BAJO EL MISMO TECHO | Jonathan Burrows & Matteo Fargion, serie de talleres y performances

Serie de talleres y performances con Jonathan Burrows & Matteo Fargion [UK]

del 19 al 26 de noviembre de 2018

Un programa coordinado por Azala

Organizado en colaboración entre Tabakalera (Donostia), Bulegoa z/b (Bilbo), inTACTO (Gasteiz), Azala (Lasierra)

 

Both Sitting Duet Body not fit for purpose

Performances de Jonathan Burrows y Matteo Fargion

Bulegoa z/b (Bilbo), 19 de noviembre a las 19:00 h

seguido de una conversacion con los artistas    

 

Any Table Any Room 

Laboratorio dirigido por Jonathan Burrows y Matteo Fargion

con Blanca Arrieta, Miguel Ángel Pérez Ávila, Zuriñe Benavente y Hannah Frances Whelan

Festival inTACTO (Artium-Vitoria), 21, 22 y 23 de noviembre

Any Table Any Room

Performance de Jonathan Burrows y Matteo Fargion

con Blanca Arrieta, Miguel Ángel Pérez Ávila, ZuriñeBenavente y Hannah Frances Whelan

Festival inTACTO (Artium-Vitoria), 23 de noviembre a las 20:45 h

52 portraits

Proyección y presentación con Jonathan Burrows y Matteo Fargion

Festival inTACTO (Artium-Vitoria), 23 de noviembre a las 19:00 h

Tras la presentación, la proyección continuará a modo de instalación hasta el 25 de noviembre

Speaking dance

Performance de Jonathan Burrows y Matteo Fargion

Tabakalera (Donostia), Sala Z, 25 de noviembre a las 19:00 h

seguido de una conversacion con los artistas    

Crossing the flor

Taller dirigido por Jonathan Burrows y Matteo Fargion

Tabakalera (Donostia), plató del Espacio de Creadores, 25 y 26 de noviembre, de 11:00 a 17:00 h

Inscripciones: azala@azala.es (Plazas limitadas. Fecha límite de inscripción: 15 de octubre). 

Precio del taller: 75 euros

Para inscribirse hay que enviar breve cv y carta de motivación 

Jonathan Burrows y Matteo Fargion colaboran desde 1989 creando una serie de duetos que giran por todo el mundo. Sus obras combinan el rigor intelectual con un humor inesperado, y tienen sus raíces en un amor compartido por la música clásica, que choca con una puesta en escena anárquica y alegre. El dúo ha colaborado con el videoartista Hugo Glendinning en el proyecto 52 Portraits, y su trabajo Body Not Fit For Purpose fue comisionado por la Bienal de Venecia 2014. En 2018 comienzan su serie Music For Lectures, que invita a oradores a dar una charla sobre interpretación, acompañados por una banda de rock. Burrows ha vendido más de 13,000 copias de su libro A Choreographer’s Handbook desde su publicación, y actualmente es investigador en el Centro de Investigación de Danza de la Universidad de Coventry. En el año 2017 Fargion compuso la partitura para la performance Oslo de Mette Edvardsen, y recientemente ha desarrollado una serie internacional de talleres de composición para coreógrafos. 

Jonathan Burrows y Matteo Fargion son co-producidos por Kaaitheater Brussels, PACT Zollverein Essen, Sadler’s Wells Theatre London y BIT Teatergarasjen Bergen.

Any Table Any Room

Jonathan Burrows y Matteo Fargion

con Blanca Arrieta, Miguel Garcés, Zuriñe Benavente y Hannah Frances Whelan

El coreógrafo Jonathan Burrows y el compositor Matteo Fargion presentan Any Table Any Room, una celebración de la energía colectiva, el intercambio, y la generosidad de los bailarines. Para ello invitan a cuatro artistas locales a unirse a ellos sobre el escenario en cada lugar de actuación, tras de un breve período de ensayo. ¿Cómo de posible es la comunidad? ¿Cómo retenemos nuestra autonomía mientras estamos en un grupo? Usando 72 objetos de arcilla creados por los propios intérpretes, canto comunitario y pedales en teléfonos móviles, Any Table Any Room es una exploración gregaria de los placeres y las exigencias del ser y el trabajar juntos.

Any Table Any Room se presentó en el Attenborough Centre de Brighton en 2017, y es la primera pieza del dúo en invitar a artistas locales en cada ubicación a unirse a ellos en el escenario.

Dramaturgia: Katie Coe y Nicola Conibere.

Administración: Nigel Hinds

Con el apoyo de: National Lottery del Arts Council England. 

Agradecimientos: St Anne’s Church Lewes, The Attenborough Centre for the Creative Arts Brighton y the Centre for Dance Research at Coventry University.

