ECLIPSE MUNDO ¿de qué hablo si hablo de lo que ví el día 5 de abril?

Foto portada: nyamnyam, robada de su Facebook.

Destituir, dejar de ser, dar espacio, dejar lugar, dar lugar al lugar, dejar que la potencia tome la posibilidad y que la danza sea esa cosa, ese hilo, ese movimiento de contornos que nos permite articularnos y pensarnos des de esa posibilidad. Una posibilidad cualquiera de abordar un espacio enorme como Nave 11 de MATADERO el cual acoge su potencia como una opción que podría surgir inmanentemente. Pero la calma, el lugar del lugar, ya permite que el espacio se abra imperante delante de nosotros. Que la danza cuide ese lugar como un devenir, como una posible llegada, como una forma de ser sensible al hecho de que no está todo hecho.  La atención al presente nos muestra que este presente es un todo que nos abre y nos sensibiliza. Nos sensibiliza como un –ente y ese –ente es todo aquello que está en-tre nosotras, incluyendo nuestra propia sensación del cuerpo, las columnas, el espacio, el suelo, la temperatura, la distancia… un lugar que acoge y que se deviene y que se deja… Un lugar que no se produce como tal pero que nos roza. Que ya es pero que, a la vez, nunca acaba de ser.

Y, ya después, eso se sigue en papel para contarse en ese puesto, no-puesto,  donde la danza entra en un plano escrito, preocupado y articulado, como esos cuerpos. Donde la propuesta dentro del contexto arquitectónico y social del teatro, se desplaza para dibujar los contornos de un modo de hacer y des-hacerse.  Donde se abre un vacío de ecos que, a la vez, no nos permiten regresar.   Invisibilidad entendida como un lugar de visibilidad absoluto que nunca llega para que se siga haciendo.  “Es como si algo tuviera que seguir siendo invisible para seguir siendo lo que está siendo”.

Lo que ha hecho Paz es de un rigor que muchxs recordaremos durante mucho tiempo ya que da una base de discurso para el cuerpo con la que nadie se había atrevido a articular des del lugar mismo, y a través de esa forma dancística, desde dónde intentamos manifestarnos.

 

+ info sobre el evento: http://www.tea-tron.com/pazrojo/blog/2018/02/26/eclipse-mundo/

 

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De H a . en 4244 caracteres y algunas fugas.

De H a . en 4244 caracteres y algunas fugas. 

Hacer siempre implica la posibilidad de no haber hecho. Por otro lado, la acción es una capacidad individual que se puede convertir en algo común o comunitario; un hacer desde la invitación, la abertura, la disponibilidad, la co-mplicidad, co-mpañia, co-relación, co-existencia y escucha. Me retumban palabras de filósofas que hablan de la acción como un principio de libertad (1). Y vuelvo a esas palabras cuando era adolescente y hablábamos de responsabilidad con los amigos. Vuelvo a ese consejo en el que nos dábamos el soporte de hacer lo que nos diera la gana desde la responsabilidad que eso conlleva. Estoy con la habilidad de responder, la responsabilidad, contándome que su relación con la acción es implícita e incuestionable.

De no haber hecho, nada de esto hubiese ocurrido. Otras cosas hubieran pasado. Me encantan aquellos ejercicios en sesiones de improvisación e investigación en los que te concentras en el montón de cosas que podrías hacer. No escojas el primer impulso. Escoge el segundo. No escojas ninguno y mira cuál es la decisión de tu cuerpo. Visualiza todas las posibilidades que tiene este estar. Transfórmate en potencia. Incluso, ahora, me visita Meyerhold (2) con eso de que para ir de A a B en un escenario, existe un trayecto que merece de tu atención. Ir de A a B viendo como A1, Av’ ,A¶, &, ~, 0… mueren en el camino hacia B. Bergson (3) utiliza a Zeno y Massumi (4) utiliza a Bergson hablando de Zeno e informan de la paradoja de la flecha de Zeno (5) en relación al movimiento y la percepción: “la flecha que va de A a B despliega de un solo trazo, aunque en una extensión determinada de duración, su indivisible movilidad” (Bergson, p.25) y sigue diciendo que “la ilusión precede de que el movimiento, una vez efectuado, ha dejado a la largo de su trayecto una trayectoria inmóvil, con la que se pueden contar tantas inmovilidades como se quiera”(p.26). Bergson diría que no vemos la duración pero que la sentimos. Finalmente, la duración es el movimiento y “un movimiento único es completamente, por hipótesis, movimiento entre dos paradas”(p.26). Y, me decido a hacer una pausa en la siguiente frase “When we think of space as “extensive”, as being measurable, divisible, and composed of points plotting possible positions that objects might occupy, we are stopping the world in thought. We are thinking away its dynamic unity, the continuity of its movements. We are looking at only one dimension of reality”(Massumi, p.6).

