Para el artista Iñaki Álvarez lo interesante es el olor
El olor from Marc Caellas on Vimeo.
Para el escritor Jordi Nopca todo sucede en una piscina
La piscina from Marc Caellas on Vimeo.
Para la escritora María Folguera la inquietud son los efectos secundarios
Los efectos secundarios from Marc Caellas on Vimeo.
#elpericotumbalapaloma
Para la periodista Erica Magni un tema es el color
El color from Marc Caellas on Vimeo.
Para el escritor Jordi Carrión todos somos adictos
La adicción from Marc Caellas on Vimeo.
Para la librera Isabel Sucunza la palabra es desfase
El desfase from Marc Caellas on Vimeo.
El Perico tumba la paloma
El escritor y creador escénico Pau Palacios habla de cómo repartir el presupuesto de la obra.
El presupuesto from Marc Caellas on Vimeo.
El perico tumba la paloma
EL músico Nico Roig cree que todo es un tema de confianza
La confianza from Marc Caellas on Vimeo.
El Perico tumba la paloma
El escritor Robert Juan-Cantavella opina que el tema clave es la velocidad
La velocidad from Marc Caellas on Vimeo.
El Perico tumba la paloma
Festival TNT 1 de octubre
Antic Teatre 5-9 de octubre
ETNOFICCIONES, FORMAS DE OLVIDAR
Un texto publicado en el blog del Frinje Festival
julio 7, 2016
Conocí a Mapa Teatro a mediados del 2008. Recién instalado en Bogotá, me convertí en asiduo visitante de esa casa de la carrera séptima que funge como residencia, taller, laboratorio y sala de exhibición o fiestas. En esos meses colaboraba con la Oficina Cultural de la Embajada de España. José Antonio de Ory había organizado una suerte de festival cuyo objetivo era poner en contacto creadores españoles y colombianos. Se trataba de huir del perverso concepto de las industrias culturales y del falso buenismo de cierta cooperación cultural para apoyar los procesos de creación, para generar vínculos entre artistas a largo plazo o para dar a conocer propuestas poco convencionales. Así, en pocas semanas pasaron por Bogotá Uriel Fogué, Nerea Calvillo, Andrés Jaque, José Luis Guerín, Cuqui Jerez, María Jerez, Amaia Urra, Cris Blanco, Angélica Liddell, Agnés Mateus o Juan Navarro. Había dinero. Había criterio. La mayoría de estos creadores pasaron por Mapa Teatro.
Mapa Teatro es un laboratorio de artistas que lideran Heidi y Rolf Abderhalden. Además de la creación y producción de sus propias obras, Mapa Teatro se han preocupado siempre por la formación. Como resultado de todo este proceso surge la Maestría de Artes Vivas de la Universidad Nacional, un programa formativo que ya quisieran para sí las universidades en España. Una versión comprimida y reducida, por las evidentes limitaciones de tiempo, ha sido este laboratorio de Etnoficciones del que ayer se presentaron sus resultados. A partir del periódico gratuito El Distrito y de los CV de los participantes desarrollaron un esbozo de pieza que conecta Arganzuela con la conquista de América, el Casino de Madrid con Hernán Cortés y la precariedad laboral con Beyoncé. Un cabaret dadá lo llamó Heidi al final. Una especie de manifiesto político. O de revista satírica. Con apenas diez días de taller no se puede pedir más. Faltó, quizás, un poco más de tiempo para que los participantes se soltaran más. En cualquier caso, ahí hay una semilla de la que podría salir una pieza de artes vivas para la próxima edición del Frinje. Como dicen en Colombia, ahí les dejo esa inquietud.
De Mapa Teatro se podrá ver en Frinje Testigo de las ruinas, una muestra de su trabajo multidisciplinar, una cita imperdible. Es curioso como Mapa Teatro se presenta regularmente en prestigiosos festivales europeos como Avignon, Malta o Viena, mientras en España son prácticamente desconocidos. Si fueran alemanes o ingleses ya hubieran estado en el Lliure o en el Festival de Otoño varias veces, pero como vienen de Colombia pues parece que no interesa tanto. Los programadores y sus criterios.