Con la interpretación de:

Miguel Garcés es licenciado en arte dramático, ha completado su formación en el mundo del Clown y la Comedia del Arte. En sus 23 años en el ámbito profesional trabajó como actor en diversas compañías: Teatro Dran, Teatro Zascandil, Teatro del Ruido… Desde hace 10 años desarrolla su trabajo actoral y creativo dentro de Zanguango Teatro. 

Blanca Arrieta (Vitoria, 1970) es coreógrafa, intérprete y colaboradora en numerosas creaciones contemporáneas. Recibió su formación en el London Contemporary Dance School/The Place y desde el año 2000 se ha dedicado a la creación propia, con el cuerpo como eje fundamental para el juego y la construcción física.

Zuriñe Benavente focaliza su trabajo en torno a una estética del movimiento centrada en la improvisación y en la búsqueda de nuevos lenguajes escénicos que exploren procesos contemporáneos a través del cuerpo y la voz.

Hannah Frances Whelan es creadora escénica graduada en Artes Teatrales Europeas en la universidad Rose Bruford de Londres. Ha participado en numerosos proyectos en Reino Unido, Francia, Brasil y Euskal Herria. Le interesa la investigación en el proceso creativo, sus comunidades temporales y su repercusión comunitaria.

 

52 portraits 

Jonathan Burrows, Matteo Fargion y Hugo Glendinning

52 Portraits es una canción de amor épica escrita como manifestación artística.

52 Portraits es una serie de retratos de imágenes en movimiento de bailarines acompañados de autobiografías cantadas que captura el poder profundo, divertido y sorprendente de sus sujetos, revelando las historias, pensamientos y luchas de los bailarines de forma inesperada.

Cada lunes, a lo largo del 2016, un bailarín o intérprete compartía un breve retrato gestual.

52 Portraits es un proyecto digital colaborativo del coreógrafo Jonathan Burrows, el compositor Matteo Fargion y el videoartista Hugo Glendinning. 

Canciones realizadas por Matteo y Francesca Fargion.

52 Portraits es una producción de Sadler’s Wells.

Gracias de Jonathan, Matteo y Hugo a todos los participantes, que compartieron libremente sus movimientos, autobiografías, música, y tiempo, para hacer posible este proyecto.

Hugo Glendinning trabaja como fotógrafo y cineasta desde hace treinta años. Su producción se extiende a través de una diversidad de industrias culturales y engloba desde colaboraciones en arte contemporáneo, en video y fotografía, hasta la producción, el archivo, o el retrato. Ha trabajado con la mayoría de las principales compañías británicas de teatro y danza, y es producido regularmente por The RSC, National Theatre y Royal Opera House. Ha publicado y exhibido sus trabajos a nivel internacional, y en especial su proyecto continuo de documentación y de investigación en performance con Tim Etchells y su compañía Forced Entertainment.

 

Speaking dance

Jonathan Burrows, Matteo Fargion

Speaking Dance sigue la sutil exploración que Burrows y Fargion hacen sobre cómo percibimos la relación entre música y danza, y de las frágiles pero permeables fronteras que separan ambos mundos. Sus piezas son meditaciones formales, llenas a su vez de humor sobre la esencia de la comunicación y sobre la relación que hay entre ellos y el público.

Speaking Dance ha sido co-producida por Dance Umbrella London y el Jonathan Burrows Group con apoyo del Arts Council England.

Crossing the Floor 

Jonathan Burrows, Matteo Fargion

El coreógrafo Jonathan Burrows y el compositor Matteo Fargion comparten un taller breve en el que presentan algunas de las ideas que hay detrás de sus piezas. El taller está abierto a las personas que tengan interés en las artes performativas, independientemente de su habilidad técnica, y se concentrará en temas concretos como el tiempo, la forma y la composición que rigen su trabajo, así como en las estrategias que usan para romper con lo que están haciendo y conectar con el público. El taller incluye ejercicios y actividades además de debate y reflexión. El taller se impatirá en inglés.

 

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PROKLAMA nº12| JOAO FIADEIRO, CAROLINA CAMPOS, COLECTIVO QUALQUER

Programa de talleres y encuentros Artium y Teatro Hegoalde (Vitoria- Gasteiz)

del 15 al 22 de septiembre

 

QUÉ HACER DE AQUÍ PARA ATRÁS

Performance dirigida por Joao Fiadeiro

con Adaline Anobile, Carolina Campos, Márcia Lança, Iván Haidar y Julian Pancomio

Teatro Jesús Ibañez de Matauco (Hegoalde), 15 de septiembre a las 20.00 h

Entradas a la venta en internet y en puntos habituales de la red municipal de teatros de Gasteiz

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 QUÉ HACER DE AQUÍ PARA ATRÁS_IN SITU 