Entender ese trayecto, esa multidireccionalidad, multitrayectoria y, a la vez, su concretud, su ya existencia como trayecto es importante, para mí, para entender el contexto del que formo parte. Hacer política es romper esa dirección de alguna forma y, a la vez, es permitir que la dirección siga existiendo en relación a esos finales. Las pausas teatrales son simplemente espacios de encuentro común, son espacios donde nos reunimos otra vez a partir de la atención y del devenir. Aunque sigamos, cada vez somos más conscientes de que estamos en movimiento, hacia un lugar… La responsabilidad sería la capacidad de reconocer ese movimiento, esa acción ya implícita en toda persona que es el existir en un mismo espacio. Ver y corroborar esa trayectoria. Hacer una pausa e incluso dejar que esa pausa se convierta en el ya existente devenir de la acción.

¿Cómo definimos un movimiento? Karen Barad (6) sale a escena vestida con sus pantalones y su americana negra y suelta una charla sobre física quántica, tiempo y responsabilidad que me deja pasmada mirando al cielo, mirando mi pierna, mis dedos, escuchando, oyendo y alojando células que viven conmigo y sin mi. Son estas mismas células las que alimentan mis venas, mis ganas y mis movimientos. Son la cinética de aquello que hago. Mi movimiento no es sólo mío. Es la representación de un movimiento que me precede. Y puede hasta que no sea un movimiento humano. Ni vertebrado. Ni nada de nada. Puede que venga de esa cosa sin nombre.
Y la acción vuelve como una capacidad que es dada y de la que uno toma conciencia. Turn your fucking head. Vive con la potencia de aquello que en lugar de partir ya ha vuelto. De aquello que ha finalizado pero en el que tú solo estás empezando. Genera políticas del devenir. Piezas del devenir.

 

  1. Hannah Arendt, La condición humana. Libro disponible en: https://clea.edu.mx/biblioteca/Arendt%20Hanna%20-%20La%20Condicion%20Humana.pdf
  2. Meyerhold, V.E. “Teoría teatral”. Editorial Fundamentos. 7a Edición. 2003.
  3.  Bergson, Henri. “Memoria y vida”. 1957. Libro disponible en: https://monoskop.org/images/b/be/Bergson_Henri_Memoria_y_vida.pdf
  4. Massumi, Brian “Parables for the virtual”. Dukle University Press. 2002. Introducción disponible en: http://www.brianmassumi.com/textes/Introduction.pdf
  5. https://es.wikipedia.org/wiki/Paradojas_de_Zen%C3%B3n
  6. Conferencia de Karen Barad: “Re-membering the Future, Re(con)figuring the Past: Temporality, Materiality, and Justice-to-Come” Disponible en: https://youtu.be/cS7szDFwXyg?t=7m51s
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TAZA/Mette Edvardsen

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Algunas personas ya han visto esta pieza en vivo ya que ha estado presente en Madrid o Barcelona. De todas formas, por los que la han visto, aquí va otra taza de ello. Por los que no lo han visto, aquí va una nueva taza. Una tazaTAZAtazaTaZa…

No quiero decir nada más.

¡Salud!

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MOLEMOS en Olot

Ariadna dice que molar es cuando disfrutas con alguna cosa.

Getse dice que una persona mola si es divertida, descojona y hace reír.

Colline dice que la vida mola cuando quieres una cosa y llega fácilmente.

Baruch dice que la felicidad depende de la calidad del objeto al que estamos apegados por el amor.

Spella dice que la felicidad es cuando ríes sin razón aparente.

Bertrand dice que la felicidad es un trabajo consigo mismo hacía el exterior.

El Instituto Coca-Cola de la felicidad dice que los españoles somos los europeos más felices.

Festucs dice que la felicidad es un estado constante y revolucionario.

Javier dice que la felicidad es estar-en-uno-y-en-todo libre, sin cargas y tomando cañas conmigo.

La lista sigue…

MOLAR (Relating to Más).

Molar

Relación

Masa

Más

 

 

 

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TAZA/Nadja Horton

Estaba apunto de dormirme en el tren Estocolmo-Copenhague (con control de pasaporte incluido) y he tenido el impulso de colgar un nuevo vídeo TAZA.

