— MuroTRON

Inauguración Sábado 11 Enero a la 13h
11 Enero 2020 – 15 Marzo 2020
a cargo de ROSANAYARIS

CICLO “Estar sin estar” a cura de nyamnyam (Iñaki Alvarez y Ariadna Rodriguez).

“No todos los yogures pueden denominarse ‘Yogur Griego’ aunque lo parezcan, o todos los yogures pueden denominarse ‘Yogur griego’ aunque no lo parezcan – YOGURT MATTERS”

Actualmente se define el ‘yogur griego’ como una marca protegida. Según la asociación de industrias lácteas griegas, es ‘yogur griego’ solo si se produce en Grecia siguiendo procedimientos específicos; así se defienden de ‘una crudaapropiación de la identidad nacional’. Aunque parece una normativa estricta, se acerca más a una estrategia de mercado que a una intención clara de dar soporte a redes de producción local agroecológica en ese país. De esta manera y según estas reglas, da totalmente igual de dónde proceda la leche que se usa para elaborar este yogur ‘griego’. Así resulta que si en un acto de fe, la capella de Sant Roc se nombra temporalmente territorio heleno – como sucede con las embajadas – podemos hacer ‘yogur griego’ con la leche de las cabras de nuestra amiga Nur en Mieres, el pueblo dónde se encuentra el mas nyamnyam y hemos estado desarrollando este proyecto antes de llegar a la Capella de Sant Roc de Valls, Grecia.

¿Qué lleva el yogur griego que lo hace tan especial y disputado? Las etiquetas llenas de imágenes del Partenón, de columnas, de ‘Tsoliades’ o de islas griegas, desvelan que los ingredientes son exactamente los mismos que en cualquier otro yogur; un poco más de grasa y menos azúcar. Esto no evita que el ‘yogur griego’ de la marca Danone se pueda legalmente denominar así pese a estar elaborado en España, etiquetarse con la imágen de un evocador antiguo templo griego, y usar los colores blanco y azul (propios de la bandera de Grecia). Así lo dictó una sentencia de la Audiencia Provincial de Barcelona en Marzo de 2002.

Las implicaciones socio-políticas del yogur (griego) van más allá de los conflictos de denominación de origen y de su condición de fermento, que de manera intrínseca contiene la vívida acción de transformación a través del contacto de sus microorganismos (en retroalimentación con otrxs sujetos, humanos o no). En los años ’50 y ’60 en Grecia, en los tiempos previos a la dictadura, los jóvenes llamados ‘Teddy Boys’ arrojaban yogur contra las autoridades como forma de protesta política. Se llegó a instaurar la Ley 4000/1958, que se encargaba de castigar públicamente a los manifestantes, paseándolos con la cabeza rapada de mala manera y con carteles colgando del cuello que anunciaban que eran ‘culpables de arrojar yogur’. El lanzamiento de yogur se ha reactivado durante la fuerte crisis que ha atacado al país en los últimos años. De la misma manera, el yogur ha tenido siempre otros usos que van más allá del culinario, como por ejemplo para hidratar la piel quemada por el sol.

Pensamos la producción de ‘yogur griego’ en Valls como una manera de subvertir las lógicas políticas, socio-económicas y culturales, instauradas por la verdad absoluta – sea de la iglesia, la identidad nacional, el mercado del arte contemporáneo o Danone -. Planteamos otras maneras de habitar un lugar sin pasteurizar, un ‘estar sin estar’ para que estén los microorganismos, dónde la fermentación se produce como una reacción directa al medio de la Capella de Sant Roc. Así el yogur variará en sabor, textura, olor, cantidad, dependiendo del contacto y cuidado de los visitantes y personas que interaccionen con el proyecto. Quizás sea comestible, quizás no; siempre lo podremos acabar usando en la próxima manifestación.