Laboratorio acompañado por João  Fiadeiro, Carolina Campos e Iván Haidar

Artium, Sala Plaza, del 16 al 21 de septiembre, de 16.00 a 21.30 h

Información e inscripciones: proklamar@gmail.com (plazas limitadas)

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QUÉ HACER DE AQUÍ PARA ATRÁS_IN SITU 

Presentación con las y los participantes del laboratorio

Artium, Sala Plaza, 21 de septiembre, a las 19.00 h, acceso libre

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ANATOMIA DE UNA DECISIÓN: COMPOSICIÓN EN TIEMPO REAL

Presentación del libro y conversación con JoãoFiadeiro

Artium, Sala Plaza, 22 de septiembre a las 18.00 h, acceso libre

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PLAYA

Performance de Luciana Chieregati, Ibon Salvador y Carolina Campos

Artium, Sala Este Alta, 22 de septiembre a las 20.00 h, acceso libre

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Con este Proklama nº12, continuamos en Vitoria-Gasteiz un programa de talleres y encuentros, a través del cual volvemos a la pregunta: «Nosotros, el pueblo, ¿en qué sentido se trata de un ejercicio performativo?». Esta pregunta parte de un texto de Judith Butler titulado Nosotros, el pueblo. Reflexiones sobre la libertad de reunión, al que nos hemos referido en anteriores ediciones. Esta duodécima edición girará en torno a la fuerza de la participación, al mero hecho de estar ahí, a las maneras de estar y pensarnos juntas/os, a lo que sucede entre los cuerpos.
O qué hacer de aquí para atrás. Esta pieza explora el tiempo –duracional, suspendido, intervalo— mientras “al mismo tiempo” se centra en lo que permanece, en lo que es olvidado, en los residuos. Los restos generan vacío. Hacen ver la ausencia de la presencia, o mejor, son la presencia de la ausencia. En los restos encontramos trazas y signos que nos permiten afrontar la tarea imposible de re-construir el mundo, una y otra vez. Los restos son también lo que está entre los cuerpos y la presencia del otro en el cuerpo, una huida permanente hacia cosas que aún no existen, hacia lo que las cosas pueden hacer. O qué hacer de aquí para atrás se sitúa entre la duda y la posibilidad. Donde lo no dicho es más importante que lo dicho, donde la ausencia se superpone con la presencia y donde el drama no viene del teatro sino de lo que los cuerpos –de los performers y de los espectadores— pueden hacer (y tener y traer). Las sombras indican la presencia de la luz, el silencio la presencia del sonido, la ausencia la presencia del suceso. Esta pieza es sobre sombras, silencios y ausencias –para aquellos que lo pregunten—.
O qué hacer de aquí para atrás_ in situ. Esta versión de laboratorio “in situ” realizada con artistas locales comparte el concepto dramatúrgico básico de la pieza escénica con dos diferencias principales. La primera es que los performers, en lugar de generar discurso oral como una forma de trasladar sus experiencias en la calle (lo que sucede en la versión escénica), producen discursos físicos que se materializarán en imágenes y situaciones que traducen su experiencia en el exterior del espacio escénico. En segundo lugar, el público no está en silencio y sentado frontalmente, como lo harían en el teatro, sino que son invitados a circular en un espacio abierto entre las imágenes y situaciones generadas por las/ los performers. Cada performer utilizará el laboratorio previo a esta presentación “in situ” para establecer las líneas dramatúrgicas generales de su presencia, así como para desarrollar sus habilidades de correr, relacionadas con la resistencia, estamina y duración. Para que este dispositivo funcione el cuerpo necesita estar al borde del colapso, pero no puede colapsarse realmente. El cuerpo necesita estar exhausto pero no puede estar cansado (1). João Fiadeiro se encontró con Carolina Campos en el 2012 y con Ivan Haidar en 2015, en diversos talleres de Composición en Tiempo Real (CTR). Desde entonces han investigado el roll de CTR (diseñada inicialmente como herramienta de improvisación), como metodología para crear trabajos coreográficos y performativos. El resultado de este cuestionamiento les llevó a colaborar en las piezas O que fazer daqui para tras (2015) y De lejos era una isla (2018), en las que por primera vez en la aproximación de Fiadeiro a la coreografía, CTR no fue usado como fuente para generar material sino como una herramienta de navegación para colaborar.
Anatomía de una decisión: Composición en Tiempo Real. Presentación del libro recién publicado por João Fiadeiro. Además del testimonio oral directo, que nos permite familiarizarnos con los orígenes de CTR y sus vínculos con la historia de la improvisación, el libro se compone de dos partes: un dossier visual- ilustrativo, con descripciones de algunos ejercicios prácticos, acompañados de imágenes de talleres y de los artefactos que João Fiadeiro construye en sus talleres; y una extensa reflexión teórica sobre las fases de aplicación de esta herramienta, escrita sobre uno de los diagramas que Fiadeiro suele dibujar al inicio de sus talleres –una línea interrumpida por un lapso— y que sintetiza visualmente su pensamiento.