TAZA era unas cosas. Hoy puede ser otras. Como siempre…

Pues. Pienso en TAZA. En una TAZA. Pienso en los consumidores, pienso en la gente que bebe en TAZA, en la gente que da por supuesto que con las tazas se bebe. Luego, pienso en la paradoja de la TAZA como el espacio escénico. La TAZA és un contenedor. Igual que cualquier teatro. La TAZA retiene un líquido, es consumido y se limpia. El teatro retiene un líquido, es consumido y se limpia. La TAZA tiene una forma concreta la cual reconocemos como TAZA. El teatro igual. Totalmente igual. Al final la paradoja no será tan para(n)do(i)ja.

Pues, volvamos a la TAZA-TEATRO. Vamos a un bar. Nos pedimos una TAZA-ENTRADA. Lo que esperamos encontrarnos es ese líquido que se puede beber, esas convenciones que se pueden consumir, ese líquido que nos deja un gusto en la boca, esa cosa que bebemos y que sabemos que estamos bebiendo. Si bebo cada día de la TAZA y siempre recibo el mismo líquido; el día que me den cereales en esa taza me voy a atragantar. Pero es que la TAZA no sólo sirve para poner café con leche o té, la TAZA puede ser un contenedor de cereales, chuches e incluso puede ser un florero. Incluso, hay gente que, a lo mejor, te preguntará algo así cómo: ¿Te gusta esta TAZA?. Y, luego, hay gente que podrá responder que lo que más le importa de la TAZA es que le dé de beber, que le alimente, y que le da absolutamente igual observar la TAZA mientras siga teniendo la opción de saciar su sed.

Existe un peligro: Que, si no miramos el contenido de la TAZA, nos podemos atragantar. Antes de beber de una TAZA hay que mirar el contenido. Porque intentar beber cereales es, ciertamente, un poco complicado. Si no miramos el contenido del TEATRO, nos podemos atragantar. Dar por supuestas las cosas no es un problema de la TAZA o del TEATRO, sino del que ha servido la TAZA y del que se la va a beber. El TEATRO puede ser un BAR en el que entrar y decir “LO DE SIEMPRE”. Pero, en cambio, hay otros en los que llegas y te dicen “¿QUÉ QUIERES DECIR CON LO DE SIEMPRE?”.  Confío en que la pregunta dará menos cosas por supuestas.

O sea, volvamos a algún lugar. Estocolmo. Verano. Programación gratuita de DANZA (que rima con TAZA). Me cuentan que la programación anterior era muy convencional (TAZA con líquido, fácil de beber. Rollo Coca-Cola). Este año, quieren poner COMIDA en la TAZA. Quieren que la gente tenga que masticar un poco una comida que ha estado elaborada a conciencia para una TAZA-TEATRO que hace preguntas (que hace masticar, vamos!).

Y vieron RADIO DANCE de Nadja Horton:

Evidentemente, rodaron cabezas esa noche. Gente estuvo despedida. Gente enfadada. Enfurismada. Eso me han contado. Eso creo. Eso me gusta pensar. Eso me gusta imaginar. El director del Festival de verano fue despedido.  Al final, la TAZA sigue intacta. Y NADJA sigue mirando la TAZA para ver qué poner dentro de ella que cuestione su rol garantizado de TAZA LÍQUIDA.

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Papel e historia.

A algunos, nos cuesta darle la razón a la historia. Incluso, pensamos que es difícil saber lo real de nuestros recuerdos. Pese a esto, sospecho que los recuerdos son pequeñas presencias que pertenecen a los individuos y, por otro lado, la historia es una generalización de las experiencias colectivas.

En una charla en Estocolmo, Deborah Hay mencionaba que empezó a escribir porque quería ser dueña de su propia historia. En cierto modo, una forma de crear legado. Su decisión, venía más por las palabras y los comentarios que recibía de críticos que no por un deseo propio; se dio cuenta que los periodistas escribían una visión de su historia y de su trabajo que no coincidía de forma precisa con su contexto. Así pues, Deborah Hay decide controlar su legado, su historia y publicar(se)la.

Publicar un papel es darle una legitimación al discurso que no tenía anteriormente. Derrida habla a la perfección de este aspecto en “Paper or me you know…” en el cual comparte reflexiones alrededor de la hegemonía del papel y de la forma en cómo las estructuras sociales se han desarrollado alrededor-y-con el papel. Incluso, Internet es considerada una extensión de un papel debido a que sus fuentes residen, sobretodo, en lógicas “papiriles” (un blog o una página web no es más que una reproducción de aquello visualizado en papel). De todas formas, el papel físico, el objeto-sujeto, “trata de una experiencia que envuelve al cuerpo, empezando por los ojos, las manos, la voz, las orejas; pues moviliza tiempo y espacio”. Siguiendo con este pensamiento, considero que el concepto del papel, alejado de su presencia física y analógica, ha afectado nuestra forma de pensar el mundo y, sobretodo, de contar nuestras experiencias.