Esta exposición, abre el ciclo ‘Estar sin estar’ a cura de nyamnyam, con la participación de ROSANAYARIS, Fernando Gandasegui y Gauthier Chambry durante este año 2020:

La capella como punto de encuentro. La capella como una gran mesa. La capella como infraestructura colectiva. ¿Dónde están los bancos de la capella? Crear un dispositivo de apoyo y retroalimentación. Un lugar donde soltar el peso, el cuerpo, apareciendo así lo que está vivo – visible o invisible – en forma humana, de espora, u otros. La capella abre cada día de 19h a 20:30h. Prime time en la capella. Exposiciones performativas y adaptativas a la fuerza.

Estar sin estar para que haya otras posibilidades de habitar más allá de estar (nosotrxs).

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El sábado, 14 de diciembre, la Romo Kultur Etxea (Getxo) acogerá una sesión de artes en vivo en la que participarán artistas del ámbito local, nacional e internacional. Bajo el título de “Un lugar en el que poder hundirse” y de 17:00 a 22:00 horas, se mostrarán los trabajos de Itziar Okariz, en colaboración con Izar Ocariz; María Salgado; y Alex Baczynski-Jenkins, en cuyas propuestas confluirán coreografías, acción, lectura de poemas, técnica corporal y escucha expandida. Esta iniciativa, que servirá como preámbulo del programa de Artes en Vivo de Getxoarte 2020, está comisariada por las investigadoras Julia Morandeira e Isabel de Naverán.

Concebido a modo de partitura coreográfica, este programa acerca al público diversos modos de estar, percibir y sentir, sobre los que las propuestas se articulan a través de tres metáforas corporales: el cuerpo subjetivo y colectivo, modulado por diversas fuerzas; el propio edificio de la romo Kultur Etxea, entendido como un cuerpo en constante intercambio con su entorno; y el municipio de Getxo, cuyo paisaje y geografía proporcionan el contexto en el que se despliegan y con el que dialogan las propuestas artísticas. A través de esta iniciativa, se invita al público a reflexionar y experimentar con todas esas modulaciones perceptivas y sensoriales, que a la vez son íntimas y colectivas, ínfimas pero importantes.

Abrirán el programa de 17:00 a 17:30 horas Itziar Okariz e Izar Ocariz con el trabajo “Respiración oceánica”, una obra construida a partir de un coro de respiraciones que toma como base el “ujjayi”, un tipo de respiración en la práctica del yoga que evoca el concepto de esta obra, con un importante carácter figurativo. Su autora, Itziar Okariz, trabaja en el marco de la acción y la performance, cuestionando las formas de regular el lenguaje y la producción de signos que definen al ser humano.

De 18:00 a 18:30 les sucederá “Salitre”, un proyecto performativo de la poeta María Salgado, una artista que trabaja habitualmente con el lenguaje como material de textos, audiotextos y acciones. En esta obra, a partir de la sencilla lectura de un poema ahonda en la lengua de contar los sueños guiada por la percepción que compartimos sueños plasmados sobre fondos, paisajes, tramas y objetos similares.

Finalmente, Alex Baczynski-Jenkins presentará de 19:00 a 22:00 The Tremble (el temblor), el primer episodio del trabajo coreográfico The Tremble, the sympton, the swell and the hole together, producido por la galería Chisenhale de Londres en 2017. En esta obra, los gestos, el sonido y la palabra proponen un vocabulario encarnado por varios performers, que a lo largo de tres horas despliegan su complicidad tanto en el disfrute como en la sensación de pérdida. La pieza insiste en el encuentro y en la construcción de afinidades e invoca una relación particular con el tiempo.

Equipo curatorial

La investigadoras getxotarras Julia Morandeira Arrizabalaga e Isabel de Naverán conforman el equipo curatorial responsable de este programa. La primera co-dirige junto a Manuel Segade el departamento de investigación escuelita en el CA2M-Centro de Arte Dos de Mayo en Madrid y es comisaria de las actividades del Pensamiento de los Teatros del canal, entre otros proyectos, actividades que compagina con la docencia en el Dutch Art institute (Holanda) y en la escuela SUR (Círculo de Bellas Artes de Madrid).