Playa. …En un zoológico miramos a un león dentro de una jaula. Quitamos el león y ponemos en su lugar el cuadro Gernika de Picasso. Estamos mirando el Gernika de Picasso dentro de una jaula. Quitamos la jaula y el zoológico y ponemos un desierto. Estamos mirando el Gernika de Picasso en el desierto. Quitamos el Gernika y ponemos un museo. Ahora, estamos mirando el museo sobre un desierto. Quitamos el desierto y ponemos a Amy Winehouse. Miramos a Amy Winehouse entrando en una de las salas del museo. Quitamos el museo y ponemos un micrófono con un bar al fondo. Entonces estamos mirando a Amy Winehouse ante un micrófono con un bar de fondo. Quitamos a Amy Winehouse y ponemos a Fidel Castro hablando incansablemente en español. Eso quiere decir que estamos mirando a Fidel Castro hablando ante un micrófono frente a un bar. Quitamos el bar y ponemos la Casa Blanca. Miramos a Fidel Castro hablando ante un micrófono delante de la Casa Blanca. Quitamos a Fidel Castro y la Casa Blanca y ponemos un cementerio delante del presidente actual de los Estados Unidos. Así estamos mirando a Donald Trump hablando en español ante un micrófono delante de un cementerio. Inmediatamente le quitamos la voz y se queda allí mudo gesticulando delante del micrófono (…). Coletivo Qualquer: Luciana Chieregati e Ibon Salvador + Carolina Campos. Las tres son coreógrafas e investigan modos de crear en colaboración que a priori no partan de estrategias  de consenso. Actualmente desarrollan su trabajo entre Portugal, País Vasco y Brasil.

Programa de artes vivas organizado en colaboración entre Artium y Azala. Para esta edición, Proklama colabora también con la red municipal de teatros de Vitoria- Gasteiz. Este Proklama ha recibido la ayuda de Iberescena.

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O QUÉ HACER DE AQUÍ PARA ATRÁS_IN SITU | Laboratorio con João Fiadeiro, Carolina Campos e Iván Haidar

Laboratorio acompañado por João Fiadeiro, Carolina Campos e Iván Haidar
Artium, Sala Plaza, del 16 al 21 de septiembre, de 16.00 a 21.30 h
Información e inscripciones: azala@azala.es (plazas limitadas)
21 de septiembre, Artium, (Vitoria- Gasteiz) Sala Plaza, presentación con los/las participantes del laboratorio
Dentro de Proklama nº12, programa de artes vivas organizado en colaboración entre Artium y Azala. Con la ayuda de Iberescena

Esta versión de laboratorio “in situ” realizada con artistas locales comparte el concepto dramatúrgico básico de la pieza escénica con dos diferencias principales. La primera es que los performers, en lugar de generar discurso oral como una forma de trasladar sus experiencias en la calle (lo que sucede en la versión escénica), producen discursos físicos que se materializarán en imágenes y situaciones que traducen su experiencia en el exterior del espacio escénico. En segundo lugar, el público no está en silencio y sentado frontalmente, como lo harían en el teatro, sino que son invitados a circular en un espacio abierto entre las imágenes y situaciones generadas por las/ los performers. Cada performer utilizará el laboratorio previo a esta presentación “in situ” para establecer las líneas dramatúrgicas generales de su presencia, así como para desarrollar sus habilidades de correr, relacionadas con la resistencia, estamina y duración. Para que este dispositivo funcione el cuerpo necesita estar al borde del colapso, pero no puede colapsarse realmente. El cuerpo necesita estar exhausto pero no puede estar cansado (1). João Fiadeiro se encontró con Carolina Campos en el 2012 y con Ivan Haidar en 2015, en diversos talleres de Composición en Tiempo Real (CTR). Desde entonces han investigado el roll de CTR (diseñada inicialmente como herramienta de improvisación), como metodología para crear trabajos coreográficos y performativos. El resultado de este cuestionamiento les llevó a colaborar en las piezas O que fazer daqui para tras (2015) y De lejos era una isla (2018), en las que por primera vez en la aproximación de Fiadeiro a la coreografía, CTR no fue usado como fuente para generar material sino como una herramienta de navegación para colaborar.