La experiencia es algo que ocurre al momento; cuando deja de ocurrir ya no es experiencia sino relato. Relatamos lo que vivimos y, a veces, nos perdemos en ese relato de tal forma que la experiencia (el sentir, la moción de nuestra transformación…) desaparece para reproducir estructuras y formas que ya nos son familiares. Esa propia idea del papel dentro de la experiencia, hace que proyectemos aquello que nos ocurre a partir del relato que narraremos sobre eso. Así pues, es posible que asistamos a lugares sabiendo de antemano lo que narraremos y, es posible, que no sepamos encontrar un presente más allá del relato que ya representamos.

“El paper sortirà de la història” menciona alguién en una de las activaciones de “APPRAISERS/aquesta conversa” dentro del Festival Sâlmón. Si sigo con mi mirada en Derrida, puedo leer que el papel es la culminación del narcisismo. “Desde hace varios siglo han sostenido, apuntalado y, por lo tanto, en verdad, construído, instituido la experiencia de la identificación consigo mismo (“yo que puedo firmar y reconocer mi nombre sobre una superfície de papel”, “el papel es mío”, “el papel es un yo” “el papel, soy yo”). El papel se convertía con frecuencia en el lugar de la apropiación de sí mismo por uno mismo y, luego, de un devenir-sujeto de derecho, etc.” (Derrida, pàg 278). Si el papel desaparece, a lo mejor, esa representación de la presencia se transformaría en algo mucho más corpóreo. A lo mejor…. si el papel no existiese, nuestro cuerpo sería lo que nos legitímese. Esa idea, no está muy lejos, de las nuevas políticas de la información y de la forma en cómo se generan datos a partir de las acciones que realizamos online, así como de estudios de dispositivos aplicados a cuerpos de voluntarios que mandan información constante a una base de datos sobre rendimiento emocional, físico o social. Desde la perspectiva de la información, no existimos en papel sino que existimos dentro de algoritmos y números binarios. Somos una mercancía que no podemos leer porque su contenido está en transformación constante. Esa misma transformación constante también permite que surjan ofertas y posibilidades de consumo continuo, permitiendo que surja un historial, una representación de un ser que se une y se aleja de otros, que es segregado e, incluso, alienado. Pese a desearlo, las nuevas tecnologías no legitiman pero tampoco olvidan; comprimen.

Y los papeles son aquello que sostiene una/la historia. De todas formas, es importante reconocer el atisbo de sombra que se esconde dentro de cualquier evento. Es de una lógica aplastante reconocer que detrás de cualquier historia hay un secreto; hay algo que no ha sido contado. Existe la posibilidad que, pese a la legitimación del papel, la historia no plantee una verdad sino más bien la sombra que conlleva. Y podríamos llegar al acto escénico, algo así como un contexto con normas pre-establecidas que se sale de alguna lógica racional o estandarizada de la realidad; el acto escénico como una posible huida, como un estado liminal que nos suspende en relación a las normas de dónde venimos y que, a la vez, puede reafirmar ese lugar (el del cuerpo, el del afecto…); el acto escénico como un evento que tiene el potencial de ser simplemente y arrolladoramente un presente. ESTE PRESENTE.

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GASTARSE en MADRID, parte 1

Un texto que escribí alrededor de esta gente, decía lo siguiente: “Más que nunca creo en la incondicionalidad, en el amor y en la simpleza; allí es donde reside mi verdadera revolución.” 

Más allá de los formatos en los que uno surfea o se obsesiona-con, hay ciertos lugares que indican tu procedencia y el lugar des del cual haces las cosas. Y partí de este lugar; de la incondicionalidad, del amor y lo simple como espejos des de los que encontrarme de vez en cuando. Es casi evidente que la inconcidicionalidad y el amor  son relacionables, son plataformas desde donde comunicarnos y medirnos. Dentro de la incondicionalidad, esta el compromiso. Dentro del amor, esta el cuidarse. Dentro de la simplicidad, esta la relación con uno mismo, lo terrenal, lo relativo, lo superlativo, lo superexistencial; lo humano. Dentro del amor, esta el odio, esta el rozarse, esta el escupirse, esta el estar-con, esta la imaginación… Dentro del compromiso, esta la responsabilidad, la propia relación con las norma, la impotencia, la lucha, el sentido de lo correcto, la ética, la moral, el sentido crítico…. Dentro de lo simple, esta lo simple como plataforma para elevarnos. Dentro de lo simple esta lo más complejo…

Podría seguir haciendo un ejercicio de palabras y cosas que contienen palabras y acabar definiendo con otras palabras las palabras que nombro. Pese a esto, las palabras simplemente empujaran unas acciones que van mucho más allá de cualquier intención de poner un nombre a lo que ya estamos haciendo.

