocupa el encuentro mismo entre intérprete y público transformando nuestra presencia en un resbaladizo campo de batalla. Y a base de perforar ese encuentro, construye una forma irreemplazable. Algo que desactiva cualquier resistencia. Algo contra lo que no se puede luchar. Algo por lo que vale la pena rendirse.

A la luz del resurgimiento y fortalecimiento progresivo de los movimientos nacionalistas e identitarios en el siglo XXI, A nation is born in me extrae dinámicas que operan en dichos movimientos y los combina con aspectos asociados a las políticas de identidad, la cultura mediática, la cultura deportiva, la cultura del esfuerzo, la espiritualidad, la brutalidad y la híper-presencia, provocando una extraña cercanía entre estas estéticas. A través de las diferentes presentaciones del cuerpo, el texto , la música, el canto y los objetos, A nation is born in me construye un intenso y delirante paisaje en el que estas dinámicas aparentemente desconectadas se fortalecen mutuamente en una relación directa aunque de proposición incierta.
Daniel Papell, músico de formación clásica, inicia su carrera profesional como intérprete en distintas formaciones de música de cámara y orquestas. Con un particular interés por la música contemporánea desarrolla diferentes proyectos de hip hop. En 2011 va a vivir a Berlin donde pasa 6 años. Ahí continúa con la música moderna y atraído por la música electrónica sigue su investigación musical que le llevan a varias actuaciones en Alemania. Actualmente reside en Barcelona, trabajando de profesor de música y en distintos proyectos musicales y de artes escénicas. Ha compuesto y producido la música y el sonido para A nation is born in me, de Søren Evinson donde también mezcla y toca en vivo.

Más información: TEA

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Festival 10 sentidos | Del 9 al 22 de mayo en diversos espacios de València

Este certamen, desde un espíritu crítico y de reflexión sobre la sociedad actual, apuesta en cada edición por visibilizar cuestiones que preocupan a nuestra comunidad y por resaltar el poder del arte como catalizador de la acción social, integrando una reflexión de nuestra relación con la cultura, articulando praxis colaborativas, procesos de intervención social e integrando estas experiencias en contextos artísticos inclusivos. Cada año la programación se articula bajo un lema que trata de visibilizar problemas que afectan a nuestra sociedad.

El lema de la edición 2025 Naturaleza viva tiene como objetivo hacer visible el vínculo del ser humano con la naturaleza y la responsabilidad ambiental. Proyectos artísticos vinculados a la sostenibilidad, la resiliencia y al cuidado humano y de nuestro entorno, que nos permiten ser conscientes de la implicación y el conocimiento colectivo en el cuidado del planeta. Situar la práctica artística en el contexto actual de toma de conciencia del impacto ecológico de la actividad humana. Y del papel que debe desempeñar la cultura en este reto. Artes vivas para alimentar una nueva relación con el planeta, con apuntes simbólicos para el cambio social y modos de vida sostenibles.

La lucha contra el cambio climático es uno de los desafíos globales más importantes del siglo XXI y conlleva una reflexión profunda acerca del mundo que queremos vivir. Por eso, el Festival 10 Sentidos 2025 quiere explorar posibles nexos de unión entre las artes vivas y la naturaleza, ciencia y cultura, economía y humanismo. Partiendo de un enfoque interdisciplinar, que resalta el papel de las artes en la transformación social. El teatro, la danza, las artes visuales, la música y la performance son un gran disparador, por sus capacidades de imaginar, para precisar los horizontes éticos, y para esbozar nuevas formas de convivencia.

La responsabilidad ambiental exige más que soluciones técnicas. ¡Súmate al movimiento! Proponemos proyectos artísticos que reinventen la lucha contra el cambio climático desde una perspectiva optimista y práctica.

Más información: Festival 10 sentidos

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Ziomara Hormaetxe – 15 de mayo en Azkuna Zentroa

La coreógrafa vasca Ziomara Hormaetxe presenta “LĀTTICE”, una obra performativa en movimiento producida por Azkuna Zentroa, en el marco del proyecto europeo “ACuTe. Culture Testbeds for Performing Arts and New Technology” del que el Centro es partner estratégico, con el apoyo de Creative Europe. Comisión Europea.

“LĀTTICE” se basa en los principios de la física cuántica para traspasar la realidad convencional.

En un diálogo constante entre cuerpo y tecnología, esta pieza explora la gravedad como fuerza omnipresente que atraviesa el cuerpo en múltiples capas: desde lo físico hasta lo cuántico, configurando las maneras en que experimentamos el espacio y el movimiento.

La obra propone un viaje a través de espacios virtuales, multiversos, donde cada capa de la realidad abre nuevas posibilidades de existencia y conexión, expandiendo las maneras en que las narrativas contemporáneas de colaboración transforman nuestra realidad.