No me gusta salir corriendo de las obras. Forma parte de la experiencia quedarse un rato más en el espacio, o en los alrededores, si es posible con una caña, digiriendo o comentando lo vivido. Ayer me vi forzado a hacerlo, para llegar puntual al metro de La Latina, donde se estrenaba Formas de olvidar, una obra del colectivo Atlas. Me llamaba la atención la propuesta. Los recorridos teatrales me interesan siempre. Si además están vinculados con los procesos de gentrificación más aún. Gentrificación no es un nombre de señora.
Después de un inicio lento, con un guía demasiado apático, la pieza gana algo de consistencia a medida que se suceden las escenas. Los espectadores entramos en el dispositivo y nos dejamos guiar por los testimonios de los vecinos, grabados o en vivo, mientras reflexionamos sobre si hace falta disponer de una oferta de cien tipos de pan para ser felices. Es obvio que no, aunque tampoco sirve de mucho entrar en esta dinámica de pensar que los viejos tiempos siempre fueron mejores. La nostalgia puede ser una cursilada, como nos recuerda Javier Pérez Andújar. Se trata de hacer leyes justas. El problema no es que se acabara con las rentas antiguas. El problema es que la nueva ley de alquileres no pusiera límites a la voracidad capitalista. El problema es que un amigo no te reciba unos días en su casa porque tiene alquilado su piso a través de Airbnb. Ahí es cuando se jode todo. Formas de olvidar, en su deriva, genera reflexiones sobre el paso del tiempo, sobre lo que vale la pena conservar y sobre lo que vale la pena olvidar. El grupo avanza lentamente por las calles de La Latina. Vecinos del barrio y turistas se suman ocasionalmente al grupo. No entienden qué sucede. Escuchan un rato, observan, siguen a lo suyo. No voy a entrar en detalles. No spoilers, please. Quedan aún dos funciones.
WASTED, BBBB, LA BLANCA /
Un texto publicado en el blog del Frinje Madrid 2016.
julio 6, 2016
Hace apenas un par de años hablar del Fringe era entrar en un terreno espinoso del que era difícil salir indemne. Se le criticaba todo. El adoptar un formato importado, un nombre extranjero, su excesiva duración, los criterios de selección de las obras, un caché insuficiente, etc. Pero el Fringe sobrevivió a las peleas internas, las guerras culturales e incluso al sofocante calor de julio. Pasó a ser el Frinje. Pasó a tener una comisión artística internacional que selecciona los proyectos. Pasó a pagar un mínimo garantizado de honorarios que hace que, por ejemplo, este año, dos compañías que han hecho bandera del rechazo a ir por taquilla formen parte de la programación.
Ir o no a taquilla, ésa es la cuestión. Íntims Produccions se negó a aceptar las condiciones de La Seca para participar en el Festival Grec de este año. Así, su obra Wasted se verá en julio en Madrid, y no en Barcelona. El caso de La Seca es flagrante. Hace dos años la Agrupación Señor Serrano se negó a hacer temporada un mes yendo a taquilla. No les salían los números. No quisieron entrar en una estrategia suicida. La Seca no es el único caso, pero nos sirve de ejemplo de una mala práctica demasiado extendida en nuestro ecosistema cultural. Reviso en su web y veo que ahora la sala es una “Fábrica de Creación”. Tiene dos directores artísticos: Hermann Bonnin y Jesus Julve. Me pregunto si ellos cobran a taquilla, si su sueldo depende de si se venden más o menos entradas. Me pregunto también si el señor que está en la taquilla, o la persona que se encarga de la prensa, o el técnico que ilumina la sala, va a taquilla. Sería justo, ¿no? Me temo que no funcionan así las cosas. Me temo que nuevamente, una sala pública sirve para pagar el sueldo de una serie de personas que viven gracias al trabajo de otra serie de personas que se ven obligados a ir a taquilla. El contenedor primero. Los funcionarios primero. Luego, si queda algo, paguemos a los artistas. ¿Hasta cuándo?