Esto es una relación. De muchos. Que están y que no están.

Esto es una entrega.

Y, después de tener problemas para conseguir un nuevo bolo como FESTUCS, nos vamos a DT Espacio Escénico, Madrid. Esto va a ser una experiencia para todos. Y estamos dispuestos a transformarnos desde la experiencia.  http://www.dtespacioescenico.com/pag_sencilla.php?orden=160116&id=716

Rubén me preguntó si giraríamos mucho. Esta es solo una y, de momento, no sé si hay más. Todo depende de ellos y de los lugares que quieran estar-con ellos. Ellos se lo merecen todo; sobretodo, porque su generosidad no busca un reconocimiento artístico sino que busca algo que es mucho más profundo que eso y que no puedo ni contar. Este proyecto es tan personal que no debería estar ni en mi currículum. De todas formas, muchos de los proyectos que realizo no deberían estar en mi currículum porque son una forma de crear relaciones; una forma de cuidarse dentro un contexto que suspende lo que somos y que nos hacer ser incluso más de lo que eramos. Un lugar que NOS-H(n)ACE.

 

nota: la semana siguiente estaré en Pradillo compartiendo otro proyecto: APPRAISERS. Del 18 al 21. Esto es información. No autobombo.

 

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Afectos de un lector.

Hoy he leído muchos textos. No he leído para ser inteligente si no que he leído para ser movido y seguir siendo movido. Algunos textos eran largos, otros eran cortos, otros no eran textos en sí (¿Cómo contar el texto del árbol de cien años? ¿Y el texto de las piedras que se mueven? ¿Y el texto de las cosas?). Me gusta pensar que el texto es una trayectoría como otra. Una trayectoría que passa, que ocurre y que puede volver a ocurrir dependiendo de si nos ha gustado el camino, si nos ha creado curiosidades o si nos ha ofrecido palabras o posiciones que nos soportan, etc.

Con Carme hablábamos mucho del rizoma. Hablamos bastante de la importancia de dejar que las relaciones aparezcan por sí solas. Dejar que lo que pienso, y lo que habito, sea tan abierto hasta que el mismísimo pasado encuentre su lugar. Y esté bien. Con ello.  Ademàs, esa visibilidad da espacio a lo invisible, a lo que no està, a los fantasmas, a todo aquello que acarrea el mismo estar aquí “con-esto”. Nos movemos con “las cosas“. Lo que nos rodea. Nos movemos porque pensamos. Pensamos porque nos movemos. Nos movemos porque hemos sido movidos. Lo que nos mueve no son siempre las personas. De hecho, últimamente las personas me mueven porque són movidas por las cosas. Las cosas, los sustantivos, siguen estando aquí.

(Hoy he leído extractos del libro “The Sex Appeal of the Inorganic” y me he puesto francamente cachondo. Él habla de “las cosas”.

El pasado no es una reafirmación de lo sabido, ni una excusa para no activarnos. El pasado simplemente és aquello que me deja ser presente. Es distinto trabajar con lo que ya existe en mí que buscar lo que existe en mí en los otros. Es todo un tema de apropiación que me parece importante darle visibilidad ya que, me temo, muy a menudo (ATENCIÓN: esto que digo es muy automático. Es pensar en voz alta. Totalmente cuestionable.), que se confunde “el ser-vago” con “el ser-analítico”. Dicha refelxión se me disparó cuando, leyendo a Lepecki, esta frase me encontró: “… an unbearable choreographic demand of always being in permanent state of franctic agitation, of producing and reproducing without creating.” (Lepecki, “Teleplastic Abduction“, 2013). Producir y reproducir sin creación. Esto me dejó muy loco y sigo dandóle vueltas a esto del producir y reproducir sin creación. Engendrar y engendrar otra vez sin afecto. Es curioso ver como las dos palabras vienen de la misma raíz etimológica: engendrar. De todas formas, creación acarrea afecto y producir siempre engendra su mismo producto. Siempre se engendra a sí mismo. Ingeniare, “hacer, nacer, crear”.