O qué hacer de aquí para atrás, la performance, se presenta en el teatro Hegoalde de Gasteiz, el 15 de septiembre. Ver programación de Proklama. La pieza explora el tiempo –duracional, suspendido, intervalo— mientras “al mismo tiempo” se centra en lo que permanece, en lo que es olvidado, en los residuos. Los restos generan vacío. Hacen ver la ausencia de la presencia, o mejor, son la presencia de la ausencia. En los restos encontramos trazas y signos que nos permiten afrontar la tarea imposible de re-construir el mundo, una y otra vez. Los restos son también lo que está entre los cuerpos y la presencia del otro en el cuerpo, una huida permanente hacia cosas que aún no existen, hacia lo que las cosas pueden hacer. O qué hacer de aquí para atrás se sitúa entre la duda y la posibilidad. Donde lo no dicho es más importante que lo dicho, donde la ausencia se superpone con la presencia y donde el drama no viene del teatro sino de lo que los cuerpos –de los performers y de los espectadores— pueden hacer (y tener y traer). Las sombras indican la presencia de la luz, el silencio la presencia del sonido, la ausencia la presencia del suceso. Esta pieza es sobre sombras.

João Fiadeiro se encontró con Carolina Campos en el 2012 y con Ivan Haidar en 2015, en diversos talleres de Composición en Tiempo Real (CTR). Desde entonces han investigado el roll de CTR (diseñada inicialmente como herramienta de improvisación), como metodología para crear trabajos coreográficos y performativos. El resultado de este cuestionamiento les llevó a colaborar en las piezas O que fazer daqui para tras (2015) y De lejos era una isla (2018), en las que por primera vez en la aproximación de Fiadeiro a la coreografía, CTR no fue usado como fuente para generar material sino como una herramienta de navegación para colaborar.

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NARRATIVAS 63 | POSTALES SONORAS MARTXAUNDI II

Dicen que los rayos de las tormentas son serpientes que parten en dos el mundo.

De arriba a bajo.

De norte a sur.

De este a oeste.

Caminando entre valles y tormentas, de Azala a Bilbao, Ibon Salvador, Ula Iruretagoiena, Marta Villota, Monica Cofiño, Elisa Uriszar, María Ezquerro, Itxaso Díaz e Idoia Zabaleta, irradiaron estas postales sonoras para el programa “Grafitti”, Radio Euskadi.

Llegaron a Bilbao, a Azkuna, al programa Prototipoak.

Fue una postal cada día, del 29 de mayo al 2 de junio. Aquí todas en una:

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P.I.C.A. | Programa de Imaginación Colectiva en procesos de creación Artística

 

En Azala de septiembre de 2018 a diciembre de 2020

Información e inscripciones: azala@azala.es

Plazo límite de inscripción: 5 de julio

Enviar una breve biografía y carta de motivación

Dirigido a personas interesadas en desarrollar un proceso de creación artística

Coordinado por Azala y Moare Danza, en colaboración con el Festival BAD (Bilbo) y Festival DNA (Iruñea)

 

P.I.C.A. es un programa intensivo de acompañamiento a un grupo de artistas e investigadoras/es. Un programa de estudios basado en la práctica artística. Busca generar una comunidad de aprendizaje en la que se incluirá una fase formativa, una fase de residencia de creación y una última fase de publicación.

P.I.C.A. también puede ser entendido como un periodo singular de entrenamiento, como un laboratorio sobre escritura coreográfica, escena, performance, acción, composición, imagen, sonido, cultura visual y otros lenguajes artísticos. Es un espacio de experimentación para intercambiar y compartir conocimiento.

P.I.C.A. también es:

Pico, beso. Escozor en el cuerpo. Pez que muerde el anzuelo. Comer picoteando. Comer uvas de grano en grano. Estimular el cuerpo o el espíritu. Mover, excitar. Tocar ligeramente los puntos o las materias. Maldecir o murmurar. Y concluir con algunos toques graciosos, por ejemplo, una obra. Y el viento levanta las olas. Y todo eso es picar.

Yo pico, tú picas, el/ ella pica, nosotros/as picamos, vosotros/as picáis, ellos/as pican. ¿Para qué sirven los pronombres personales? Para saber, por ejemplo, cuántas personas se ponen a picar si deciden picar. Y para saber, también, las relaciones que mantienen entre ellas. Los pronombres personales nos ayudan a hablar de lo colectivo. Más los pronombres que los nombres. Entre el yo, que es siempre el mismo aunque vaya nombrando una cosa distinta, y el imprevisible nosotros, hay un salto, abismo azaroso, que puede llenarse de toda clase de personas y de imaginaciones.

Programa de imaginación colectiva. La imaginación se mueve a ras del suelo. Es rugosa y tiene límites. Se mueve de cuerpo a cuerpo, penetra los cuerpos, los ocupa. Se basta a sí misma para actuar, es acción. La acción, masa madre de la creación artística.