Pero volvamos al Frinje, que esta edición promete. Wasted se presenta como una puesta en escena poco convencional. La cita es mañana jueves y el viernes en el Plató Cineteca. Una compañía joven de Lleida. El Frinje busca ese equilibrio, siempre arriesgado, entre compañías relativamente consagradas y otras que empiezan. No siempre aciertan. No pasa nada. Lo dice James Bond a menudo, en el riesgo está el placer. El 15 de julio se presenta Brickman Brando Bubble Boom en la sala Max Aub. Recuerdo que Pau Palacios, uno de los fundadores de la Agrupación Señor Serrano, me invitó a ver BBBB hace un tiempo. Era un viernes. Era en Badalona. Llamé a un amigo. Nos fuimos en metro a Badalona. Hacía muchos años que no iba a Badalona. Nos dimos un paseo, un par de cervezas, y vimos la pieza en el Teatro Zorrilla, un teatro dónde sí se paga un caché a los creadores. Hay que decirlo. No recuerdo ni el inicio ni el final de la obra. No importa. Recuerdo en cambio a Marlon Brando en el escenario. Muy vivo este Marlon Brando. Recuerdo que se construía y se destruía una casa. Recuerdo una luz blanca, un espacio escénico hipnótico, unos performers saltando, corriendo, felices. Recuerdo quedarme con buen sabor de boca. Teatro poético político polifacético.
También me quedé con buen sabor de boca ayer noche con La Blanca, un texto de María Folguera, interpretado por Anahí Beholi, dirigido por Luis Moreno. La Blanca es un “falso” monólogo sobre la raza, la memoria, la actuación, los prejuicios, la familia o la diversidad. Es también un collage escénico de ritmo vertiginoso en el que se suceden las entradas y salidas de personajes secundarios, espectadores muy preparados para la comedia de la vida, al ritmo que marca la actriz, convertida en una maestro de ceremonias de múltiples registros. Para los que se perdieron las dos funciones del Frinje, hay una nueva oportunidad la semana que viene, en el Teatro del Barrio, del 14 al 16 de julio. Espero que también pueda verse La Blanca en Barcelona. Sería ideal como actividad paralela de la exposición Ikunde, Barcelona metrópoli colonial, que se exhibe ahora mismo en el Museo de las Culturas del Mundo. A Copito de nieve le gustaría.
David G. Torres presenta:
Hablar por boca ajena.
Coda: Cielo
con Antonio Ortega y Marc Caellas
El año pasado en ADN Platform presentamos “La balada de Wendy”, una interpretación del primer capítulo de “Cielo”, una novela de no-ficción que publicará el próximo septiembre Turner Libros. En ella se narran una serie de hechos que suceden en los años ochenta del siglo XX y que tienen que ver con el uso de la libertad de imagen y sexual. “Hablar por boca ajena” es la continuación de aquel proyecto. Ahora toma como referencia un final o “Coda” añadido a “Cielo”. “Coda” explica los lugares en los que se escribió la novela: desde las notas tomadas en un paseo por Nueva York, a citas y trozos recogidos de otros libros, pasando por la visita a páginas de internet. Desvela la mecánica del libro y es un meta-relato que muestra como el hecho de relatar implica una experiencia vicaria, es decir, explicar lo que hacen otros y apropiarse de sus experiencias.
Si “La balada de Wendy” seguía una lógica cinematográfica (el comisario era autor y guionista, mientras que los artistas se ocupaban del script, la fotografía o el atrezzo), “Hablar por boca ajena” sigue un esquema teatral: un escenario en el que tiene lugar una actuación. La teatralidad y la performance remiten a la experiencia. Hay una dimensión física y experiencial tanto en el espectador como en el actor. Pero, al mismo tiempo, la actuación remite directamente a un acto impostado, que habla desde una experiencia ajena, de textos y hechos que no son propios, sino narrados: el actor es un ser trasparente, una especie de ventrílocuo o, de la misma manera que el escritor de “Cielo” que habla por boca de otros, narra experiencias ajenas. Por otra parte, el hecho de que el final de “Cielo” se presente en forma de exposición que deja restos de una performance, insiste en el dispositivo de la exposición como un relato que intenta reconstruir una experiencia que ya no está ahí, que ha sido vivida por otros y que es ajena.