Me pregunto si és posible dejar de dar homenajes a los maestros y empezar a darnos homenajes a nuestra pròpia manera de entender el mundo. Las referencias son buenas para generar activaciones pero no para anclar su potencialidad. ¿Y si lo que he aprendido en estos años es lo que me ayuda a seguir? ¿Y si lo ya existente es precisamente lo más interesante para mí? ¿Y si “todo lo ya creado” se ha vuelto tan disfuso y tan pervertido que és importante para mi discernir lo creado y lo inventado? ¿Y si no sé leer y en lugar de tener un cuerpo sin órganos tengo un cuerpo con michelines? ¿Y si dejo de poner palabras a mis pensamientos y genero acciones? ¿Y si me preocupan más las éticas que los actos que se representan? ¿Y si dejo de dar inteligencia al público y permito a la gente estar con su intelecto?

Hoy me ha leído un texto que me ha parecido canela fina. Y aquí va un trozo de él:

“(iv)       In this pleasing culture, we are so kind to accept missions that are given to us but are not ours. Problems the political world cannot solve are put on our shoulders to deal with. Racism, social discrimination, failing education systems, intolerance…

Of course the arts have to deal with these issues, but we will never be able to solve these fundamental problems. And we don’t have to.

We should have the courage to refuse these missions.

(v)       Also, in this pleasing culture, we constantly adapt to who is addressing us. We answer in the different languages, in the different logics of our counterparts. Mistake again.

To the politicians we speak with political arguments, to subsidisers and sponsors we speak with financial, economic arguments and of huge audiences. To audiences we speak with entertaining arguments, with the press we speak with superlatives and exclusivity arguments. And with colleagues, we confirm each other.

We must urgently find our artistic language and artistic arguments again.

Because everything of value is defenceless.

Audience numbers are important, good management is essential, good marketing and communication are obviously needed, financial management goes without discussion.

But the real argument to defend the arts is what happens in the heads and hearts of people who attend a theatre show. And this we cannot measure, we cannot prove.

The arts are elusive.

Texto entero

Y, en un momento de este texto, pregunta: “Cual és la posición del artista?” Joder, la PO-SI-CIÓN del artista.¿ Qué posición? ¿La que el mismo sistema empuja a que tenga? ¿O la posición de mi diálogo continuo entre mi práctica, mi supervivéncia y las relaciones (con cosas, persona incluídas) que voy generando? Me parece que la posición del artista,en el caso de que DEBA tener una posición, es la de la conversar. Conversar como un acto de girar juntos. Conversar como acto de generosidad. Conversar como acto de colaboración. Conversar como aprendizaje. Conversar como des-humanización de la individualidad. Conversar como un poema, un puzzle, un paseo o una tortilla de patatas de la mejor chef. La posición, en el caso de que deba existir, es un estado de diàlogo en movimiento. Y esta frase, en lugar de ser un “statement“, és una frase que empieza y termina para que lo tuyo empiece.

¿Como generamos movimiento de opiniones (como Lisa Nelson diría) en lugar de estado de opiniones? Diego Agulló, en el Festival¿Que Puede un Cuerpo? sosteniendo la pregunta”, me contaba que había preparado su ponencia sólo con preguntas. Lito Walkey, coreografa afincada en Berlín, ofreció un taller en el que defendía las preguntas como una forma de activación. Y, es cierto, las preguntas son las que mueven el mundo. Porque, a partir de las preguntas, hemos creado, la hemos cagado, hemos definido, hemos creado teorías, pràcticas, movimientos y afectos que no se pueden nombrar. Las preguntas generan movimiento. El movimiento surge a partir de la busqueda. Todo aquello que surge a partir del estándard de todo aquello que ya sabemos no es movimiento, es automatismo. Y los automatismos son peligrosos. Tengo miedo de todos ellos y cada día debo preguntarme cómo estoy, cómo veo, cómo me relaciono con cada aspecto de los contextos en los que me encuentro. Es complicado y muy paradójico. La cago por todos lados. Pero és importante dar valor a estos automatismos, a estos lenguajes, a estas cosas “dadas-por-supuestas” y todos los apparatus (Agamben, 2009)que hemos aceptado sin-querer-queriendo-pertenecer.