Por su parte, Isabel De Naverán ha desarrollado su labor en el ámbito de la investigación de las artes escénicas. Entre 2016 y 2018 fue comisaria del ciclo de danza “Elipsiak” en Azkuna Zentroa y desde 2017 es asesora de danza del Museo Reina Sofía de Madrid. En 2010 inicia junto a Leire Vergara, Miren Jaio y Beatriz Cavia la Oficina de arte y conocimiento Bulegoa Zenbaki Barik, un proyecto premiado con el galardón Gure Artea en 2018.

Para desarrollar el programa, han contado en esta ocasión con la asistencia en la mediación y producción de la artista madrileña Andrea Rodrigo, cuya práctica se mueve entre la coreografía contemporánea, la danza y la labor curatorial en diversos proyectos

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La residente de BAR project Jimena Croceri hace un taller gratuito y abierto a todas y todos en torno a nuestros cuerpos, huecos y materias:
INTERSPACIOS es un taller grupal para experimentar proximidades, cambios de estado de la materia, sensaciónes de tiempo, de ritualidad, de humedad, o de fusión. Forma parte de una serie de encuentros para los cuales la artista invita a personas, colaboradores, o amigos a imaginar, ensayar y calcar espacios entre sus cuerpos. Lo que queda al separarse es la impronta endurecida, ese aire en forma de hueso que te une a otrxs.
Al inicio realizaremos una breve presentación de la serie y varias actividades preparatorias a través de un proceso mental y fisico compartido. El encuentro esta impulsado por el deseo de la participación activa y es abierto para todas las personas y todos los cuerpos. Si el clima nos acompaña el taller se realizará en la playa.

Paisajismo musical y sonoro a cargo de Noe Valdez Vera.

NOTA: traer debajo de la ropa mayas o calzas cortas que puedan ensuciarse momentáneamente con yeso

Actividad gratuita con inscripción previa. Si quieres asistir escribe a hello@barproject.net

Taller abierto: los días 12, 13 y 14 de diciembre Jimena estará recibendo a quien tenga interés en conocer más de su práctica en su taller de Fabra i Coats. Si te interesa asistir, escribe a jimenacroceri@gmail.com

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Del 13 al 15 de diciembre en Teatro Ensalle

Sergi Fäustino, Terrorismo de autor, Antoine Forgeron, Pedro Fresneda, Raquel Hernández y Artús Rei.

La cuarta y última de las intervenciones que la compañía Ensalle realizará en el proceso de creación de lo que será la pieza “Antes de que llegue la bestia” que será estrenada aproximadamente en Febrero de 2020.
Se plantea como un trabajo frente al pensamiento único. Frente a un único punto de vista. Un primer acercamiento a la voz de las palabras, al cuerpo de las ideas, a la mirada del otro, al lenguaje del otro. Un posicionamiento, a su política. Una fiesta en suma.
La primera intervención fue en Junio de 2019 con el “Canchal VI. Terrorismo”, la primera colaboración con Terrorismo de Autor y en la que ya participaba Antoine Forgeron. En Septiembre dimos continuidad a este mismo Canchal pero creada desde cero y con resultados completamente diferentes. Esta segunda versión del “Canchal VI” se presentó en Valencia en Teatro de lo Inestable.
La tercera intervención es el “Canchal VII. Sergi” del 11 al 13 de Octubre de 2019, ya de regreso en casa, en Ensalle.
Este “Canchal VIII. Sergi, Antoine y Terrorismo” será el último encuentro de creación previo al estreno de “Antes de que llegue la bestia” y reunirá a todos los creadores de los anteriores canchales.
Será presentado dentro del XIV Festival Catropezas ’19 y tendrá un formato similar a los Seis Cordas que acostumbran cerrar este festival.

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Óscar Cornago y Juan Navarro.
Proyecto SE ALQUILA. ARCHIVO VIVO DEL ACTOR.
28 de Noviembre Universidad Fonseca de Santiago de Compostela.

¿Qué queda del hombre cuando la obra está acabada sino escombros de disculpa?
(William Gadis, Los reconocimientos, 1952.)