En definitiva, “Hablar por boca ajena” también es un meta-relato, que replica la mecánica de “Cielo” en el apropiacionismo, en la cita y en la narración distante de hechos ajenos. Así suma más capas y recubre con nuevos relatos y textos la novela. Antonio Ortega y Marc Caellas se han dedicado a destripar “Cielo” replicando su misma lógica: sus propuestas plásticas y performativas insisten el llevar aún más allá su carácter meta-lingüístico.
“No estuve en New York” de Marc Caellas es una propuesta teatral y performática. Por un lado, en una performance durante la inauguración dos actrices enumeran los lugares de la Nueva York de los ochenta en los que no estuvieron, haciendo especial referencia a Warhol, uno de los personajes centrales en “Cielo”, al que también se refieren con una peluca que se reparten, arrancan y vuelven a colocar. De la perfornance quedan los rastros en unas fotografías con cámara Polaroid (como las que realizaba Andy Warhol) y el texto sobre los lugares de Nueva York en los que ya no hemos estado, pero que en la distancia forman parte de la formación emocional e intelectual de muchos: el Internacional, la Factory, el hotel Chelsea, la librería Rizzoli, el Mudd Club, Studio 54… También a Warhol hacen referencia dos screen test con la imagen de las dos actrices en cámara fija y que remiten a la inacción, a la ausencia de significado o al sujeto como pura superficie: es en la superficie donde sucede todo, los actos violentos, sexuales y también la condición bio-política que caracterizó el hecho de mostrarse o salir a la calle en los ochenta. Finalmente, como fondo de la acción, un vídeo recorre en Nueva York lugares que en realidad ya no existen, que tuvieron alguna significación pero de los que no queda rastro. En “No estuve en New York”, Marc Caellas recoge la referencia a la escritura y la actuación como el relato de experiencias ajenas.
Por otra parte, Antonio Ortega repite una de las estrategias de “Cielo” y muestra todas las maneras que conoce de apropiarse del trabajo de otros: colaborar, plagiar, replicar, incorporar, comprar y robar. Ha colaborado con The Fucker Bunny, un personaje que quiere follarse al arte y al que ha ofrecido una escultura/monumento que plagia las de Franz West. Ha plagiado al diseñador Garteh Holt con una estructura de luces que forman la palabra “Cielo” basada en la que presentó para la portada de la revista Netdiver Magazine. Ha incorporado la propuesta del artista Spencer Stange “Wifi bendecido”, una red inalámbrica bendecida por el párroco de la iglesia de Sant Medir con la clave WendyOwilliams (Wendy O’Williams la líder de Plasmatics, que siempre mostró su cuerpo explotando su carga sexual, es una de las protagonistas de “Cielo”). Ha comprado “Hélène Fourment aux puces”, la reproducción de un gravado que copia un cuadro adjudicado a Rubens (probablemente una copia de un original quemado en el incendio del taller del pintor) en el que aparece su segunda mujer: modelo del artista que durante 11 años de matrimonio fue enlazando embarazos, desmintiendo así que los cuadros de Rubens reprodujesen los estereotipos sexuales de la época. Y hace 17 años robó una fotografía de Nan Goldin que como prueba de autor estaba destinada a ser un regalo VIP. A través de este catálogo del apropiacionismo aparecen algunos de los elementos recurrentes en “Cielo”: la referencia al sexo, el cuerpo y la penetración, a los escenarios y el exponerse en público o a la distancia y la pantalla del ordenador como fuente documental. La propuestas de Antonio Ortega también son restos performáticos y en “Hablar por boca ajena” configuran el escenario.
“Hablar por boca ajena” es un meta-relato: una exposición que habla de un libro que habla de ex-periencias de otros. Finalmente, la propuesta de una exposición como un meta-relato incide en la actual discusión sobre el tipo de experiencia que aporta el arte contemporáneo… tal vez una expe-riencia vicaria.
Créditos
Marc Caellas:
“No estuve en New York”
Performance, texto, fotografías polaroid y vídeos.