Ranciére habla de la diferéncia entre política y policía. En “Ten Thesis on Politics” (2001) comparte que la política re-define los espacios y que la polícia simplemente busca que no se vean estos espacios: “Sigan andando, aquí no hay nada que ver“. Desde mi punto de vista, la política tal y como la conocemos se ha vuelto en polícia y, por oposicón, la noción de política ha desaparecido. Los contextos escénicos son relevantes para dar visibilidad a estos aspectos y podría ser relevante dar más peso al espacio político (como generador y re-definidor de espacios). ¿Qué espacios pueden sostener esos dominios? ¿Deben los artistas generar relaciones estáticas con estos espacios?  ¿Cómo se conversa con el receptor dentro de estas prácticas de lo político? ¿Cómo dejar de representar el ideal de artista multidisciplinar-sinetiqueta-teatral-quenecesitacomer-superviviente y que se comparte en los festivales y los teatros a partir de las mismas herramientas que critica?

Me he enterado que el ejército de los Estados Unidos ha invertido una gran cantidad de dinero en encontrar un remedio para que la gente duerma menos. Pretende ser, como siempre, un invento para que los miliatres duerman menos y estén más preparados para el combate en cualquier momento. Evidentemente, és una manera de afrontar la disminución de militares en el Ejercito. De todas formas, ese invento, se sabe, que será una posible fuente de ingresos, ya que la gente, cada vez más, quiere trabajar, quiere producir y “le gustaría no tener sueno para poder seguir trabajando”. Si solo pienso que Internet apareció a raíz de una estrategia militar, no me puedo ni imaginar el medicamento sin-dormir. Esta investigación, y la idea del 24/7 (Jonathan Crary, 2013) , encara y plantea los límites y los parámetros de la sobre-producción i la sobre-demanda invisible a la que nos encontramos. Esta claro, que el 24/7 és el Apocalipsis del Capitalismo. Gastar todo el rato, a todas horas, sin parar. Producir y reproducir. A piñón fijo.

Rubén habla del aburrimiento un poco. Supongo que me doy el permiso de aburrirme como revolución. De dormir como revolución. El trabajo de Deborah Hay se ha vuelto más y más relavante, en parte, por ese aspecto del aburrimiento y por su linealidad en el trabajo. Deborah Hay, que acaba de estrenar una pieza con el Cullberg Ballet, plantea la observación como un eje central en su trabajo. En una de las entrevistas que le hicieron en Estocolmo, digo algó así como que a ella lo que le interesa es ver lo que ven los intérpretes, ver lo que los ojos ven y como se posicionan en el mundo a partir de su mirada. La última parte de esta frase es más mía que suya. Y la mirada, no la entendemos como el ojo que ve y se posiciona, si no como la mirada que toca (Alva Noë, Action in Perception, 2004) “El sol no solo ilumina si no que de manera inseparable calienta”, Icaro.

Esta frase de Ícaro la leí en un texto maravilloso de Marina Garcés dentro de “Un mundo común“. Y acabaré con ella este pequeño secuestro que me he generado a mi mismo. En una charla sobre el compromiso, decía “El compromís no és un problema d’ opcions si no de posicions i asumir-ne les conseqüéncies, és descobrir i descobrir-se en el món. Des d’aquesta posició, el que veiem s’altera.” (Marina Garcés, CCCB, 2013, https://vimeo.com/60445641 ). Todo me lleva al compromiso. Compromiso. ¿Desde dónde? Y no enteder ese dónde como la posición estàtica del yo, si no como la intra-posición con la que me relaciono con todo lo que veo y lo que ven las cosas de mí. Dejar de entender el YO como un conquistador (Laura Llevadot, Identitat i diferència, 2015) y dejar que el YO o ESTE sea el medio por dónde ocurren todas las cosas que son cosas, incluído lo que me pase a mí.

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TAZA/ Ivana Müller.

TAZA ha llegado al 2015. TAZA sigue intentando compartir piezas con las que cada uno se compromete como quiera. Durante fin de año, TAZA ha mirado hacia atrás, se ha pensado y, a la vez, no se ha cuestionado nada. Absolutamente nada. ¿Cómo seguir compartiendo?

TAZA se preocupa por los nombres recurrentes, las ideas recurrentes, las miradas recurrentes, TAZA no se preocupa mucho por lo que esta de moda en el 2014 ni se preocupa por llevar de vuelta o crear cierta nostalgia… TAZA es un Festival desde casa a partir de las posibilidades que nos ofrece Internet. En ese caso, Internet ha transformado aquello que es presente para convertirse en algo “permanentemente” presente des del punto de vista del receptor. TAZA sabe que estamos todo el día recibiendo y que Internet es un canal, una herramienta, que ha franqueado y roto con todo lo temporal que llevábamos cosechando.