SE ALQUILA es una conversación imposible entre una cabeza y un cuerpo, entre el mundo de las ideas y la acción, entre el sujeto de una conferencia y el objeto vivo de esa conferencia; una conversación suspendida en un lugar incierto entre pasado y futuro. La memoria de Juan Navarro como actor, performer, creador escénico y director teatral es el eje que articula este espacio suspendido de conversaciones imposibles. Una conferencia performativa o una performance que se despliega en un tiempo abierto de reflexión.

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Fechas: Del 29 de noviembre al 1 de diciembre

Hora: 20:00 horas

Lugar: Centre del Carme. Sala Dormitorio

Organiza: Taller Placer y Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana

Colabora: Centro Cultural Conde Duque de Madrid, Culturarts, Ajuntament de València

Enllaç: www.tallerplacer.com

Ésta es una obra que coloca al espectador frente a un espacio y un tiempo para imaginar libremente. El trabajo parte de materiales muy livianos y placenteros como el aire, la risa, los pájaros o el plástico. Este cuerpo gozoso lo que quiere es deshacerse de la gravedad; esa fuerza física que ejerce una fuerte influencia sobre nosotros en todo momento, que nos sujeta y nos impide que despeguemos. Para conseguirlo los cuatro intérpretes recurren a juegos, a trucos de magia y a la construcción de objetos etéreos en una propuesta espacial muy volátil y gaseosa.

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Dimecres 27 de noviembre a las 20h

Càpsules de Creació en Cru són moments de trobada amb els creadors residents al centre, pensats per compartir de manera confortable i distesa la seva pràctica artística, l’estat actual dels seus projectes, les matèries i qüestions que apareixen i nodreixen el seu treball. Mostres informals, presentacions amb diferents nivells d’exposició, sessions obertes d’estudi, projeccions, converses i altres dispositius per descobrir l’interior dels processos de creació.

Dimecres 27 de novembre, a les 20h Ohiana Altube i Javier Vaquero compartirà el seu projecte Rojo pandereta.

 Després parlarem al voltant del seu treball mentre prenem un vermut.

(Entrada lliure amb aforament limitat.)

Rojo pandereta pren com a referència l’obra literària de Miguel de Cervantes, Don Quijote de la Mancha (1605-1615) i la seva suposada posada en escena el 1869 per al coreògraf Marius Petipa amb el Ballet Don Quixot en el Teatre Bolshói de Moscú (Russia). El procés de creació de Rojo pandereta neix del desig de qüestionar els paradigmes coreogràfics que com a ballarines han travessat i construït les nostres identitats corporals (nacionals, de gènere, de raça i professionals) al llarg de les nostres carreres. D’aquesta manera pretén evidenciar que la dansa, a més de ser una manifestació estètica, ha servit i serveix per a l’escriptura de les ideologies, les identitats, les emocions, els simbolismes i fisiologies dels cossos; i que, a la vegada, és un mitjà de constitució política, social, cultural i econòmica.

Durant el nostre període de residència a La Caldera, emfatitzarem en la investigació del que nosaltres hem anomenat ‘psicoballet’ i com això pot ser vist des de fora per un públic assistent. El psicoballet és una pràctica diària que portem fent des del principi del projecte. És el fer que ens acompanya en cada pas del procés. Un, fer que està amb nosaltres per una dependència a aquest mateix. Es tracta d’una barra de ballet acompanyada per una reflexió somàtica sobre com ens sentim aquell dia. Deixant-nos fluir i derivar per comunicar a l’altre l’estat anímic integral del nostre ser més profund a través dels exercissis de ballet.

Javier Vaquero i Oihana Altube

Javier Vaquero i Oihana Altube són ballarines ibèriques amb cossos que han performat dansa clàssica, el Graham, el Flying Low, el Relehase, la Macarena, el Pilates, el Movimient Auténtic, el Ioga occidental, el Quiromassatge, les Danses de Caràcter, el Horton, el Body Mind Centering, Feldenkrais, el Neoclàssic, el Forshyte, el Jazz, l’Aeròbic, l’Aurresku, les Sevillanes, el Voguing, el Cunningham, la Composició en Temps Real, la Danza Movimiento Terapia i la Sardana, entre altres.