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David Maroto – 14 de mayo en La Capella

¿Por qué escriben novelas los artistas? ¿Qué efecto tiene la novela de artista en las artes visuales? ¿Cómo se debería experimentar una novela de este tipo?

En la actualidad, existe una proliferación de artistas visuales que crean novelas como parte de proyectos artísticos más amplios, lo que favorece un tipo de arte basado en el proceso y la subjetividad y permite introducir nociones como la ficción, la narración y la imaginación. En este sentido, es posible hablar de un nuevo medio en las artes visuales.

El artista e investigador David Maroto presenta La novela de artista: La novela como medio en las artes visuales (Greylock Editorial), un libro en dos volúmenes que combina ensayo teórico y un proyecto de investigación en forma de novela. David Armengol, director artístico de La Capella, conversará con Maroto para desentrañar los contenidos de la obra.

La sesión contará también con la participación de Susana Romanos, editora del libro.

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 If it were a movie de Macarena Recuerda Shepherd | 23 y 24 de mayo en La Mutant 

Si fuera una película es una pieza que explora las posibilidades del sonido en el cine para pensar la escena teatral. Un sonido que dramatiza, ficciona o resignifica las imágenes que toca, que produce extrañeza, humor o se convierte en metáfora viajando de lo verosímil a lo irreal. Esta superposición de elementos narrativos, el sonido ligado a lo cinematográfico y la escena, nos muestran las potencialidades de ambos. El sonido como generador de posibles ilimitados y la escena con su infinito código de representación.

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Texto de Artús Rei sobre la obra

Concepto: Macarena Recuerda.

Intérpretes: George Marinov y Macarena Recuerda.

con la colaboración de Idurre Arriola e Irantzu Azpeitia.

Producción de sonido: Alberto de la Hoz.

Iluminación: George Marinov.

Asesoramiento coreográfico y vestuario: Jorge Dutor.

Música: La Bravo & Gydeon.

con la colaboración de Segundo Olaeta Musika Eskola (Gernika-Lumo): Artur Sustatxa (Arreglos), Unax Atristain (Trompa), ⁠Beñat Zobaran (Trompa), ⁠Gartzen Cosme (Trompa), Iñigo Jaio (Trompa), ⁠Gartzen Cosme (Trompa), Ekaitz Gutiérrez (Tuba) y Martxel Asteinza (Percusión).

Una producción de Macarena Recuerda Shepherd, Antic Teatre y Gobierno Vasco.

Residencias en el Gernikako Udala, El Graner (BCN), Aulestiko Udala, Zornotzako Udala, Bilboko Udala, Teatro Ensalle (Vigo) y La Mutant (Valencia).

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Lolo & Sosaku – 30 y 31 de mayo en Réplika Teatro

Sumérgete en el reino fantasmagórico y mecánico de Lolo & Sosaku, el dúo de artistas de vanguardia argentino-japonés que están revolucionando la manera en que experimentamos el sonido y la forma. Desde 2004, han estado creando hipnóticas esculturas sonoras utilizando instrumentos y artefactos hechos por ellos mismos. El trabajo de Lolo & Sosaku puede describirse como monumental, un choque entre lo orgánico y lo inorgánico, lo real y lo surreal. Emplean conocimientos mecánicos básicos y sistemas técnicos complejos como si fueran un lenguaje propio, con el cual logran construir un mundo extraño e inexplicable que desafía las convenciones tradicionales. Conocidos por trascender los límites artísticos, la performance cinética de Lolo & Sosaku difumina las líneas entre la performance de ruido y la escultura musical.

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Lolo & Sosaku, artistas nacidos en Buenos Aires (1977) y Tokio (1976), respectivamente, residen y trabajan entre Barcelona y Tokio. Su obra explora los límites de la escultura como un campo expandido, buscando la interacción entre el objeto, su entorno y el espectador. A través de fricción y tensión, sus creaciones generan nuevos significados. Su práctica artística abarca esculturas, instalaciones, arte cinético, pintura y, especialmente, música y sonido. Fusionan formas, líneas, materiales y sonidos en esculturas en movimiento que evolucionan continuamente, explorando las fuerzas ocultas que definen nuestra era tecnológica. Inspirados por la música electrónica, traducen este lenguaje complejo en composiciones escultóricas y sonoras cargadas de energía y misticismo.
Han presentado su trabajo en instituciones como el Museo Reina Sofía, MACBA, Museo Chillida Leku, y festivales como Sónar. Su obra reciente incluye performances en el Gran Teatre del Liceu y el Museo de Navarra, además de exhibiciones en espacios internacionales como Double Square Gallery (Taiwán) y Studio Cromie (Italia). Su continua experimentación redefine los límites del arte, conectando lo material con lo trascendental.

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