Dicho esto, tan aleatorio y poco argumentado, vamos a ofrecer otra experiencia TAZA.

IVANA MÜLLER. Coreógrafa conocida en Holanda y, durante un tiempo, una de las promesas de las nuevas dramaturgias en Europa. Una mujer que, aparentemente, ha seguido una línea de investigación muy clara y que ha invertido bastante en su propio interés. Después de una pieza que la llevó a actuar a muchos de los teatros y espacios más reconocidos del mundo contemporáneo, esta mujer realizó otra pieza que no le llegó a funcionar. Curiosamente, TAZA considera que esa pieza era un piezón, que era tan o igual de limpia como la anterior y que el uso del vocabulario seguía siendo interesante. Según algunas lenguas, lo de esta segunda pieza fue una repetición de estrategia de la pieza que la “hizo famosa”. Parece ser que hay comisarios, creadores y público que no llegan a diferenciar entre estrategias repetidas de marquéting e intereses artísticos a largo plazo. Pensamientos a parte: el trabajo de Ivana Müller tiene algo de relevante, de interesante y de bonito de ver des del sofá, la silla, el puf, la mesa, la cocina o la cama.

A continuación, dos enlaces interesantes:

1.- Un vídeo que realizó en La Porta Barcelona hace ya algunos años y que me remonta a cierta pieza próximamente en nuestros teatros.

https://vimeo.com/105362351

2.- La segunda pieza de Ivana Müller. Una pieza trabajada a nivel corporal y textual de forma casi milímetrada.  Curiosamente, es la única que no va de gira como las otras.

Más información?

Pues en su página de VIMEO os podeís poner las botas con trabajos más nuevos. Ademàs, en YOUTUBE podeís ver la pieza entera de “While we were holding it together”, una pieza que se ha compartido muchas veces en muchos teatros y considerada historia para algunos teóricos.

Su perfil en VIMEO: https://vimeo.com/user8986845

 

Y si quereís más, a partir de allí, seguro que podeís viajar.

Buen viaje.

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ODA A CRISTINA BLANCO

Uno acaba de salir de ver “El Agitador Vortex” de Cristina Blanco en el Mercat de les Flors. Uno acaba de ver otro trabajo pero esta totalmente comprometido y enamorado de Cris Blanco. Así. Sin más. Y que el amor o la pasión no asuste a los lectores. Que el amor y la pasión estan en todas partes y llegar a entender eso y trabajar desde allí es, por delante de todo, un acto de valentía al que muchos les gustaría aspirar.

Hoy es uno de esos días en que me siento con el deber de hacer un par de cosas públicas. Allá voy:

 

Oh, Cristina, que juegas, te comprometes, simpatizas y ejemplificas. Tu coreografía del accidente se sostiene gracias a tu gracia, a tu talento interpretativo, a tu capacidad de asumir riesgos y a la frescura que le permites a tu curro de tener. Oh, Cristina, que me haces sufrir y disfrutar, que me sorprendes y muchos otros verbos que no sabría como inventar. 

Tu principio es desternillante, inteligente y comprometido. Lo único que mi mente puede pensar es “Oh, Cristina! ¿Cómo has llegado hasta aquí?” “Oh, Cristina, ¿Cómo has llegado hasta aquí?” “Oh, Cristina ¿Cómo coño has llegado hasta aquí?”. 

Como todo buen trabajo, tu trabajo cae y, lo que parece inevitable, no ocurre: después de que empezará a perder mi atención y empezará a flipar, más y más, con tu capacidad de generar dentro de tú propia acumulación de accidentes que, claro está, cada vez sorprenden menos; Tú, Oh Cristina, vas y me sorprendes con una canción. “Oh, Cristina ¿Cómo has llegado hasta aquí?” “¿Cómo llegas a sorprenderme sin espectacularidad pero con ligereza? 

Eres como un buen episodio de los Simpson, como una buena pieza coreográfica o como un collage bien/mal hecho.  Gracias. 

Gracias.

Tu valentía solo se puede producir como fruto de la obsesión y del amor al trabajo. Tu valentía solo puede salir del cariño a la propuesta y de las ganas de jugar con ella. Tu valentía y tu riesgo siguen en mi pupila.  Cualquier creador contemporáneo, debería ver este trabajo para poder saber de lo que hablo.

Me piden el ordenador. Debo parar. Podría seguir escribiendo mucho más, podría seguir mucho más. Cómo tú con Vortex. No puedes parar y eso es francamente motivador.

  Oh, Cristina…

Todos aquellos que mañana estén en Barcelona, que hagan el favor de NO perdérsela.

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