Funcionamiento del proyecto. Las fases:

  1. Formación y comunidad de aprendizaje: encuentros mensuales de 5 días en Azala, de lunes a viernes. Septiembre 18-octubre 19. (Se adjunta calendario)
  2. Extensiones I: participación en los Festivales BAD (ediciones 18-19) y DNA (ediciones 19-20)
  3. Residencias en Azala: residencias cruzadas. Noviembre 19- junio 20.
  4. Extensiones II: residencias de producción y/o técnicas en extensiones del Festival BAD y Festival DNA. Mayo 20- diciembre 20
  5. Publicación del trabajo y estudio de la aplicabilidad de los procesos resultantes. Enero 20- diciembre 20

P.I.C.A. ofrece a las personas participantes:

  • Bolsa de estudio para gastos de viaje y alojamiento durante el programa.
  • Formación. Participación en la formación específica del programa P.I.C.A., así como en los laboratorios, seminarios y talleres que Azala organiza en su programación.
  • Posibilidad de experimentación. Entendiendo experimentación como un acto cuyo resultado es desconocido. Apertura que deben facilitar los espacios de residencia independientes para generar así un corpus de saberes y experiencias generadas en los propios proyectos, abierto a lo imprevisible.
  • Acompañamiento artístico. Seguimiento del trabajo de los/as participantes por parte del equipo de Azala, Moare, Festival BAD y DNA  y de artistas invitados.
  • Equipo técnico en los contextos e las extensiones del Festival BAD y DNA .
  • Residencias cruzadas en AZALA.
  • Participación en Festival BAD (Bilbao)y  Festival DNA (Iruña).

P.I.C.A. les solicitará:

  • Una imagen-inquietud inicial.
  • 100 % de implicación en el desarrollo del programa P.I.C.A.
  • Articular las observaciones y los análisis derivados de la práctica artística y mantener un diálogo constructivo con el resto de participantes del programa, así como con las estructuras que acogerán P.I.C.A.
  • Investigar de manera abierta y con la experimentación como horizonte.
  • Compartir su conocimiento con las participantes del programa.
  • Hacer y escribir.

Equipo  P.I.C.A.:

Idoia Zabaleta, Luciana Chieregati, Ixiar Rozas, Colectivo PIG e Isabel de Naverán. Puntualmente invitaremos a otras artistas, creadoras o investigadoras a “instigar” al grupo.

Calendario aproximado de la primera fase P.I.C.A:

PICA 1: 10-13 de setiembre 18, en Azala (presentación)

PICA 2: 1-5 octubre 18, en Azala

PICA 3: 30 octubre-4 nov, en Festival BAD 18

PICA 4: 10-14 diciembre 18, en Azala

PICA 5: 7-11 enero 19, en Azala

PICA 6: 18-22 de febrero 19, en Azala

PICA 7: 4-8 de marzo 19, en Azala

PICA 8: 1-5 de abril 19, en Azala

PICA 9: 8-12 de mayo, en Festival DNA 19

PICA 10: 17-21 de junio 19, en Azala

PICA 11: 9-13 de setiembre 19, en Azala

PICA 12: 21-25 de octubre 19, en Azala

 

Idoia Zabaleta. Coreógrafa. En la Facultad de Biología se especializó en ecosistemas y dinámica de poblaciones. Estudió nueva danza e improvisación y tras ser parte de Mal Pelo, desde el año 2000 coproduce y crea su propio trabajo, que ha podido verse en festivales y encuentros de ámbito internacional. Desde 2008, construye y gobierna junto con Juan González,  el espacio de creación AZALA, situado en el mismo pueblo donde vive.

Luciana Chieragati. Coreógrafa y performer. Desarrolla su trabajo en el ámbito de las artes escénicas elaborando piezas limítrofes que dialogan con el cotidiano. En 2008 crea junto con Ibon Salvador el Coletivo Qualquer. Desarrolla los proyectos coreográficos Playa, Over, Huts– ArteanGAG, It was a large room. Actualmente se afinca en Bilbao, desde donde mantiene colaboraciones y piensa contextos con Alina Folini (Arqueologías del Futuro, Buenos Aires), Carolina Campos (Re.al, Lisboa) e Idoia Zabaleta (Azala, Lasierra).

Ixiar Rozas. Escritora, dramaturga e investigadora. Explora de forma práctica y teórica la materialidad de la voz y el lenguaje. Sus libros, textos y materiales se han publicado en varios países e idiomas. Algunos títulos: Negutegia (2006, 2009), Ejercicios de ocupación. Afectos, vida y trabajo(2015, co- editado con Q. Pujol), Beltzuria (2014, 2017), 20.20 (2017, con M. Salgado). Doctora en Bellas Artes, en la actualidad es profesora de educación artística (Mondragon Unibertsitatea), del Máster en Investigación y Creación en Arte (UPV/EHU) y miembro de AZALA.