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Aimar Pérez Galí

30 de noviembre en Azkuna Zentroa

Conmemorando el Día Internacional de la Lucha contra el Sida, AZ presenta The Touching Community, una pieza del coreógrafo Aimar Pérez Galí que aborda la relación entre la danza y el sida/VIH.

A finales de 2015, Aimar Pérez Galí inicia una investigación acerca del impacto que tuvo la epidemia del sida en la comunidad de la danza en el contexto español y latinoamericano. Apropiándose de la práctica del Contact Improvisation, este trabajo se construye como un diálogo con los fantasmas de aquellos que se fueron. Esta práctica de danza, iniciada por Steve Paxton, en la que el movimiento se improvisa a partir del contacto físico entre dos cuerpos, contrasta con las políticas de inmunidad que trajo el VIH/sida.

The Touching Community es un trabajo íntimo y afectivo que aborda una época que aún a día de hoy debemos seguir dando visibilidad y afrontando con la sensibilidad que requiere. Un trabajo sobre la memoria, sobre los bailarines que dejaron de bailar demasiado pronto; sobre una comunidad que se construyó fuerte en un momento de gran debilidad; y sobre el tacto y el contacto como herramienta de supervivencia. Pero sobretodo es un trabajo que habla del amor, del cambio y del miedo.

Si en su trabajo anterior, Sudando el discurso, utilizaba el sudor como herramienta para afirmar la danza como discurso legítimo, en este nuevo trabajo se convierte en el punto de partida para entender un contexto complejo y dramático. Durante los años 80 y 90 el VIH se expandió hasta convertirse en una epidemia. El virus sigue expandiéndose aunque los medios para paliarlo han cambiado mucho y hoy en día ya no se considera una enfermedad mortal. The Touching Community parte de una investigación sobre el impacto que tuvo la epidemia del sida en la comunidad de la danza durante esas dos décadas para producir una acción performática donde se invite al espectador a ser tocado a un nivel sensible y afectivo.

Ficha artística
Idea, dirección y textos: Aimar Pérez Galí
Danza: Óscar Dasí, Jesús Bravo, Jaime Conde-Salazar, Aimar Pérez Galí
Dramaturgia: Jaime Conde-Salazar y Aimar Pérez Galí
Apoyo en la investigación: Aimar Arriola
Diseño espacial y de luces: Cube.bz
Banda sonora: Tirso Orive
Ilustración y fotografía: Jordi Surribas
Producción: ANTES / Aimar Pérez Galí
Con el apoyo de: Becas de investigación de la Generalitat de Catalunya; Graner – Centre de Creació del Cos i el Moviment (Barcelona); Programa de Ayudas IBERESCENA; CaixaForum Barcelona; Tabakalera (San Sebastián); L’animal a l’esquena (Celrà, Girona); PAR – Programa Artistas en Residencia (Montevideo); Centro Cultural de España en Montevideo; CEPRODAC (Ciudad de México); Museo del Chopo (Ciudad de México); Espacio Práctico (Barcelona).

Aimar Pérez Galí desarrolla su práctica artística en el campo de la danza y las artes en vivo como bailarín, coreógrafo, investigador, pedagogo y escritor. Estudió danza contemporánea en la Escuela Superior de Artes de Ámsterdam (Holanda) y ha cursado el Máster en teoría crítica y estudios museológicos en el Programa de Estudios Independientes del Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA) y la Universitat Autònoma de Barcelona (UAB). Es co-fundador y director de Espacio Práctico desde 2010. Profesor en el Conservatorio Superior de Danza del Institut del Teatre de Barcelona desde 2014 y coordina colectivamente el grupo de lectura ‘¡Encarna!’ en el MACBA desde 2017.  Desde el 2016 forma parte del Consejo de Cultura de Barcelona como persona de reconocida válida.

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