Actrices: Bárbara Bañuelos y Mariona Naudin
Editora de vídeo: Anna Caellas
Agradecimientos: La Poderosa y Alex Viteri
Antonio Ortega:
“Escultura penetrada por The Fuckerbunny”, 2016
Polieuretano expandido pintado en amarillo y perfornance
“Plagiar a un diseñador”, 2016
Flexos sobre estructura de hierro
“Hélène Fourment aux puces”, 2016
Lámina.
“Nan Goldin robada”, 1999
Fotografía
“WIFI bendecido”, 2016
Modem y documento
Texto “Coda: Cielo”: http://www.davidgtorres.net/coda.html
Ahí está. 10 años de artes en vivo fue un ciclo de artes en vivo concebido a modo de retrospectiva por Rubén Ramos Nogueira y yo mismo con motivo del décimo aniversario del MUSAC en 2015. Fueron tres intensos días en el que se programaron siete piezas en distintos espacios del museo. Tanto el público de León como el que llegó ex-profeso de Madrid quedó con muy buen sabor de boca. Fue un extraño caso de buena sintonía entre programadores, técnicos, artistas, público y personal del museo. Una suma de esfuerzos que pensamos valía la pena repetir.
Aunque la cita era con motivo del décimo aniversario, consideramos que tal vez no era mala idea mantener esa cita anual para las “raras artes” -que diría Andrés Duque– y que, tras una conversación que hemos tenido mientras viajábamos Rubén y yo por la A2, a la altura de Medinaceli, hemos decidido que nos gusta más que Artes en vivo o Artes vivas. Por temas de presupuesto, no se pudo plantear unas jornadas ambiciosas, como las del 2015, pero no quisimos perder la oportunidad de ofrecer ni que fuera una pequeña muestra de lo que está pasando, aunque algunos se hagan los ciegos, en la escena española.
Así, este sábado 21 de mayo, y coincidiendo con la noche de los museos, se podrá ver en León dos estimulantes propuestas que han tenido cierto recorrido durante el último año ¡Nos vemos en León!
19:00 h. Hall del museo.
Inventario. Memorias de una aspiradora. Bárbara Bañuelos
Inventario es un recorrido inusual por parte de la memoria, los objetos, y la intuición. A través de la recolección de estos objetos durante los últimos 18 años, he ido constituyendo, a partir de fragmentos autobiográficos un mapa de ramificaciones infinitas, una intención de juego posible que se desplaza entre la ficción y la realidad, una apropiación de estos materiales e imágenes residuales a partir de los cuales comienzo a reconstruir mi historia personal.
El recorrido que estos objetos genera es inesperado, las relaciones y conexiones que se establecen no son premeditadas ni medidas y se despliegan solas a modo de memoria expandida configurando una búsqueda no lineal. Utilizo mi cuerpo como un archivo vivo corporal que habita las propias vivencias y devuelve la memoria a los objetos. Como si de un rizoma se tratara, cada historia se repliega sobre sí misma multiplicada en infinitas, manteniendo abiertas las posibilidades de lenguaje para que se conviertan en herramientas de acción.
Ficha artística
Creación, dirección e interpretación: Bárbara Bañuelos
Co-producción : Festival Escena Abierta y Fundación Caja Burgos (Programa Crea)
Con el apoyo de: “ Apuntes en Sucio” Teatro Pradillo ,Espacio AZALA y Festival In-Tacto.
20:00h. Hall del museo.
Hacía un ruido. María Salagado y Fran MM Cabeza de Vaca
“Etimológicamente, ‘ruido’ nos remite a una idea concreta y específica de lo natural; ‘zumbido, rugido, bramido, berreo’, también a imagen de lo social: ‘murmullo, alboroto, pelea, alteración del orden, ebriedad, éxtasis’. Se trata de un tipo de fuerzas y de formas que se resisten a ser capturadas, definidas, limitadas. Su borrosidad es una ventaja en algunos sentidos. Desafía toda teleología, todo orden, todo determinismo, todo significado. Tiene algo de explosión. Es como un arma para la guerra por nombrar el mundo. Esta idea comprende lo natural y lo social por lo que tiene de sacudida, de estallido, de explosión, de apertura, de ambigüedad, de inasible, de revolución, de violencia. Pero una vez abierta la brecha ¿qué mundos podrían darse por ella? ¿Cómo podría habitarse una naturaleza y una sociedad así? ¿En virtud de qué forma de vida querríamos hacerla durar?.”