Isabel de Naverán. Estudia procesos de danza actual y coreografía contemporánea. Doctora en Bellas Artes, es miembro de ARTEA (Madrid), profesora del Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual (UCLM) y del Máster Investigación y Creación en Arte (UPV/EHU). Co- funda la oficina de arte y conocimiento Bulegoa z/b en Bilbao. Edita los libros Hacer Historia (2010), Lecturas sobre danza y coreografía (2013). Comisarió la exposición “1930. En el Pacto de San Sebastián. Historia y Síncope” (2016) y “Envoltura” (2016-2017). Actualmente, coordina el ciclo de danza Elipsiak en AZ (Bilbao) y es Asesora de Danza para el Museo Reina Sofía de Madrid.

Colectivo p.i.g. Es un congreso de investigadoras y creadoras que trabajan los nuevos lenguajes artísticos relacionados con la escena y el cuerpo. Realizado en Navarra para profesionales navarras, estatales e internacionales, con el fin de facilitar la inter-relación entre artistas, diversificar los lugares de creación e investigación, posibilitar que las artistas navarras tomen parte en el desarrollo de las últimas tendencias relacionadas con el cuerpo y la escena. Está formado por Maia Villot y Ghislaine Verano.

 

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NARRATIVAS 62 | HAYA AGUA GARRAPATA, radio novela por entregas

Radio novelilla de MARTXAUNDI I por entregas, grabada y editada por Loty Negarti. Del 20 al 23 de junio de 2016, a pie de Bilbo a Lasierra, Azala.

Caminar y marchar por puro placer, oteando el horizonte.

Camino, luego soy.

Publicado en CD en el fanzine revistra silvestre Martxaundi y también podéis escuchar aquí una de las grabaciones: BAYAS (agua para los espaguetti).

Pronto, en este mes de mayo, con algunas bayas aún sin flor, haremos la segunda edición MARTXAUNDI II.

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NARRATIVAS 61 | CONVERSACIÓN CON JOAO FIADEIRO, PARTE II

La semana del 25 de septiembre del 2017, tras su paso por Tabakalera, el laboratorio Composición en Tiempo Real continuó en Azala en formato de simulación.

Luciana Chieregati, Ibon Salvador y Joao Fiadeiro conversan sobre CTR como herramienta de pensar el pensamiento, sobre afectos y la micropolítica de relación entre composición y posición:

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PROKLAMA nº11 | LAGARTIJAS TIRADAS AL SOL, 11-17 de marzo

Programa de talleres y encuentros

Artium, Mostrenka (Vitoria-Gasteiz), del 11 al 17 de marzo

 

LA VENGANZA DE LO REAL
Taller dirigido por Luisa Pardo y Gabino Rodríguez, Lagartijas tiradas al sol (México)del 11 al 13 de marzo en Azala, horario de mañana y tarde
del 14 al 16 de marzo en Artium, sala Este Alta, horario de mañana y tarde
17 de marzo en Artium, sala Este Alta, apertura del laboratorio, a las 12.30 h
Información e inscripciones: proklamar@gmail.com (plazas limitadas)

VERACRUZ
Performance de Lagartijas tiradas al sol (México)
Sala Mostrenka, c/ del Cubo, 1 (Vitoria-Gasteiz)
16 de marzo a las 20.00 h

TIJUANA
Performance de Lagartijas tiradas al sol (México)
Artium, sala Este Alta, acceso libre
17 de marzo a las 19.00 h
seguido de una conversación con Luisa Pardo y Gabino Rodríguez

 

Con este Proklama nº11, continuamos en Vitoria-Gasteiz un programa de talleres y encuentros, a través del cual volvemos a la pregunta: Nosotros, el pueblo, ¿en qué sentido se trata de un ejercicio performativo? Esta pregunta parte de un texto de Judith Butler titulado Nosotros, el pueblo. Reflexiones sobre la libertad de reunión, al que nos hemos referido en anteriores ediciones. En esta undécima edición, invitamos al colectivo mexicano Lagartijas tiradas al sol, creadores escénicos interesados en generar proyectos en relación con lo social, lo político, lo biográfico y lo comunitario, para agrietar los límites entre lo (auto)biográfico y lo ficcional.