Rafael Sánchez-Mateos Paniagua
Hacía un ruido fue el nombre de una zona de investigación que María Salgado y Fran MM Cabeza de Vaca iniciaron en enero de 2014 y completaron en diciembre de 2015. Esta zona fue mutando según pasaron el tiempo y la exploración, y dio en todo tipo de piezas de papel, piezas de sonido, una instalación, un disco, un libro, un panfleto, una plaquette, una película y un recital heterogéneo con el que giraron por diferentes ciudades. Los audiotextos que esta zona contiene fueron haciéndose mientras actuaban en lugares como el Espacio Naranjo (Madrid), 16 Beaver (Nueva York), Hangar (Barcelona), El Arsenal (Córdoba), el Teatro Alameda (Sevilla, 17 ZEMOS98), el CA2M (Madrid) y el Teatro Valle Inclán, dentro de El lugar sin límites, el festival organizado por el Teatro Pradillo para el CDN en junio de 2015.
Hacía un ruido es un trabajo de recolección, observación, procesado y montaje de los trozos de frases y pedazos de sonidos emitidos por las ciudades del globo desde el convulso año de 2011. Desde diciembre de 2010 se encadenaron, primero en países del mundo árabe, después en otros países, revueltas populares, tomas de plaza masivas y protestas continuadas en el tiempo contra la falta de democracia, la oligarquía política, la corrupción y la injusticia social agravada por la crisis. Esta ola de revueltas no suele ser asociada con aquella ola de disturbios del año 2005 en las banlieues francesas, pero quizá sí puedan todas ellas hacer de señal de un cambio de época. La lenta formación de unas nuevas subjetividades que todavía están por definirse en un sentido u otro y su colisión con una cultura que tarda en acabarse son algunos de los temas de esta obra que, a su vez, se vio enfrentada a un problema temporal.
Era imposible capturar en tiempo real un momento tan acelerado como el del ciclo que se abrió en 2011, pero era importante intentar que la precariedad de los ruidos que contenían dicha experiencia quedara inscrita en algún lugar como un trozo atesorado de aquel mundo, como un modelado de parte de algunas discusiones que entonces se abrieron, para que duren en el tiempo, y se recuenten.
www.haciaunruido.tumblr.com
Ficha artística:
Año de producción: 2014 Audios, texto, audiotexto e interpretación: Fran MM Cabeza de Vaca y María Salgado Edición de la plaquette: Rubén García-Castro / Astrolab / La Lenta Edición de audio del vinilo: Kamen Nedev / Acoustic Mirror Los vinilos fueron producidos gracias a la beca de HIAP / El Ranchito (2014) Asistente de programación: Alberto Bernal Producción: Rubén García-Castro / Astrolab Mesa: El Afilador
Programa doble en El Mirador del CCCB.
17 horas. ¡Prohibido aburrir!
Conducido por el creador escénico y escritor Marc Caellas, este taller aborda las distintas formas de presentar la literatura en vivo mostrando que la exigencia del discurso no está reñida con el espectáculo de una puesta en escena. Un taller para plantear formatos que, como la conferencia performativa, incorporan elementos de la dramaturgia, el activismo o la educación para atrapar a un público cada vez más exigente con las presentaciones en vivo.
19.30 horas. El estómago de los escritores (4)
Bajo la dirección escénica de Marc Caellas y con Jordi Nopca como conductor, nos introducimos en el estómago de Anna Dot y de Eduard Escoffet para descubrir, tal vez, cómo suenan las palabras una vez tragadas.
¿A qué saben los polvorones hechos a mano y numerados uno a uno? ¿Se puede vivir de las variantes del sésamo? ¿Por qué Catón “el joven” prefirió arrancarse las entrañas antes que rendirse? ¿A qué llaman, en ciertos ambientes noctámbulos, tomarse una María del Mar Bonet?
Observaciones: Una única entrada general (3 euros) permite escoger entre asisitir a las dos actividades (taller y diálogo) o sólo a una de ellas. Para asistir al taller es necesaria inscripción previa; para el diálogo, no.