Lagartijas tiradas al sol somos una cuadrilla de artistas convocados por Luisa Pardo y Gabino Rodríguez. En 2003 comenzamos a desarrollar proyectos como mecanismo para vincular el trabajo y la vida, para borrar fronteras. Nuestro trabajo busca dotar de sentido, articular, dislocar y desentrañar lo que la práctica cotidiana fusiona y pasa por alto. No tiene que ver con el entretenimiento, es un espacio para pensar. Nos interesa seleccionar hechos del pasado y trabajar sobre su construcción, poner de manifiesto la arbitrariedad con la que se construye la Historia y generar otra lectura, igual de arbitraria, pero nuestra. No queremos corregir la Historia, sino simplemente poner el énfasis en otro lugar, cambiar de narrador, volvernos actores de un pasado que pudimos o no haber vivido, poner en perspectiva el presente, inventar historias. Nuestro trabajo ha girado en torno a las nociones de: biografía, documento e Historia.

Venganza de lo real, laboratorio dirigido por Luisa Pardo y Gabino Rodríguez, atravesará preguntas como: ¿Cuáles son los límites entre lo (auto)biográfico y lo ficcional? ¿Cuándo se cruzan? ¿Cuándo lo personal pasa a ser colectivo y al revés? ¿En qué se diferencia un relato periodístico, una crónica subjetiva, de una propuesta de escritura escénica basada en lo «real»? ¿El yo del que se parte en este tipo de propuestas es siempre el autor o autora, o pueden ser otras alteridades que prestan su voz para la construcción del relato? Venganza de lo real se inicia en Punto de Vista, Festival Internacional de Cine Documental de Navarra, para continuar en Azala y Artium, ya en el marco de Proklama.

Veracruz, nos estamos deforestando o cómo extrañar Xalapa es una conferencia y una intervención, un desahogo de Luisa Pardo. Es la segunda pieza del proyecto La Democracia en México. La intención es ver de cerca el problema acallado de un estado de la República Mexicana que lleva casi doce años gobernado por una alianza entre los narcotraficantes y los políticos y, desde la tercera década del siglo XX, no ha tenido otro partido en el poder que el PRI. Veracruz contiene en sus territorios la ruta que inició Cortés para conquistar México. Veracruz es el estado donde creció Luisa Pardo. Veracruz es una delgada franja de tierra con costa y montañas, mucha pobreza y violencia, asesinatos, desaparaciones y silencio. La intervención de Luisa Pardo intenta contener muchas otras voces, imágenes e imaginarios que nacen de otras personas. Personas que al igual que ella extrañan su tierra como una tierra fértil para el arte, para el pensamiento crítico, para la expresión, para el amor, para vivir.

Tijuana. ¿Qué significa democracia en México a día de hoy para unos 50 millones de personas que viven con el salario mínimo? ¿Qué esperamos de la democracia hoy en día? ¿Qué esperamos de la política más allá de la democracia? La economía condiciona la manera en que experimentamos con la política y las expectativas que tenemos. Partiendo de esa premisa, Tijuana pone en escena la experiencia de Gabino Rodríguez, convertido durante seis meses en Santiago Ramírez, habitante de Tijuana (Baja California), bajo unas condiciones específicas que lo apartaron de su mundo habitual, del que permaneció incomunicado mientras trabajaba con el salario mínimo en una fábrica de la zona. La puesta en escena busca contar esta experiencia e indagar en las posibilidades de la representación. Ser otro, intentar vivir la vida de otra persona. Hacerse pasar por otro. ¿No es eso la actuaciónactuar?

Proklama es un programa de artes vivas organizado en colaboración entre Artium y Azala. Para esta edición de Proklama, colaboramos también con el Festival Internacional de Cine Documental de Navarra (Iruñea), con dFeria (Donostia) y con la sala Mostrenka. Este programa ha recibido una ayuda IBERESCENA.

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NARRATIVAS 60 | COLECTIVO CUALQUER & CAROLINA CAMPOS

Algunas veces los brazos deciden cruzarse, las manos encajarse, alguna mano toma libre un movimiento al aire, un gesto de subir el volumen de la radio, intensificar las expresión, los dedos son angulosos, él simétricamente, desde el centro hacia fuera como abriendo las hojas de una coliflor, ella pelando un pomelo, excavando un agujero en la arena del desierto. Incontenible. Ninguno de ellos pronuncia la j con fricción en la garganta. La playa está en plena galerna, todo sale volando y los millones de granos de arena al aire sabotean la nitidez de la foto.

Tras su estancia en AZALA con Playa

luivcomp from AZALA on Vimeo.

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NARRATIVAS 59 | CONVERSACIÓN CON JOAO FIADEIRO Y CAROLINA CAMPOS

El 21 de septiembre de 2017, durante el Laboratorio de Composición en Tiempo Real y Creación Coreógrafica realizado entre Tabakalera y en Azala, conversamos con los coreógrafos Joao Fiadeiro y Carolina Campos sobre la metodología Composición en Tiempo Real.

Y también, entre muchas otras cosas, sobre la importancia de preservar la invisibilidad para poder seguir haciendo lo que haces.

Primera parte de la conversación, pronto subiremos la segunda.Buena escucha:

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